The Grenadines es una banda danesa que practica cuyo sonido surca los senderos del Rock/Folk claramente influenciado por artistas como Bruce Springsteen, Neil Young, Mark Knopfler entre otros. Su primer álbum titulado simplemente "The Grenadines" fue lanzado en el 2015 pero el disco que reseñamos es el segundo titulado "Band On The Radio" y que al parecer fue lanzado originalmente en el año 2018.
El sonido de este segundo álbum es más orientado al Pop/Rock en realidad aunque esto no desmerece el resultado pues las 11 canciones son directas y todo un manjar para los oídos debido a las hermosas melodías que salen de las guitarras, teclados y la buena combinación de voces logrando canciones que nos atrapan desde la primera vez que las escuchamos. Eso sí en general la atmósfera de la mayoría de canciones invita a la calma y el disfrute aunque no falta por ahí alguna canción como "Sweetest Dream" que rompe con ello, sonando algo más fuerte y muy en la onda de los 4 grandes de Liverpool; o la hermosa "For You I Would Die Again" cuyos sonidos y ritmo resultan más alegres resultando en uno de los mejores hits del disco.
En general resulta ser un disco muy bueno si estás familiarizado con estos sonidos o deseas escapar del ruido por un momento. En lo personal me quedo con el inicio con "Fireworks" que tiene una teclados sublimes, hermosas y suaves guitarras además de una voz que inspira paz; "Brighter Days" que tiene un ritmo más animado y con un gran trabajo de voces mientras que "The Mountains" cierra un inicio perfecto con ritmos y voces más melancólicas que es de lo mejor del álbum y lo cual se repite más adelante en "Rufio And The Rancor". También hay momentos más lentos y casi baladas como en "High Hells", "A Letter", "Band On The Radio" y el final con "Time Comes in Blue" que no desentonan debido a la buena combinación de voces melódicas y llenas de sentimiento además de los hermosos arreglos de teclados y guitarras. Si desean escapar de las mismas bandas de siempre que las radios locales ponen hasta en la sopa o éxitos de hace 40 años pues aquí tienen una buena opción para escapar de todo ello.
Calificación: 8/10
Lista de canciones:
1. Fireworks 2. Brighter Days 3. For You I Would Die Again 4. A Letter 5. Sweetest Dream 6. High Heels 7. Rufio And The Rancor 8. The Band On The Radio 9 The Falling Of The Rain 10. The Mountains 11. Times Come in Blue
Estoy seguro que ni el mismo Harting se imagina que su música esté siendo reseñada en una web dedicada al metal y rock, sin embargo, nos enviaron su música y la revisaremos teniendo en cuenta mas mi percepción que los conocimientos "especializados" sobre el tipo de música que el hace.
Hace poco descubrí que en Europa hay una corriente que mueve artistas dedicados al folk acústico y sonidos similares, ésta "nueva" generación de artistas hacen una mezcla de folk y sonidos pop, y tienen un público amplio, sin embargo tampoco llegan a los grandes medios. Se trata de artistas independientes no movidos por moda o por mensajes fáciles o mundanos, aquí en América Latina a esta corriente la llaman "trova", y son gente que coge una guitarra y su voz, y con melodías lanzan un mensaje contundente y visceral, o simplemente mas personal, introvertido y filosófico.
En esa onda pude escuchar a Jonathan Hultén guitarrista de los suecos Tribulation, en su versión solista como parte de ese supuesto movimiento.
Cuando escuché éste tercer disco de Kristian Harting había diferencia, ya que el usa mas sonidos en su música y no sólo una guitarra, en éste trabajo lo acompañan músicos como Jakob Falgren en el bajo, Jesper Bo Hansen en teclados (también con Glenn Hughes), Mads Beldring Hansen en batería y Nana Schwartzlose en coros y arreglos de voz. El disco fue grabado y producido por el mismo Harting y Lars Lundholm en Black Tornado Studio y Room 21, y fue masterizado por Nikolaj Vinten (Coldplay).
La música aquí es casi como el viejo Coldplay pero con mas guitarras acústicas, a veces mas con una voz calmada, pausada y atmosférica como en "Falling", "Houses Of The Holy", o la balada "Miracle" otras veces mas directas como en "Rat In The Room" y "The Fumes", y hasta algunos sonidos mas sicodélicos en el instrumental "The Exhaust" y "Violins".
Un disco con belleza musical, hecho para fans de sonidos acústicos, suaves, y atmosféricos.
En este espacio hemos tenido reseñas sobre álbumes que no son necesariamente Metal o Rock en cuanto a su sonido, sin embargo tienen cosas afines con el estilo de música que nos apasiona y por ello es común que sellos ligados al Metal, apuesten por estos proyectos, así Napalm Records nos sorprende con otro álbum de la banda sueca Ye Banished Privateers, quienes practican un Folk con temática pirata que de hecho será irresistible para quienes adoran todo lo que tienen ver con estos personajes. Para nadie es un secreto que más de una banda de Metal usa la temática de piratas como su gran inspiración, en el caso de este conjunto de 20 música evocan a dichos personajes con su música y letras, logrando una atmósfera que nos invita a viajar en el tiempo. "Hostis Humani Generis" es el nombre que lleva su cuarto álbum y vendría a ser el sucesor del gran "First Night Back In Port" (2017).
El sonido de esta banda va por el lado del Folk escandinavo e irlandés, como dije antes las letras giran en torno a los piratas y esa es la atmósfera que uno siente cuando escucha el álbum, así que si esperan algo de Power Metal, aquí no lo encontrarán. Aún así resulta ser un álbum muy disfrutable lleno de momentos memorables tanto en música como en las voces que acompañan. Así encontramos 13 canciones en total, pero no se asusten, no es un álbum larguísimo, las mayoría de canciones no supera los 3 minutos salvo algunas excepciones, lo cual hace del disco muy entretenido y pegajoso. Si bien el álbum empieza algo tibio con "No Prey, No Pay" que posee una voz principal masculina rasgada que pareciera narrar algo, acompañada de coros y música en plan de himno que nos hace retroceder en el tiempo, es un buen tema pero lo mejor viene después. "Hush Now My Child" eleva el nivel, la música suena algo más festiva y las voces femeninas nos atrapan lo cual se incrementa con "Blame The Brits" que suena más como un himno donde las voces femeninas se lucen nuevamente, mientras que la música es atrapante y evoca al pasado. "Capstan The Shanty" tiene alguno de los mejores momentos del álbum con voces masculinas y femeninas intercalando en una canción muy melódica. En general hay un buen balance entre canciones que parecen himnos como "Elephant's Dance" o "A Swinging We Must Go" con otros de ritmo más alegre y festivo como "Swords to Plowshares", "Rowing with One Hand" y "A Swinging We Must Go". Mientras que los momentos más calmados y melancólicos llegan con canciones como "Flintlock" y casi al finalla triste"Death of Bellows". Finalmente el disco cierra con "Why the Big Whales Sing" que es una hermosa canción para cerrar el disco de forma sublime y calmada.
Si no tiene prejuicios a la hora de escuchar música y les gusta la música Folk junto a la temática de piratas, tengan por seguro que este disco les hará viajar al pasado, es una grata experiencia encontrar bandas como esta, tanto la parte instrumental llena de detalles junto a las variadas voces y coros logran transmitir mucho. Como dije antes no esperen encontrar algo de Rock o Metal, aquí no hay guitarras eléctricas, ni bajo o batería. Sin embargo eso no le quita fuerza la música que ejecutan con mucha pasión dando como resultado un disco que quizás supera a su anterior entrega.
Canciones recomendadas: Disco muy parejo pero puedo destacar a Hush My Child, Capstan Shanty, Elephant's Dance, Swords To Plowshares, Rowing With One Hand y Death of Bellows.
Calificación: 8.5/10
Lista de canciones: 1. No Prey, No Pay3:38 2. Hush Now My Child3:42 3. Blame the Brits3:10 4. Capstan Shanty6:03 5. Elephant's Dance3:26 6. Swords to Plowshares3:03 7. Flintlock4:20 8. Parting Song5:36 9. Rowing with One Hand3:56 10. A Swinging We Must Go3:01 11. They Are Marching Down on High Street3:45 12. Death of Bellows7:13 13. Why the Big Whales Sing3:46
Arallu es una banda que proviene de Israel, y como gran parte de las bandas de ése lugar, fusionan su metal con elementos musicales típicos de la zona, en general del medio oriente.Así mismo las letras van enfocadas a cosas de la historia y mitología de Mesopotamia, que en muchos aspectos es apasionante y en cierto modo es una tendencia en el mundo, por ser en parte la cuna de la historia de la humanidad.
La banda son: Butchered en bajo y voz, Gal Pixel y Omri Yagen en guitarras, Assaf Kassimov en batería y Eylon Bart en el Saz (especie de mandolina, típica de la zona) y Darbuka (pequeño timbal o tambor, típico de la música del medio oriente). El disco fue grabado en Bardo Estudio y fue mezclado por la banda y por Dory Bar-Or. El arte fue hecho por Nir Doliner.
Se qué a muchos fans del metal no les va mucho las fusiones, pero a muchos también les agrada los sonidos nuevos que éstas fusiones aportan a la música extrema. Sobretodo en cómo se realiza dicha fusión, en algunos casos llega al ridículo, en otros se integra bastante muy bien. Y para éste séptimo disco, Arallu ya tiene experiencia en hacerlo bien y sacar provecho de ésto para crear la atmósfera a las letras que vienen con cada trabajo.
La música de Arallu es black metal (no del tipo nórdico) es mas parecido al black-thrash con una voz directa, no suena oscura, si bien es cierto es una voz harsh, es mas cercana a una voz de death metal. Hay momentos acelerados con blastbeats y todos los elementos conocidos en éste tipo de música, y dentro de los riffs de las canciones usan escalas de música oriental, acompañadas con algún instrumento nativo ya mencionados arriba. También se usa exclusivamente estos instrumentos como en la parte final de "The Center Of The Unknown" o la intro de "En Olam". La mejor fusión se siente en "Devil´s Child" y en "Prophet's Path", aquí se siente todo mas natural no muy forzado. Otras, sin embargo no muestran mucho de eso como la densa y pesada "Vortex Of Emotions".
Disco variado y directo al rostro, con fusión bien realizada y que te transporta a un ambiente distinto a otras bandas de black metal, pero igual de oscuro.
Tracklist:
01. The Center of the Unknown 02. En Olam 03. Devil's Child 04. Guard of She'ol 05. Vortex of Emotions 06. Achrit Ha'Yamim 07. Prophet's Path 08. Unholy Stone 09. Trail by Slaves 10. Spells
Cuando las bandas deciden cantar en su propio idioma es porque el disco está dirigido básicamente al público que sólo habla tal idioma. En el mundo del metal tenemos bastantes bandas que usan su propio idioma sabiendo que se trata de una lengua minoritaria y no de una mas universal como el inglés, y que por lo tanto el alcance puede ser muy limitado. Sin embargo, muchas de estas bandas logran tener un éxito "inesperado" y logran fans alrededor del mundo, ésto sucede especialmente con bandas escandinavas donde muchas tocan en su idioma nativo.
Yo lo siento como una especie de nacionalismo o cierto aire de soberbia, algo así como "mi música es sólo para mis paisanos, jódase el resto". Pero en el metal al ser tan universal, la cosa puede tomarse de distinta manera, en el metal quizás el idioma no importe y pase a un segundo plano, y el artista habla con la música en sí, con las melodías, con la atmósfera que se crea. Quiero creer ésta última teoría.
Vorna son: Vesa Salovaara en voz, Arttu Järvisalo en la primera guitarra, Henri Lammintausta en la guitarra rítmica, Saku Myyryläinen en teclados, Niilo Könönen en el bajo y Mikael Vanninen en batería.
Lo que nos entregan en éste tercer disco de estudio es la continuación de sus anteriores trabajos, ahora con partes mas progresivas, pero siempre conservando esas partes melódicas, épicas y folk, que es su sello, aunque no sea algo del todo original. El clásico elemento triste y melancólico finés está presente en las canciones de éste trabajo, que es el principal gancho de muchas de las bandas de ése lugar. Las canciones a destacar y donde logran buenos momentos son "Toinen" en la que las melodías de teclado le dan ese toque épico, y en donde las voces harsh están presentes en toda la canción. "Syvyydet", tiene buenas partes melódicas, ya con la inclusión de voces limpias, empiezan a ponerte gris el paisaje. "Maa Martona Makaa" es otra a destacar con varios momentos desde los mas metal, hasta los mas intensos y melancólicos. "Tyhjyys On Tyyni" es la que tiene la mezcla de todos los elementos que propone Vorna en su música, voces limpias, harsh, momentos folk, progresivos, etc. Otra que destaca por la densidad y tristeza es "Sateet" donde predominan las voces limpias.
El álbum tiene atmósfera, transmite melancolía y dependiendo como asimiles la música, ésta puede llevar tu mente a paisajes grises y calmados. Buen disco, recomendable, aunque el idioma siempre quedará como una piedra en el zapato.
Tracklist:
01. Ylle Kaartuvat 02. Toinen 03. Syvyydet 04. Sydäntalven Puut 05. Maa Martona Makaa 06. Aalloista 07. Virvatulet 08. Tyhjyys On Tyyni 09. Sateet 10. Kauas
Banda: WIND ROSE (Italia) Álbum: Wintersaga Año: 2019 Género: Folk / Power Metal Sello: Napalm Records
*Integrantes:
Claudio Falconcini - Guitarra, coros Federico Meranda - Teclados Francesco Cavalieri - Voz Cristiano Bertocchi - Bajo Federico Gatti - Batería
*Lista de Temas:
1. Of Iron and Gold 02:49 2. Wintersaga 05:11 3. Drunken Dwarves 04:32 4. Diggy Diggy Hole (Yogscast cover) 05:16 5. Mine Mine Mine! 05:13 6. The Art of War 05:49 7. There and Back Again 06:19 8. The King Under the Mountain 05:34 9. We Were Warriors 09:16
El universo creado por la inmortal obra de Tolkien ha sido y siempre será inspiración para infinidad de artistas y en el caso de la música, los diversos géneros del Metal no son la excepción. Quizás para muchos lo primero que se les venga a la mente es Blind Guardian pero hay muchas más bandas que usan como inspiración la fantasía creada en estos libros y no solamente ligados al Power Metal por cierto. Así tenemos a los italianos de WIND ROSE, formados en el 2009, quienes nos traen toda la parafernalia de la Tierra Media en sus letras y el aspecto visual, inspirado sobre todo en la raza ficticia de los enanos de quienes han tomado su atuendo, mientras su música bebe del Folk / Power Metal aunque en sus inicios había elemento progresivos en su música. Este 2019 nos entregan su cuarto álbum de estudio al que han llamado "Wintersaga" y que fue lanzado por Napalm Records el pasado 27 de Setiembre.
El disco inicia con una hermosa introducción llamada "Of Iron And Gold" que nos transporta al mágico mundo de la Tierra Media mientras nos lleva al primer tema que da nombre al álbum, "Wintersaga" el cual tiene todos los elementos que el estilo demanda, sonidos Folk, estructuras más ligadas al Power Metal, excelentes melodías, coros que se intercalan con una voz de barítono y algunas guturales, cambios de ritmo constantes y mucho pero mucho sentimiento épico. "Drunken Dwarves" empieza más melódica aún y a puro doble bombo, un tema muy bombástico y que sin duda sonará espectacular en vivo, las voces como siempre, nos hacen pensar en que los mismos enanos cantaron en este disco. Algo más cinematográfica inicia "Diggy Diggy Hole" del cual lanzaron un video pues funciona bien como single, de ritmo más marchante, el tema nos remite a los enanos haciendo lo que mejor saben hacer ¡Cavar túneles! Y a pesar que la estructura es simple y está lleno de clichés resulta ser un tema muy pegajoso, hecho para los conciertos sin duda. A pesar de que los temas están llenos de detalles e instrumentos, hay algunos como "Mine Mine Mine!" donde las guitarras aparecen con más fuerza, como el título lo dice está dedicado a la "minería", el tema te atrapa en la primera escucha y como es de esperarse suena muy épico, sobre todo gracias a sus poderosos coros.
Ya pasando la mitad del álbum tenemos a temas como "The Art Of War" que no es tan alegre como temas anteriores, aquí los teclados y algunos elementos progresivos se hacen más presentes. Con "There And Back Again" tenemos un hermoso homenaje a una de las obras más famosas de Tolkien, "El Hobbit", si bien el tema tiene un ritmo más pausada, nos mantienen atrapados gracias a las hermosas melodías, ls coros bien logrados y grandes arreglos sinfónicos que le dan un aire cinematográfico. Por otro lado "The King Under The Mountain" mantiene los ritmos más pausados de esta segunda parte y como siempre es un tema con coros que buscan engancharnos aunque no está muy bien logrado en comparación a los primeros temas. Finalmente "We Were Warriors" termina el álbum con sus más de 9 minutos, siendo el tema más largo y épico del disco, aquí la banda se luce entregándonos lo mejor de su música, el tema tiene de todo, excelentes guitarras, coros épicos, ritmos marchantes y muchos elementos sinfónicos.
Al terminar de escucharlo nos queda la sensación que es un gran álbum, salvo por un par de temas que no terminan de cuadrar, por lo demás es un disco épico, bombástico, sinfónico, con mucho Folk y coros grandilocuentes que nos enganchan desde la primera vez que los escuchamos. A todo lo menciona agreguemos el hecho que sus letras hablan de la obra de Tolkien lo cual siempre aumenta lo épico del álbum. Una primera parte muy Folk / Power Metal y una segunda más Folk con elementos progresivos hacen de este trabajo una delicia para los fanáticos de la banda y del género Fokk.
Cellar Darling llegará por primera vez a Latinoamérica y el Perú está incluido en su gira promocional de su último álbum "The Spell", disco que ha venido recibiendo críticas positivas. Nuevamente Lima Live Sessions apuesta por bandas que difícilmente vemos (o volveremos a ver) por esta parte del mundo. La cita será el próximo 26 de Agosto en un local próximo a confirmar (ya no el Centro de la Amistad Peruano - Chino debido a problemas con los encargados del local). Las entradas ya están a la venta a través de Joinnus: http://bit.ly/CellarDarling
La banda nacional Hamadria será la encargada de abrir el concierto.
Cellar Darling es un grupo suizo a quien muchos de nosotros conocemos por Anna Murphy (voz, zanfona), Ivo Henzi (guitarras y bajo) y Merlin Sutter (batería) quienes fueron parte importante de la banda de folk metal, Eluveitie.El grupo se fundó en el año 2016 y surgió luego de la división inesperada en las filas de Eluveitie en ese año, si bien no hubo mayores detalles sobre la razón de la separación, al parecer esta se dio por diferencias personales entre los integrantes. Anna, Ivo y Merlin aprovecharon esto como una oportunidad para comenzar de nuevo, con una nueva banda y un sonido propio ya que no han buscado ser una copia de su banda original. La música de Cellar Darling es una combinación de los riffs pesados de Ivo, la batería de alta intensidad de Merlín, y la voz única, frágil pero potente de Anna. La banda ha lanzado 2 álbumes desde entonces, el primero "This is the Sound" del año 2017 y el último "The Spell" de este año, donde su música no tiene fronteras entre géneros musicales, ya que mezclar rock, metal y melodías de zanfona en una poderosa mezcla de tintes progresivos.
Imaginemos que Perú se ha convertido en un país del primer mundo, que nuestro estado invierte en investigación, que la cultura y el arte es bien visto; y que por lo tanto se puede vivir de la música y el arte en el país, quizás hasta llegue a ser rentable. Llegado a ese punto, empezarían a haber más estudios sobre arqueología musical, de lo cual tenemos una rica herencia. Y producto de estos estudios, gracias al apoyo del estado quizás, no tardan en aparecer bandas que comiencen a usar y experimentar con botellas silbadoras, flautas de pan, sonajas o tambores como los que usaron en la época prehispánica (antes que mencionen charangos, no habían instrumentos de cuerda hasta la llegada de los conquistadores) Si bien no tenemos registros de canciones ni se han conservado hasta el día de hoy música de aquellos lejanos años, sí tenemos los instrumentos y poseen unos sonidos propios de esta parte del mundo. Pero todo esto se ve muy lejano y sólo queda imaginarlo pues ya conocemos cómo el arte, la cultura y las ciencias son mal vistas aún en el país e ignoradas por el estado y las masas.
¿A qué viene todo lo imaginado en el párrafo anterior? Sucede que es lo que me imaginé al escuchar esta banda llamada Heilung y los que transmiten los sonidos de su música ¿Qué? ¿No es Metal? Pues no, no como solemos concebirlo, con instrumentos eléctricos, es mas bien una banda que practica un Folk bastante experimental que ellos prefieren llamar acertadamente "Amplified History". Los integrantes de la banda son de diferentes países como Dinamarca, Noruega o Alemania, lo cual hace que estén empapados de mitología e historia nórdica. Su música y letras se basan en textos o inscripciones de artefactos de la Edad del Hierro, creados por Celtas primero, y mil años después por los Vikingos. Mucha de su parafernalia deriva de dioses y diosas de tradición celta. El nombre de la banda significa "sanar" en alemán. En sus letras suelen cantar en alemán, gótico, inglés, latín y dialectos noruegos de la Edad del Hierro. Y por si fuera poco, las letras suelen ser poemas históricos o textos de artefactos antiguos. Incluso los instrumentos usados están basados en los que se deben haber usado en aquella época, como huesos, tambores, lanzas, cuernos de animales o artefactos de la Edad del Hierro. La banda sorprende en el 2015 con su disco "Ofnir" y su fama se acrecentó con el concierto realizado en el Castlefest que sirvió para hacer el álbum en directo "Lifa" que está disponible en YouTube, siendo considerados unas de las mejores bandas del underground y esa presentación como uno de los mejores en vivo de ese año. Felizmente los sellos dedicados al Rock / Metal suelen apostar por propuestas arriesgadas y es así como firman con Season of Mist con quienes lanzaron a fines de Junio de este año su tercer álbum titulado "Futha".
El nombre "Futha" es tomado de una inscripción hallada en un bracteato (medalla) hallado en Suecia que data de 500-530 AD. Su significado no es claro pero es posible que esté ligado al poder femenino de sanación. Y es que a diferencia del primer álbum donde predominan voces masculinas y las letras se inspiran en runa de artefactos como armas o armaduras; en este "Futha" se inspiran más en poemas antiguos de Islandia que hablan del poder mágico de las mujeres para sanar y bendecir. Es decir, la contraparte, como en muchas culturas de la antigüedad, el equilibrio. Por ende las voces femeninas toman mayor predominancia en las canciones, sin que desaparezcan por supuesto las voces masculinas, como siempre algunas algo guturales (voz de garganta mas bien) y otras susurrantes. Vale aclarar que la banda pone énfasis en que la música no está ligada a movimientos o ideas políticas actuales, sino que se basan en la filosofía de culturas anteriores a la llegada del cristianismo y las políticas actuales, mucho antes de que la mujer sea relegada a un rol de sólo procrear y dedicarse al hogar como sucedió después. Como la banda afirma, hombres y mujeres no somos iguales pero valemos por igual. Ahora en cuanto a la música, es difícil reseñar tema por tema pues es un disco que personalmente lo disfruto al escucharlo como un todo. La música o instrumentalización es minimalista con una predilección por usar más tambores, aunque la música está llena de pequeños detalles como sonido de agua, coros, posiblemente huesos entre otros instrumentos bastante modestos. Las voces toman mucho protagonismo a la hora de crear una atmósfera que nos invitan a viajar al pasado y recrean pasajes desde oscuros a relajantes. Voces algo guturales, voces surrurantes e incluso narraciones podemos escuchar. La voz femenina da el toque más "accesible" por así llamarlo en este conjunto de 9 temas que en su totalidad suelen de ser de ritmos pausados y hasta cierto punto dan la sensación de estar en la presencia de un ritual o ceremonia; lo cual es lógico ya que la música si bien hoy en día la usamos como distracción y la disfrutamos, en la antigüedad fue usada como parte importante de los ritos y festividades.
Para terminar sólo me queda decir que este es uno de los mejores álbumes que he tenido la oportunidad de escuchar este año, el disco no tiene pierde y logra su objetivo. Así que si son de mente abierta, les gusta el Folk, les gusta los sonidos experimentales y la historia pues este es su disco. Es como un viaje en el tiempo a través de la música. Denle su oportunidad a Heilung y no se arrepentirán, aprovechen que sus videos están en YouTube y sus presentaciones en vivo son todo un espectáculo.
Alonso Herrera- Guitarras / Voz Alejandro Jarrín - Bajo Sergio "Checho" Cuadros - Quena, zampoña y flauta Gabriel Iwasaki: Teclados Álvaro Escobar - Batería, percusión y cajón peruano
*Músicos Invitados: Roy Z: Solo de guitarra en Locomotive Elvira Zhamaletdinova: Violín en "Almas Perdidas" *Lista de Temas:
1. El Cóndor Pasa / Locomotive 2. Tempestad 3. Animal 4. Eclipse 5. Esclavitud de tu ser 6. Támesis 7. Paraíso 8. Almas Perdidas 9. Eterna Proyección 10. Líneas de Nazca
Hablar de Flor de Loto hoy en día, es hablar de uno de los mejores exponentes del género progresivo en el Perú y quizás en Sudamérica. Con un sonido que mezcla elementos de bandas como Jethro Tull, Iron Maiden o Dream Theater pero sumando sonidos de instrumentos de viento propios de los andes, lo cual crea el sello característico de la banda. Desde su primer álbum homónimo del 2005 a la fecha nos han regalado 7 discos de estudio, incluido este último álbum llamado Eclipse, sin tomar en cuenta el álbum Volver a Nacer (2012) que fue mas bien una especie de compilatorio donde regrabaron algunos temas y su disco en vivo Medusa en vivo en Buenos Aires (2014) y su EP Tempestad (2018) lanzado este año. Hablar de 7 álbumes en la escena peruana es algo poco común, no se me vienen a la mente muchas bandas que hayan trabajado tanto para ofrecer esta cantidad de producciones. Lo mejor de todo es que absolutamente todos los álbumes de una calidad notable. Eso sí con ciertos cambios en su sonido, pues con los años las guitarras se fueron endureciendo, los tema empezaron a ser más cortos y la voz de Alonso (primera guitarra) empezó a tomar más protagonismo, a diferencia de sus primeros álbumes que eran mayoritariamente instrumentales, muy progresivos y mayor presencia de elementos folclóricos.
Es así como este último álbum viene a confirmarnos lo que habíamos venido escuchando, un disco más orientado a las guitarras y con temas mayoritariamente cantados. En esta oportunidad la banda se dio el lujo de trabajar con el afamado productor y guitarrista Roy Z a quien se le conoce por haber trabajado con artistas y bandas de la talla de Bruce Dickinson, Helloween, Rob Rock, Rob Halford y Judas Priest, con alguien de esta categoría, difícilmente algo podía salir mal. La banda estrena en este álbum una nueva formación, liderada por Alonso Herrera en la guitarra y voz, Alejando Jarrín en el bajo, quienes son los fundadores y principales compositores en la banda. A ellos se les suma Sergio "Checho" Cuadros en los vientos quien tuvo la difícil labor de reemplaza al gran Junior Pacora, el joven Gabriel Iwasaki en los teclados pasa a formar parte de la banda aunque ya había participado en el disco anterior y finalmente Álvaro Escobar en la batería cierran esta nueva formación. Como de costumbre, Flor de Loto, sabe encontrar buenos músicos y han hecho un notable trabajo en este disco.
El disco abre con una versión de El Cóndor Pasa a manera de introducción, en donde Checho tiene tiempo de lucirse con un tema emblema para el Perú, luego del mismo sigue el tema Locomotive que no es más que una versión del tema "Locomotive Breath" del clásico "Aqualung" (1971) de Jethro Tull. Una versión muy fiel al original al cual las guitarras le agregan algo más de peso, la parte del solo de flauta y guitarra es muy buena, y aquí es donde participa Roy Z en dicho solo de guitarra, no podía fallar este tema, pero yo esperaba escuchar temas nuevos de Flor de Loto, y Tempestad se encarga la primera dosis, ya había podido escucharlo en el EP del mismo nombre que lanzaron hace meses, un tema donde predomina las guitarras y teclado al comienzo, un Alonso muy inspirado en las líneas vocales y los vientos entrando en el momento preciso durante el coro, excelente forma de empezar. Animal nos sorprende con un riff muy Hard Rock, una batería acelerada y los vientos con hermosas melodías, no esperaba un tema tan directo de Flor de Loto, el coro es notable, Alonso hace un buen trabajo nuevamente, al momento del solo tenemos un excelente duelo teclado, vientos y guitarra cortesía de Gabriel, Checho y Alonso, este es el tercer sencillo que ha sacado la banda junto a un video, buena elección. El tema homónimo Eclipse, empieza con un aire al Iron Maiden más ochentero, con una melodía de guitarra / vientos que lidera el tema, un medio tiempo bien logrado donde Alonso hace gala nuevamente de unas buenas líneas vocales, un tema galopante con un excelente coro, nuevamente tenemos otro cambio hacia mitad del tema donde aceleran un poco, para regalarnos melodías folk, un solo de guitarra muy Maiden como tenía que ser, y otro de teclado antes de volver nuevamente al coro, de lo mejor del disco. Esclavitud de tu ser le sigue y es otro tema del cual hicieron un video muy bueno grabado en Markahuasi, el tema empieza con unos vientos sublimes y la voz de Alonso en tono suave nos adelanta el coro donde nuevamente hace un buen trabajo, el tema cambia luego al escucharse un riff más Hard Rock que va acompañado de vientos y se vuelve en tono más duro a medio tiempo, como siempre a mitad de canción tenemos un cambio de ritmo y la banda tiene tiempo para lucirse en los solos donde las melodías de guitarra y viento son excelentes.
El primer corte instrumental, fuera de la introducción, es Támesis, un tema que nos regala momentos de calma liderado por una melodía muy folk y que le da tiempo a lucirse a cada integrante. Paraíso por su lado empieza con unos teclados muy ambientales y sinfónicos, un tema más pausado en comparación a lo que se venía escuchando, nuevamente un tema con voces. El siguiente tema, Almas Perdidas debe ser el más melódico del álbum, con una suave melodía a guitarra y vientos, Alonso nos regala quizás el mejor coro de todo el álbum, los teclados ayudan mucho llenando el tema de mucha melodía y tenemos la colaboración de Elvira Zhamaletdinova en el violín quien había colaborado en el disco anterior. Hacia el final del disco tenemos a Eterna Proyección que es quizás el tema más progresivo del disco , un medio tiempo nuevamente cantado y con excelentes pasajes, el que más me recuerda a sus discos anteriores. Finalmente Líneas de Nazca que es otro instrumental, mejor logrado que el primero a mi gusto personal llena de pasajes melódicos y místicos, cortesía de los vientos y el teclado. Oculto en el disco hay una versión en vivo de El Cóndor Pasa / Locomotive grabados en el Rosfest 2018 donde la banda pudo participar y recibir una buena respuesta del público estadounidense.
En resumen, creo que es el disco que menos temas instrumentales y elementos progresivos tiene, sin embargo no por ello es malo. Eso es lo que por ratos extrañé junto a algunas melodías folk memorables como en "Odisea" o "Espejo del Alma" de sus anteriores discos. Los temas son más directos en esta oportunidad, desencantándose por el lado más Hard Rock y con melodías vocales más logradas que en álbumes anteriores a mi parecer, quizás se deba a que casi todas las canciones están firmadas por Alonso. Incluso la duración de los temas es menor si lo comparo con otros discos de antaño. Un disco que empieza muy intenso y que nos deja los temas más calmados para el final. Quizás a los fanáticos de la faceta más progresiva no les agrade del todo esto, sin embargo el disco es muy sólido dentro de esta nuevo sonido por el que han apostado. Como siempre Alonso notable en las guitarras y me ha sorprendido su voz en esta oportunidad. Checho y Gabriel impecables en los vientos y teclados. Como siempre Alejandro con su bajo tomando protagonismo y dando una excelente base rítmica a los temas junto a Álvaro en la batería. Otro punto destacable es la excelente portada y es que nuevamente se han esmerado, a blanco y negro como la del anterior álbum. De lo mejor de este año 2018 desde ya y es que insisto, hasta ahora Flor de Loto no me ha decepcionado con cada lanzamiento que tiene. Ellos presentarán este disco el Viernes 16 de Noviembre, posteriormente tocarán junto a The Flower Kingsel próximo Miércoles 21 de Noviembre y finalmente el Sábado 24 de Noviembre abriendo junto a RockPata el concierto de Saurom en Lima; así que tendremos oportunidad de ver cómo funcionan los temas en directo. Pueden adquirir el álbum contactándose directamente con la banda y si pueden visiten su bandcamp donde podrán escuchar su discografía completa.
Arkona (Аркона) es una banda rusa de pagan metal y folk metal surgida en 2002 en Moscú. Sus letras están basadas en la historia rusa y la mitología eslava, además incorporan algunos instrumentos tradicionales de la música de Rusia (tales como balalaicas, domras, guslis, el acordeón ruso o bayan, zanfoñas, violines, tambores, flautas, etc).
La banda se formó en 2002 y desde entonces han publicado 7 álbumes, 1 demo, 1 recopilatorio y 2 DVD de conciertos en vivo. El nombre de la banda proviene del nombre de la última ciudad eslava pagana fortificada, en el Cabo Arkona.
En el 2014, Vlad "Artist" (batería) deja la banda, incorporándose al grupo el batería Andrey Ishchenko, el cual ya tuvo participación en el álbum de estudio Yav.
Su formación actual es:
Masha Scream (voz)
Sergej "Lazar" (guitarra)
Ruslan "Kniaz" (bajo)
Andrey Ishchenko (batería)
Vladimir Cherepovsky - Flauta, Gaita
Esperamos ver pronto a esta banda por Sudamérica y Perú, podemos apoyar su llegada en el siguiente enlace Arkona en Lima 2015. Mientras tanto disfrutemos de su brutal presentación en el Hellfest 2015:
La banda nacional Flor de Loto sigue promocionando su último álbum "Nuevo Mesías" y para ello ha lanzado un nuevo video, el del tema "Otro Lugar", el cual es uno de los temas más cercanos a una power balada dentro su disco. El videoclip fue dirigido por Nicolas Cardenas de NK Video Producciones.
Anteriormente habían lanzado el video del tema "Espejo del Alma":
La banda se presentará el 20 de Setiembre en "El Local" de Miraflores junto a Reino Ermitaño, La Ir de Dios, y N.O.M en el evento llamado: UNDER ROCK FEST.
La banda peruana de hard rock progresivo/fusión, Flor de Loto, lanza su sexto trabajo discográfico “Nuevo Mesías", grabado, mezclado y masterizado en Argentina.
El disco está siendo editado por la disquera mexicana Azafrán Media, disquera especializada en rock progresivo y jazz fusión, la cual se va a encargar de su distribución mundial junto con Musea Records de Francia. También va a tener edición Argentina por Icarus music y Virtual Records.
Esta nueva producción contará con una primera edición doble, limitada, que constará de CD y DVD el cual tendrá un documental sobre el making of del disco y la gira “Volver a Nacer” 2013, videos en vivo, videoclips y fotos.
El Viernes 9 de Mayo se realizará el lanzamiento oficial de “Nuevo Mesías” en el auditorio del Centro Cultural Ricardo Palma, Av. Larco 770, Miraflores, a las 8:30 pm. Entrada: S/. 30
Las entradas están a la venta en la tienda Moving Sound en galerías Galerías Brasil, Av. Brasil 1275-2do piso-tiendas 61B, 69B y 70B, y también enviando un INBOX al facebook de la banda:
