Debut de este dúo de Indonesia, quienes ya tienen cierta trayectoria
individual en otras bandas, por lo que la calidad y brutalidad de su música en
este trabajo está garantizada.
El dúo Perveration está integrado por Jossick en voz
y Sahrul Ramadhan en batería, guitarra y bajo, y en cada una de
las canciones solo se escucha un potente death metal con esa dosis de
horror y tripas que le añaden el ingrediente clásico a este tipo de música, en
donde la batería arremete con mucho blast beats y otros ritmos que
junto a la voz es lo que mas destaca.
El ahora vapuleado Chris Barnes es sin duda responsable del uso de este tipo
de voz, que a partir de lo que el creó han ido desarrollando bandas
posteriores a los primeros clásicos de Cannibal Corpse, incluso ese sonido
típico del bajo, y la batería sonando a una cajas de cartón, son
características de las primeras bandas en explorar estos sonidos, por lo que
este dúo no hace mas que hacer la música brutal que les gusta, sin ningún afán
de evolucionar nada. En ese sentido, la mayoría de canciones suenan parecido
debido a una producción que se encargó de tapar demasiado el sonido de las
guitarras, y prácticamente solo se escucha la batería y la voz, por lo que
cuesta diferenciar una canción de otra. Me gustaría decir escuchen
"Covid 69" o "Dying Taste", por esto u otro, pero no, todo parece la misma cosa, aunque al final se
sienta cierta diferencia mas por el trabajo de la batería.
Un disco brutal sin duda, pero en donde la grabación no permite apreciar mejor
cada una de las pistas que componen este trabajo.
10 años tuvieron que pasara para que los teutones de Victory lanzarán un nuevo material titulado Gods Of Tomorrow, como lo he mencionado esta pandemia a provocado muchos regresos de bandas que uno creía que ya estaban en el retiro, cabe mencionar que de la alineación original de los 80´s solo queda el guitarrista Herman Frank.
AFM Records es el sello por el cual se presenta Gods Of Tomorrow, conformado de 14 canciones y una duración aproximada a una hora, un poco extenso este material a mi parecer.
Qué es lo que tenemos aquí aparte de un mezcla de hard rock y heavy metal, algunas canciones que te hacen recordar a ese sonido que tiene Van Halen, MSG o Scorpions son esos riffs que aunque son pesados tienen esa característica que te contagian de energía, en unos temas se puede notar el tremendo sonido del bajo, en resumen cada canción está perfectamente equilibrada, siendo el único detalle que son sonidos que ya anteriormente hemos escuchado. Comentaremos un poco las piezas que encontré más interesantes. “Love & Hate” con estribillo que se quedará en tu mente, y un buen trabajo de guitarra. “Cut To The Bone” un tema que tiene toda una esencia rocker con esa guitarra soleando de fondo, una voz que trata de ser un poco más ruda, y ese sonido del bajo es algo que se disfruta de esta pieza.
“Dying In Your Arms” una pieza que va a un medio tiempo con guitarras con acordes limpios, en el momento donde la voz sube de tono es magnifico por que las guitarras la siguen de buena forma. “Into The Light” sube la rapidez en los riffs notablemente y además suenan un poco más pesados que en temas anteriores, los coros es algo que destaca de esta pieza. “My Own Desire” es otra de las canciones más pesadas de este trabajo, tiene un interesante cambio de tiempo donde sube toda su intensidad en la batería. “In Rock We Trust” un nombre de canción que cualquiera va querer escuchar, es algo corto no llega a los tres minutos de duración pero tiene lo básico que son estribillos más contagiosos que el covid.
Victory regresa con un álbum que te va contagiar con la energía de cada una de sus canciones. Es un material que cualquier seguidor del metal puede disfrutar.
Hay infinidad de bandas que en los ochentas solo dejaron un par de trabajos y desaparecieron de la faz de la tierra, otras con esta pandemia surgieron de esas cenizas para grabar nuevamente y publicar nuevo material, acto que muchos consideramos sólo un acto nostálgico.
Alien Force es una banda antaña en la escena del heavy metal, muy conocida por algunos por su álbum Hell And High Water (1985), el cual si no han escuchado recomiendo que lo hagan, después de más de 35 años tenemos la oportunidad de toparnos con un nuevo trabajo de estos daneses titulado We Meet Again.
We Meet Again es el tercer trabajo de larga duración de Alien Force el cual está conformado de 10 canciones que nos da una duración de 44 minutos aproximadamente y está bajo el sello de From the Vaults. En el arte de portada de nueva cuenta nos topamos con la imagen característica de la banda con un fondo gris con una calavera difuminada al fondo, tal vez esperaba algo más de esto pero bueno.
Algo que puedo decir que caracteriza a Alien Force es el tono de voz de Peter Svale Andersen la cual no ha cambiado mucho en estos años. Empecemos a desmenuzar este trabajo comenzamos con “Set Me Free” estribillos constantes, guitarras con riffs sencillos pero con unos solos interesantes. “Rebellions” es un tema que ya había escuchado un par de años atrás, una canción potente, con guitarras que dicen esto es metal, un estribillo muy pegadizo ideal para corear y alzar el puño. “I Decide For You” es una pieza no muy rápida, un sonido un poco más apegado al hard rock. “Sceptical Feeling” es uno de los adelantó que tuvimos previos a este lanzamiento un buen tema, con estribillos que dan ese toque de fuerza a esta canción. “Killing Time” se desarrolla a medio tiempo con una variante en las voz, guitarras fuertes y con melodía constante.
“Forgive Me” es una buena pieza de este material con un comienzo muy tétrico, buenos riffs que tienen ciertos destellos. “We Meet Again” llegamos al tema central del álbum mismo que le da nombre y si tienes sus cosas buenas como esos coros los cuales te incitan a cantarlos. “Precious Time” de nuevo se disminuyen la rapidez en las guitarras por momentos, el bajo capta la atención con su sonido, coros fuertes para resaltar esta canción. “Temptations” es otro de los temas relevantes de este trabajo con la fórmula siempre efectiva de riffs gancheros y estribillos muy pegadizos, algo a destacar de esta canción es el trabajo de guitarra. “Song ForYou” es un tema totalmente acústico lleno de melancolía, sin duda la parte más suave de este álbum.
Alien Force marca su regreso tal vez no con el álbum mas espectacular del año, un álbum recomendable para lo que disfrutan del heavy metal tradicional.
Estilo Musical: Heavy Metal / Thrash Metal / Metalcore
Trivium regresa con su décimo álbum de estudio y el cual me generaba buenas expectativas pues el anterior "What The Dead Men Say" fue de mis favoritos del año pasado. No hubo que esperar mucho puesto que la pandemia les dio tiempo, como a la mayoría de las bandas, de trabajar en nuevo material. La banda ha ido mejorando con los años forjando un sonido personal que bebe del Heavy Metal, Thrash Metal, Metalcore, Progresivo o Melodeath cuyos sonidos decoran las canciones y dotan de variedad a cada una de las 10 canciones de este álbum. Para la masterización la banda contó con Ted Jensen y en cuanto a la mezcla y producción, Josh Wilbur fue el elegido. Cabe destacar la hermosa y épica portada que es una pintura de Mathieu Nozieres y calza bien con las letras del álbum inspiradas en mitología y literatura fantástica.
El álbum no tiene pierde y la banda demuestra que está quizás en su mejor momento, algo que queda claro con el tema homónimo que es de lo mejor del disco y del año, siendo un corte que inicia muy pesado tanto en voz como en los afilados riffs, aunque llegado al coro da un giro hacia terrenos más accesibles a nivel de voz y melodía acompañado por una batería muy intensa en sus cambios de ritmo y blast beats. "Like a Sword over Damocles" mantiene el mismo esquema aunque con cambios más demoledores acompañado por buenas melodías y una voz más accesible. "Feast of Fire" por su parte es de lo más accesible en el disco, si bien tiene una base instrumental pesada en gran parte de la canción, es la voz limpia la cual añade mucha melodía y entrega uno de los mejores coros del disco. El festín de velocidad y riffs afilados regresa con "A Crisis of Revelation" aunque como es de esperarse el coro es a voz limpia y más accesible. El respiro llega con "The Shadow of the Abattoir" que vendría a ser la balada del disco y el resultado es estupendo pues las líneas vocales transmiten mucho sentimiento en los estibillos mientras que el coro transmite fuerza, aunque esto es al inicio pues a los 3 minutos regresa la pesadez y los guturales en un cambio notable
Hacia la segunda parte del álbum tenemos a "No Way Back Just Through" cuyo coro es de lo más pegajoso del disco mientras que los estribillos suenan poderosos, como es de esperarse la parte instrumental es notable aunque destaca el gran trabajo de la batería. Hacia el final suena la intensa "Fall into Your Hands" que es de lo más pesado y veloz del disco además de poseer un intenso solo de guitarra que es de lo mejor del disco y otro coro pegajoso, "From Dawn to Decadence" mantiene la fórmula de partes intensas con coros a medio tiempo pegajosos mientras que el final llega con "The Phalanx" siendo la canción más extensa pero de lo mejor del disco, un medio tiempo exquisito tanto a nivel instrumental con sus filosos riffs, solos intensos, la voz versátil entre partes guturales y voces limpias con estribillos muy pegajosos. Al final Trivium nos da otro gran disco que mantiene el buen nivel que disfrutamos en su anterior entrega, la banda ha sabido mezclar bien sus influencias para lograr que su sonido sea contundente y pegajoso en gran parte, hay muchas partes memorables, aunque es cierto que por ahí algunas secciones pequen de genéricas o haya coros que no tengan el mismo impacto que los otros, sin embargo creo que si desarrollan su sonido en base a lo que demostraron con la canción que da nombre a este disco podrán explotar mejor su potencial.
Calificación: 8.5/10
Lista de canciones:
01. X 02. In the Court of the Dragon 03. Like a Sword over Damocles 04. Feast of Fire 05. A Crisis of Revelation 06. The Shadow of the Abattoir 07. No Way Back Just Through 08. Fall into Your Hands 09. From Dawn to Decadence 10. The Phalanx
Este es el tercer álbum de esta banda en donde hay cierto cambio de estilo,
tal como ha sido siendo desde sus inicios, tocando ahora una especie de
death melódico, con algunos elementos de sus anteriores trabajos.
Nightland son: Ludovico Cioffi en guitarra solista,
orquestaciones y voz, Filippo Scrima en el bajo,
Filippo Cicoria en batería y Brendan Paolini en guitarra.
En este disco la banda toca death metal melódico que incluye desde
voces limpias y partes atmosféricas a partes veloces con blast beats,
tal como desde el inicio con "The Conjunction of Benetnash" ya la banda sienta las bases de
su fórmula, con varias melodías muy bien logradas, haciendo de este trabajo mas que
interesante, incluyendo partes progresivas y una canción de mas de diez
minutos como "Shade of a Lowering Star" en donde realmente le
meten de todo, pero sobre todo se siente una cohesión, un sentido, nada es al
azar, creando a la vez un escenario en tu mente.
Hay melodías con mucho gancho en "For Once My Name" y la rítmica
"Further", así mismo, la canción que da título "The Great Nothing", la han dividido en tres partes que mantienen el
death metal melódico, con alguna influencia de la escuela finesa en ese
género, y siendo prácticamente una sola canción con partes que se repiten
entre cada una de ellas, dándole un sentido conceptual mas allá solamente de
las letras.
Un disco realmente sorprendente, hay tanta buena música por descubrir, hoy
descubrí esta banda, y realmente quedé impresionado. Material bastante
recomendable. Uno de los mejores discos de death melódico del año.
Calificación: 9.5/10
Lista de Canciones:
01. The Conjunction of Benetnash
02. For Once My Name
03. Shade of a Lowering Star
04. Further
05. 101 Megaparsecs
06. The Great Nothing, pt. 1: Of Seeking and Straying
07. The Great Nothing, pt. 2: The Reliever
08. The Great Nothing, pt. 3: Pursuers of Absolution
En una agradable conversación que tuve con Sam Loynes de Akercocke, The Antichrist Imperium, Voices y Shrines. El sentido de que casi los mismos integrantes se repitan en tres bandas, es que alguna vez se pensó en tener un sonido dentro del Black Metal británico, porque dentro de los 80s y 90s, y hasta hoy. No se puede hablar de un sonido oscuro o gélido en ese país, y las bandas unipersonales y de ambiente depresivo, post black que nacieron dentro de estos últimos 10 años, pues son bandas que no representan un cambio real dentro del estilo, solo apilan más producciones al año con un sonido ajeno, sean buenas o malas. Pero ese sentido cambia completamente cuando se habla de Akercocke, The Antichrist Imperium, Voices y Code, quienes llevan ese sonido extremo a instancias muy personales y progresivas, y si, puede ser que dentro de las primeras tres bandas no haya mucha diferencia musical, pero al crear su propia red musical de estilo que no vas a escuchar en otras partes del mundo, crean el primer paso para tener un sonido black metalero que provenga del país lluvioso.
Cada vez que una nueva producción de estas 4 bandas es anunciada en cualquier red social, pues la expectativa es grande para quienes seguimos a estas bandas desde sus primeros álbumes, porque sabemos que no estamos hablando de algo común o repetido, sino de algo que toma una forma personal de hacer las cosas. Por ejemplo, si me dijeran… ¿Que espero de un nuevo álbum de Marduk, Mayhem o Harakiri for the Sky? (por tomar nombres al azar, no algo directo con las bandas), pues diría que son producciones buenas, pero más allá de que sean representativas en algún sentido, pues ya se sabe que es la misma chola con diferente pollera. Pero cuando se trata y se habla de Akercocke, The Antichrist Imperium y Voices, el material es distinto y se ve desde otra perspectiva, porque son músicos que siguen llevando su estilo personal a otros nivel, no solo con decir que somos adoradores de satanás y se gana al fanático, pues no, esto es música de avanzada dentro de lo extremo y con muchas dosis progresivas, y cada álbum es un tremendo viaje al subconsciente de cada músico que reside en estas bandas.
Analizando desde ese punto de vista con paciencia, la música siempre tiene detalles para tomarlo con calma y escucharlo más de cinco o seis veces, porque a pesar de tener casi la misma idea en las tres bandas, la música se diferencia a groso modo, y puedes hablar de caracteres personales y decir que Akercocke tiene manzanas, The Antichrist Imperium tiene peras y Voices es otra cereza en su viaje personal, pero al final pertenecen al grupo de frutas. Y eso es lo más increíble de escuchar, porque puedes hablar solo de Voices en un sentido más oscuro y terrorífico, que no lo vas a encontrar en las otras dos bandas, y a ello, adjuntar algunos disonantes que son increíbles de escuchar y por ende este “Breaking the Trauma Bond”, sigue dentro de esta matriz que sigue ampliándose cada vez más. Porque como se lo dije a Sam en la conversación, desde el título de este nuevo álbum, la idea es increíble de como alejarse de algo traumático, pero a golpe puro y musical que tiene Voices en cada canción de este cuarto álbum.
Todas las portadas de Voices tienen mucha perversidad, misantropía, oscuridad y siempre enfocado en colores grises o de blanco y negro. Lo cual es genial, porque sabes que siempre vas a encontrar una idea directa desde la portada hasta el último segundo de una nueva producción, y dentro de este “Breaking the Trauma Bond”. La idea psicótica sigue presente desde que todo empieza con “A Field Without Crows” y termina con “Photographs of a Storm Passing Overhead”, donde la música transita por influencias de “From the Human Forest Create a Fugue of Imaginary Rain” (2013) y “London” (2014), mezclando teclados psicóticos y dulces dentro de riffs blackers y deathers que se enmarañan con encajes progresivos de muchos universos, y finalmente con una variabilidad de voces limpias, coros, sufridas, guturales y raspadas que crean demasiadas texturas en la música de Voices, y que se tiene que darle muchas vueltas al reproductor para encontrar lo variado de sus influencias. Sin olvidar la electro y oscura de “My Sick Mind” sacado de los anaqueles de su antecesor álbum “Frightened" (2018), o “The Widower” que tiene muchos sabor a Cradle of Filth y/o Hecate Enthroned por segundos, pero como se dijo, siempre calando en la idea de hacer Black Metal con sabor británico.
“Breaking the Trauma Bond” es un disco que sube el nivel musical de Voices, y se aleja de la oveja negra (por decir de distinta indole musical) que paso en su antecesor. Y esta vez con una idea que se afianza más en sus dos primeras producciones, teniendo el efecto contundente que este grupo de músicos sigue presionando como sonido Black Metal británico y dotándolo de cosas personales que solo ellos pueden hacer hasta el momento. Esperemos que con esta idea de tener algo personal británico, muchas otras bandas de Black Metal de su país comiencen a seguir la idea a este grupo de bandas que siguen presionando su personalidad para tener un detalle dentro del mundo extremo de hoy. Disco altamente recomendado y que no falla en ningún sentido.
Fines de los 90s, muchas bandas dejaron de hacer metal extremo y solo nombres conocidos quedaron en marcha, y a medida de eso, músicos conocidos comenzaron a preparar más producciones con nuevas bandas. Y es así que nace Lock Up, una mega banda desde su devastador “Pleasures Pave Sewers” (1999), disco que no tuvo el apogeo que debió tener dentro de la música extrema, a pesar de tener nombres conocidos en su alineación. Pero eso no impidió a que la banda siga con nuevas producciones, y así llegar hasta este “The Dregs of Hades” bajo la tutela de Listenable Records.
Estuve muchas horas escuchando esta nueva producción de Lock Up, y la adición de Adam Jarvis en la batería en vez de Nicholas Barker, es un factor determinante para toda la percepción del álbum. Ya que la afinación de la tarola, el doble pedal y el uso de otros platillos determinan el profesionalismo de Adam como actual baterista de Lock Up, Misery Index y Pig Destroyer. Porque a pesar de que Nick es un mutante dentro de los parches, su pasado extremo estuvo más ligado con bandas Black Metal y por ahí adentrarse a otros estilos, pero muy pocas veces dentro del Grindcore. Pero ojo, eso no es malo, ya que eso le dio un estilo y golpe conocido para las personas extremas que conocen su ejecución. Entonces, el trabajo de Adam es increíble dentro de este “The Dregs of Hades”, porque presenta a una banda renovada desde ese sentido, desde que los escuche con “Pleasures Pave Sewers” (1999) y “Hate Breeds Suffering” (2002), los cuales me volaron la cabeza completamente, pero de ahí con “Necropolis Transparent” (2011) y “Demonization” (2017), se escucho un ambiente conformista a nivel de composiciones y ejecución. Siendo crucial la ejecución de Jarvis para el desarrollo de la música de Lock Up este 2021.
Adentrándonos un poco más en este “The Dregs of Hades” desde que todo empieza con la introductoria “Death Itself, Brother of Sleep (Intro)” y conectar con la descabellada “Hell Will Plague the Ruins” y llegues hasta “Crucifixion of Distorted Existence”. Todo es una masacre brutal, acelerada y agresiva de esta nueva faceta en Lock Up. Con una portada bellísima hecha por Atterigner (Aethyrick, Crescent, Devourment, Earth Rot, Gaerea, Nordjevel, etc), encajando perfectamente las heces de Hades dentro del concepto rojizo e infernal que puedas conocer como infierno bíblico. Luego las canciones son una masacre directa, dosis aceleradas, riffs filosos grindcore que se mezclan con la potencia del Death Metal en muchos sentidos, doble pedal brutal y blast beats de muchas matrices hammer, intercalado y acompasados con el doble pedal. Y finalmente, la mutación vocal entre Tompa de At The Gates y Kevin Sharp de Brutal Truth son geniales. Porque te trae a la mente muchas memorias de su segundo álbum, pero de como Kevin le da ese agregado psicótico y frenético que conociste en sus otras bandas. En pocas palabras, la mezcla, resulta exitosa por parte de estos vocalistas icónicos.
Más allá de eso, Lock Up siempre fue una banda agresiva y directa, con cosas de fácil entendimiento y sin necesidad de complicarse. Por lo que, “The Dregs of Hades” es todo un trallazo brutal, salvaje, fresco y renovado a nivel general por la adición de Adam. Quien como mencione, le dio ese toque moderno a la música hecha por titanes dentro del estilo. Un álbum simplemente avasallador y esta demás decir que es recomendado.
Si Opeth y Katatonia hubieran decidido tener un hijo con todos sus elementos melancólicos, progresivos y momentos duros de sus primeras épocas o los 90s. La banda que se adaptaría perfectamente a este concepto es In Mourning, ya que desde aquel primer álbum “Shrouded Divine” (2008) y hasta este “The Bleeding Veil”. Su música tiene muchas dosis de las bandas mencionadas, además de agregarle un detalle personal a cada nueva producción que habla por la banda a un nivel único. Sin olvidar que la transición de voces limpias y guturales tienen un mejor desenvolvimiento si lo comparamos con los límites que tanto Katatonia y Opeth tienen hoy en día en sus nuevas producciones, porque existe variedad y texturas en las voces limpias que ayudan a desenvolver mejor la música de estos suecos, y no tienen un clavo atracado en la garganta como Mikael desde hace muchos álbumes.
Mientras la pandemia avanzaba y se veían las publicaciones de muchas bandas para aplazar lanzamientos, giras y otros detalles más. In Mourning decidió apostar por la creación de un nuevo álbum, mencionando que era la primera vez que la banda se iba a tomar un tiempo corto para lanzar este “The Bleeding Veil” después de su maravilloso “Garden of Sorrows” (2019). Pero, a decir verdad, esta idea de lanzar una nueva producción después de dos años, no era la primera vez que la banda decidía hacer algo en un corto periodo, porque desde el 2008 hasta el 2012 fueron lanzados 3 álbumes con la diferencia de dos años. Así que esta idea fue un poco conocida dentro de la trayectoria de la banda, por lo que, este sexto álbum tiene todos los elementos personales de la banda en cuanto a tiempo de producción y material compositivo, pero esta vez inclinada hacia lo personal y lúgubre de su música, y de producción autofinanciada completamente por ellos mismos, y solo recibiendo distribución del álbum a través de una tienda local de discos en su natal Dalarma, Falun - Suecia.
In Mourning es una de las últimas bandas que me tiene muy interesado con ese sonido 90s, porque supieron adoptar un camino perdido por sus mayores influencias, y darle ese gancho necesario que se perdió durante el proceso evolutivo de otras bandas. Captando esa esencia noventera para adaptarlo con un sonido moderno y sin perder un ápice de esas sensaciones que muchos esperan otra vez escuchar de Opeth y Katatonia. Y que solo In Mourning logra hacerlo con gran efectividad, porque desde que todo empieza con “Sovereign” y termina con “Beyond Thunder”, la música tiene todo lo necesario para apegarte a cada canción de manera independiente, y como álbum. Es un completo trallazo musical que sigue creciendo bajo sus propias influencias, llevando al extremo correcto de como pudo ser el camino de este estilo melódico, progresivo y pesado que hubo en los 90s en el Heavy Metal. Donde la portada de Caroline Strand encaja perfectamente para todas las sensaciones melancólicas, oscuras y de bastante base en pensamientos y memorias que tiene la banda al impregnar su música.
Veamos, de manera un poco más detallada cada canción, “Sovereign” tiene esa esencia ruda desde el inicio, los armónicos de Tobias y Björn son excelentes, fuerza y momentos pálidos nutren su manera de hacer las cosas. La batería de Joakin comienza a ser cada vez más complicada y con muchos elementos progresivos que desbordan mucha consistencia, y como los cambios de tempos juegan un rol importante, pero lo más llamativo es la cantidad de texturas que tienen las guturaciones, versiones cantadas raspadas y algunas voces limpias que se mezclan de manera genial. Con “At the Behest of Night” tenemos un poco más de calma, pero a medida que se desarrolla, la canción comienza a tener muchos colores y recorren esos parajes noventeros que son de ensueño, los melódicos en las guitarras son de maravilla y de como esta sensación melancólica se prolonga por todo el disco, pero los encajes son de los más llamativo entre riffs, porque existen cosas muy congruentes para sacarle el jugo al máximo, y con esta misma idea seguir en “Solitude and Silence”, ensalzando mucho más sus ramificaciones progresivas y las texturas vocales que pueden llegar a tener instancias muy parecidas a las cadencias vocales de Freddie Mercury de Queen.
“Thornwalker” se pone mucho más misteriosa con los tempos cortados y riffs adictivos cerrados de palm mutting, y luego cambiar de ambiente hacía lo más oscuro y melódico de cualquier banda de Black Metal. Y no solo la parte rítmica cambia, sino que todo el equipo cambia a un estado oscuro y gélido; pero luego el cambio de tempo hacía lo melódico de corte sueco y con muchos instantes doomers es incréible de escuchar, y la voz de Tobias sea el precursor para cambiar de ritmo, es lo que hace más interesante toda la canción. “Blood in the Furrows” se adentra a instancias más progresivas y doomers, donde nuevamente la voz de Tobias es increíble de escuchar en todas sus diversidades, porque tiene un amplio espectro de guturaciones y limpias. Además, que Björn se adentre dentro de este concepto con más variedad, hace que el disco sea un inmenso trallazo de pies de a cabeza y termines escuchando con una sonrisa en la cara “Lights on the Mire” y “Beyond Thunder” como canciones finales de todo álbum, recordando como pudo ser el desarrolla dentro de ese sonido en estos años.
“The Bleeding Veil” es un gran álbum de In Mourning, sigue llevando los limites extremos y progresivos a su propia idea. Me siento feliz de que ese sonido 90s hecho por Opeth y Katatonia se haya seguido desarrollando, y haya encontrado un nicho en esta banda sueca. La cual puede ser uno de los nombres grandes de esta escena, y aunque las ediciones físicas la manejen completamente la banda, es bueno esperar por un trabajo que merece la pena comprar en su versión física. Gran presentación de esta banda sueca, la cual hasta el momento no tienen ningún álbum de mala calidad, todos son tremendas patadas en el cerebro para el amante de lo progresivo y extremo.
Dentro de un sinfín de producciones con sonido latino que salen en Latinoamérica y el mundo todos los años, la idea de seguir los preceptos al pie de la letra de bandas brasileras es un hecho que no se puede evitar, y muchas de estas bandas llegan a ser aburridas o tediosas de escuchar, porque siguen royendo el mismo hueso de clásicos de los 80s y por ahí los 90s. Entonces, esto ya se hizo costumbre en los últimos años con la tecnología, tratando de emular al pie de la letra lo que hicieron sus grandes influencias. Pero dentro de este tema, es un hecho que las bandas europeas y estadounidenses, desde el momento que conocieron ese sonido, ellos quisieron llevarlo a otras instancias y evolucionarlo a su manera, siendo así que encuentras bandas como Necrowretch, Angelcorpse, Grave Miasma, Lvcifyre y los mencionados en esta reseña Concrete Winds. Quienes tienen mucho del sonido latino, pero que solo puedes escucharlo como influencia que tiñe todas sus producciones, canciones, etc. Y eso es lo que hace distintivo a una banda, presionar su influencia y tener algo personal y no puedas decir a ciencia cierta a que bandas se parece.
Dentro de este tema, la música de Concrete Winds desde su primer álbum “Primitive Force” (2019) y ahora con este nuevo “Nerve Butcherer” lleva a otros niveles la influencia latina de muchas bandas de los 80s, mezclando ese sonido death / black estadounidense creado por Angelcorpse junto a otras bandas como Impiety desde Singapur, y al final colocarle por solo segundos esa crudeza que tiene el black metal finlandés desde los 90s. Y ojo, al tener una matriz punk y cuasi powerviolence en su música, la banda colinda muchas veces con lo escéptico del mathcore y la desnucadura acelerada que puedes encontrar en muchas bandas Grindcore. Entonces, al final tienes una presencia única y que no vas a encontrar en otras bandas del mundo dentro de la música extrema con esta mezcla, porque esto no solo es Death Metal, Punk, Black Metal, Grindcore, Mathcore o Powerviolence, esto es metal extremo en su evolución natural y de cómo las bandas subterráneas están presionando los limites de lo bruto, terrorífico, extremo, caótico y hasta sin sentido para tener algo muy personal.
Estuve muchos días escuchando el progreso que tuvo la banda desde el 2019, y en ese primer álbum las cosas aún tenían muchos elementos de muchas bandas reconocibles a groso modo, pero una vez te adentras en “Nerve Butcherer” , la perspectiva de la banda cambia completamente desde la acelerada y caótica “Nerve Butcherer”, con muchos juegos de Floyd rose, notas fuertes de por medio y blast beats que tienen muchos cambios de tempo en cualquier instante, además de la pegada que tiene el baterista y de como esta cambia a medida que el riff varia en la música, y lograr que el golpe cambie según la aceleración o riff, puede ser una complicada idea de hacer en una banda extrema. Luego con “Chromium Jaws”, la rítmica de avispa en las cuerdas marcan el tempo a seguir de toda la canción, y como esta avanza con cosas más técnicas en las escalas en los 24 trastes es interesante de escuchar, pero lo más interesante se presenta en los tempos a medio golpe en instantes impensados, porque todo es como si fuera bulla y caos.
La música avanza y se tiene “Industrial Mutilation”, “Noise Trepanation”, “Intravenous Doctrine” y así llegar hasta “Astomatous Vomiting”. Donde las matrices musicales son inmensas y la personalidad de la banda es desbordante, hay muchas cosas extremas que dan vueltas en todo el álbum y que solo están enfocadas a lo brutal y salvaje de la banda. Y el único lado negativo que tienen ambas producciones de Concrete Winds, es que dura menos de 30 minutos, ya que la tremenda descargar extrema que existe en su música, es algo de elogiar y esperas más de esta banda que hasta el momento solo está presentando EPs. Espero la banda se decida por una larga duración dentro de poco, porque creatividad e ideas insanas que van más allá del metal convencional, pues las tienen, y con esta última producción de corta duración se están consolidando como una promesa en Finlandia a tener en cuenta para el futuro.
Archgoat habrá sido una de las primeras bandas en Finlandia que mezclaban Black Metal con Death Metal, porque sus orígenes se remontan hasta 1989, pero no es hasta el 2006 que la banda decide aventurarse con su primera larga duración llamada “Whore of Bethlehem” (2006). El cual no tuvo el impacto que debió tener en los 80s o 90s, porque aquellos años este tipo de metal arcano y tosco era una de las cosas más codiciadas y que cualquier amante de lo extremo quería escuchar, así que en el 2006, ellos pasaron desapercibidos para muchos y solo los más fieles a su etapa de demostraciones y EP “Angelcunt (Tales of Desecration)” (1993) se dieron cuenta del lanzamiento de su primera producción. Además, tomo su tiempo argumentar su sonido con algo que podía ser destacable y así llegar a su solidez musical con “The Light-Devouring Darkness” (2009), y esta idea cruda y directa se termina extendiendo hasta esta última producción “Worship the Eternal Darkness”.
Iremos directo al grano con “Worship the Eternal Darkness”, no es un disco distinto a lo que Archgoat propuso en su disco del 2009, no vas a encontrar mayores cambios o ideas que puedan decir, estamos escuchando una nueva faceta de los finlandeses, pues no. Esto es Death / Black Metal que bebe de su misma influencia, de tempos medios en sus composiciones, ideas crudas y machacantes en la batería, guturación de un solo sentido, bajo que ayuda a darle la parte grave a las canciones y finalmente los riffs de guitarra que varían entre lo más crudo del Black Metal finlandés de los 90s y luego colocarle algunos matices death metal, pero con el efecto de darle potencia a la música, más no de crear un ambiente completo con el estilo de muerte. Entonces, con todo lo mencionado, quizá uno pueda decir que su música es un poco tediosa o aburrida de escuchar, porque no sale de sus propios parámetros, pero vayamos a lo real tampoco quieren hacerlo, así de simple. Y aunque parezca increíble, la música va más allá del placer evolutivo musical que pueda tener Archgoat en cada nuevo álbum.
Si eres de aquellos que siguen su carrera desde “Whore of Bethlehem” (2006) y pediste a satanás que jamás cambiaran o evolucionaran en su música, pues este “Worship the Eternal Darkness” sigue dentro de los mismos preceptos musicales. Donde lo más importante es sentir que la música entra a los oídos de manera placentera, y que los mismos argumentos de siempre, siguen funcionando en su música. Porque desde “Angelcunt (Tales of Desecration)” (1993), las portadas se mantienen con los mismos colores y con algún demonio de cualquier maldad biblica de este mundo, y la música a medio tiempo son el principal recurso de la banda con teclados y algunas voces demoniacas o con efefectos que cumplen su cometido.
Explayarse dentro de algo super conocido, pues no tiene mucho criterio de escribir, porque con Archgoat sabes a lo que enfrentas y sabes lo que esperas, y lo más probable es que dentro 10 o 20 años no cambien su fórmula compositiva, porque así es como es el camino de Lord Angelslayer y Ritual Butcherer desde 1989. Y si ese sonido sigue desde hace 32 años, pues con casi 50 años de edad cada uno, dudo que la música cambie en lo absoluto y los más probable es que de acá uno 10 años las cosas sean más crudas, arcanas y aunque sea imposible de creer, esta siga fresca, aunque pasen los años.
