La leyenda del heavy ingles llega a Lima este 6 de Marzo
Llega al Perú por primera vez SAXON desde Inglaterra quienes a través de más de 40 años y 28 discos en estudio han mantenido la esencia del Heavy Metal.
La banda inglesa llegara a Lima por primera vez como parte de la gira promocional de su último disco “Thunderbolt” y tocarán todos sus grandes éxitos.
La cita es este 6 de Marzo en El C.C. Festiva (Av. Alfonso Ugarte 1439) las puertas se abrirán a partir de las 8:00 pm
Precio de Entradas:
Segunda Pre venta 180 soles *
Puerta 200 soles *
*no incluye comisión de servicio www.tuentrada.com.pe
Puntos de Venta sin Comisión:
Pentagram Records Av. Brasil 1275 (Jesus Maria- Lima) Galerias Brasil 29-B y 30-B (Segundo Piso) telf: 01 3304890
Moving Sound Av. Brasil 1275 (Tiendas 61B, 69B y 70B) Jesús María TELF: 014336497
Cuando salió al mercado "Implicit Obedience" (2012), Desecravity destapo bastantes oídos en el mundo extremo. Porque aparecieron sin ninguna demostración de por medio o algún tema promocional que exteriorice al mundo lo que tenían en mente estos japoneses antes de su primer disco; además de haber tomado los servicios de Erik Rutan para la mezcla y materización de su primer opus y vaya que cambiaron la perspectiva de muchos sellos a nivel mundial, pero captaron la atención de uno de los sellos más interesantes de los últimos años en el lado brutal y técnico del mundo - Willowtip Records. Presentando un disco intenso, brutal, técnico, salvaje y pisando notas cuasi progresivas por momentos; pero que no sobrepasan la intensidad del disco.
Es así que estos japoneses continuaron su camino técnico y brutal a través de su segunda producción llamada "Orphic Signs" (2014), pero esta vez bajo una producción mucho más aguda y que estuvo a cargo de Brian Elliott (Devourment, Exhumend, Dying Fetus, etc) con muchos más elementos progresivos que en su estreno del 2012. Además de mencionar el trabajo abrumador de Yuichi Kudo en los parches, los cuales demuestran una superación personal y le añaden a la banda algunos toques Mike Portnoy-nescos de tones largos y de sonidos agudos que encajan perfectamente en sus momentos más progresivos de la banda. Teniendo un progreso abismal en tan solo 2 años como banda y llevando la música de Desecravity a otro nivel, consolidándolos como una banda importante en su país dentro de su propia vertiente musical. Luego de 5 años de presentaciones en vivo y estar inmersos en nuevas composiciones, Desecravity presenta al mundo su nuevo disco en estudio "Anathema", bajo la misma estirpe musical de discos antecesores y esta vez tomando los servicios de Dan Swanö en la mezcla y masterización. Con el cual regresan a tener un sonido mucho más potente en los bajos, pero intercalando mejor los agudos cuando ambos guitarristas comienzan a contrapuntear y armonizar. Dejando el lado bruto e intenso para la batería de Yuichi y los dedos de Daisuke Ichiboshi en el bajo; denotando mejor la intensidad de la banda para esta nueva producción. Cabe resaltar que la banda nuevamente toma los servicios gráficos de Ryohei Hase, con quien llevan trabajando desde sus primera producción y aún continua bajo la esencia espiritual de Desecravity; además de mencionar que la banda sigue bajo la edición en físico de su sello de siempre Willowtip Records.
"Anathema" es un disco de superación máxima y de continuación asertiva en sus composiciones, porque la banda sigue evolucionando de manera natural en su música y sin la necesidad de bajar las revoluciones o intensificarlas. Solo colocar lo necesario para que el disco siga manteniendo su potencia y transite por varios elementos brutales, técnicos y progresivos. Entonces, desde que el disco abre con "Aeon and Ashes" los sonidos rimbombantes de teclados y redobles majestuosos empiezan a conectarte con lo que se vendrá en "Impure Confrontation". Canción inicial que muestra toda la esencia de la banda y el cual fue su primer sencillo en promocionar por el sello; donde se encuentran elementos como sweepiking, blast beats que rondan entre 250 a 300 bpm, guturaciones más crudas, partes de bajo de 5 cuerdas que enaltecen las escalas de los momentos armonizados por ambos guitarristas. Toda un demostración magistral del nivel musical de estos 4 japoneses, quienes no dejan de machacarte el cerebro.
"Ominous Harbinger" es un tema acelerado, progresivo y denso en las partes medias del tema que desembocan de una manera salvaje en las infradecimáles escalas de Yujiro Suzuki y Yuya Takeda, quienes llevan al máximo la creatividad de la banda e inclusive llegan a citar notas Bach-sianas al inicio de la siguiente canción "Deprivation of Liberty", pero luego la banda introduce notas deathers, disonates y cuasi industriales que no dejan nada al imaginación. Dentro de esta canción existen tres momentos resaltables que son al minuto con tres segundos, al minuto con veinte y siete segundos y al minudo con treinta y ocho segundos. Donde predominan el bajo, el paneo de derecha a izquierda en tan solo 2 segundos de riffs. Luego se tiene "Bloodthirsty Brutes" es un tema que empieza directo a la matanza, no deja ningún herido en medio, debido a que todo el rato la música de Desecravity se sigue poniendo más intensa y dominante en cualquier parlante.
En "Secret Disloyalty" su matriz progresiva sale mucho más a flote, intercalando lo intenso de su riffs con lo técnico de su música. Nuevamente resaltando el trabajo de Yuichi Kudo, quien se las ingenia para brindar un soporte magnánimo dentro de notas intrínsecas y disyuntivas de sus guitarristas. Esencia que sigue en "Devoured the Psyche", donde los recursos son inagotables para todos los músicos y esta vez se denota algunos riffs thrashers, pero que no le quitan el sentido de su música, solo la acrecientan y proyectan aún más su paleta de ritmos musicales que terminan su recorrido en "Beheaded White Queen". Canción que cierra el disco de manera abrumadora, sin dejar ningún espacio en blanco, dotando de carácter personal a la banda y bajo un abolengo difícil de imitar hoy en día. Siendo el mejor lanzamiento brutal y técnico del mes hasta el momento y porque no decirlo, "Anathema" estarán dentro de los mejores 10 álbumes de metal extremo de este 2019 que empieza con fuerza para Desecravity y el Heavy Metal.
Los documentales sobre la cultura del Heavy Metal han empezado a hacerse cada vez más comunes. Ejemplos de ellos hay muchos, quizás el más conocido "Metal: A Headbanger's Journey" fue el que dio inicio a una serie de ambiciosos proyectos dirigidos por el antropólogo, músico y cineasta Sam Dunn que exploraron el impacto del Metal a nivel global y dio una serie de excelentes documentales vistos desde una mirada desde las ciencias sociales y de un fanático de dicho tipo de música. También hemos podido ver documentales dedicados a bandas, entre los más destacados que hemos vistos están los dedicados a Anvil, Jason Becker o Death por nombrar algunos. Pero en esta oportunidad vamos a hablar de un documental que aborda la cultura del Heavy Metal en su contexto histórico, político y social en latino-américa. Y es que la música no siempre está apartado de lo política como afirman algunos músicos "apolíticos". Los músicos se inspiran en lo que los rodea y afecta. Sabemos que la historia de los países latinoamericanos ha estado marcada por sucesivas guerras civiles y conflictos desde que se independizaron de sus colonizadores europeos. Una historia llena de falsos héroes y muchas veces maquillada cuando uno ahonda en temas específicos. Es así como este documental que lleva por nombre "Songs of Injustice: Heavy Metal Music in Latin America"(Canciones de la injusticia: el Heavy Metal en Latinoamérica) dirigido por Doctor Nelson Varas-Diaz, profesor de la Universidad de Florida quien trabaja en el departamento de Estudios Socioculturales y Globales de dicha casa de estudios, quien ya ha hecho estudios sobre el Metal en el Caribe y Latinoamérica, también sobre el rol de la mujer en la escena y estudios sobre las escenas pequeñas dentro del Heavy Metal. Como podemos ver no es un novato en esta materia y en este caso se enfoca básicamente en países como Perú, México, Chile y Argentina y en base a una entrevista al director del documental empezamos a ver poco a poco los testimonios de músicos de los diferentes países y cómo los conflictos sociales de los mismo inspiraron a muchos de ellos.
Al ver la presentación del documental veo una portada con un paisaje desolado y desértico donde se lee "No estamos aquí para entretenerte" y al reproducir el documental lo primero que vemos es una frase del premio nobel Gabriel García Márquez:"La interpretación de nuestra realidad con esquemas ajenos sólo contribuye a hacernos cada vez más desconocidos, cada vez menos libres, cada vez más solitarios". Desde ya vemos que esto va en serio, y con imágenes de los andes peruanos empieza el documental. El Doctor Nelson Varas-Díaz a través de la entrevista explica cómo el Metal nos ayuda a entender la realidad de cada región y esto porque muchas veces el mensaje va ligado a la realidad de cada país, a las injusticias, la represión, etc. Algo muy interesante es cómo plantea todo en base a 3 actos, el colonialismo cuya influencia aún está latente (discriminación, indígenas marginados), las dictaduras del S. XX (derechos recortados, violaciones de derechos humanos) y el neo-liberalismo que quiere privatizar todos nuestros recursos (conflictos sociales), todo esto influencia no sólo el modo de vida de nosotros sino también la música Metal que uno puede encontrar en latino-américa. Obviamente no todas las bandas, como sabemos, llevan un mensaje ligado a esta realidad, es por ello que en cada país entrevistan a bandas cuyo sonido y letras son consecuencia de estos factores.
Empieza por Perú, entrevistando a Alonso Herrera y Alejandro Jarrín de Flor de Loto además de Eloy Arturo de Kranium, quienes hablan un poco sobre el terrorismo en el Perú y los problemas causados por Sendero Luminoso y por el mismo estado al no saber cómo afrontar dicha amenaza, a tal punto que se cometieron excesos por ambas partes y donde muchos inocentes, sobre todo gente del campo, pagaron los platos rotos como lo menciona Eloy. Un tema que hasta ahora es muy polémico y genera reacciones negativas sobre todo en un sector de la población que se rehúsa aceptar los excesos cometidos y donde quienes más sufrieron fueron los campesinos. Otro tema que se menciona es cómo lo indígena genera cierto rechazo hasta el día de hoy y cómo hemos recibido la discriminación como una herencia del colonialismo. Tanto Kranium como Flor de Loto, si bien practican estilos diferentes, tienen como punto en común el incluir elementos folk, propios de los Andes Centrales. Alonso menciona cómo quedó impresionado al ver a Kranium por primera vez ya que las bandas peruanas extrañamente no habían incluido elementos Folk hasta entonces en el Metal. Eloy por otro lado comenta cómo es que las bandas hablaban de temas ajenos a nuestra realidad mientras en Kranium buscaban mucho hablar sobre temas con los cuales sí podíamos identificarnos como el terrorismo e incluir sonidos propios de estas tierras. Hubiera sido interesante poder ver a Chaska también, si bien aparece en uno de los 2 CDs que compilan música de bandas de todos estos países junto a un tema de M.A.S.A.C.R.E de Perú. Esta aparte va acompañada de Flor de Loto tocando su tema "Tempestad" incluido en su último álbum"Eclipse" (2018).
El segundo país que se visita es México, donde se habla del movimiento Zapatista, llamado Ejército Zapatista de Liberación Nacional, que buscaba visibilizar el mundo indígena y luchar contra el neo-liberalismo, este movimiento nace en los 90s. Aquí toma la palabra Johnny Chávez de Acrania quien hace una descripción de México que podría calzar muy bien en nuestro país "tiene de todo pero a la vez nada". Alberto Pimental de Leprosy refuerza esa idea comentando que no todo su país es hermoso sino que hay mucha gente marginada, en pobreza extrema y olvidada (¿No les suena familiar?) Esta sistema de desigualdad, hace que aparezcan personajes como el subcomandante Marcos de los zapatistas y cómo es que aparecen en lugares como Chiapas junto a comunidades indígenas.Luis Oropeza de Acrania comenta cómo la aparición de dicho movimiento y la toma de algunas municipalidades, de alguna manera marca su infancia. Esto debido a que este movimiento hace que todo el mundo ponga su vista en la cara oculta de México que son sus comunidades indígenas olvidadas. Estos eventos inspiraron el álbum de Leprosy llamado "Llora Chiapas", justamente una versión en vivo del tema que da nombre al disco es la que podemos ver en el documental junto a un tema de Acrania quienes introducen rítmos latinos, ligados a la salsa, en su música.
El siguiente país que se visita es Chile donde la escena metalera nace durante la dictadura de Augusto Pinochet en donde bandas como Warpath, Massacre y Nimmrod BC., cantaron sobre dicha dictadura, algo valiente si tenemos en cuenta que casi 30 mil personas desaparecieron. Aquí toma la palabra Chris Irarrázaval de Nimrod BC. quien habla del control y la represión que se vivió e Chile durante esa dictadura. Hay lugar para escuchar el testimonio y disfrutar de la voz de Cinthia Santibáñez de la banda chilena Crisálida, a quienes he tenido la suerte de ver en 2 oportunidades por Perú, una banda ligada más al progresivo y cuyas letras hablan mucho de lo importante que es proteger la naturaleza.
Finalmente llegamos a Argentina, que como sabemos es una de las escenas más grandes e importantes en Sudamérica. Al igual que Chile sufrieron una dictadura militar, temas que han sido tratados por bandas como V8, Hermética, Alma Fuerte, Malón o Tren Loco quienes siempre tratan estos temas en sus letras. Gustavo Zavala y Carlos Cabral de Tren Loco hablan un poco de todo lo que abarca la palabra "aguante" dentro del Metal Argentino, término muy ligado al deporte más popular de este país como lo es fútbol y que fue asimilado por la cultura metalera argentina. Aquí se destaca el álbum "500 años de qué" de Tren Loco como un disco que habla de cómo la colonización continúa hasta el día de hoy pero maquillado en diversos tipos de abuso, haciendo énfasis en los problemas de la clase trabajadora y humilde.
En resumen un documental de hora y media que recomiendo mucho, quizás algunos desconozcan a la bandas que aparecen aquí, o se nos venga a la mente otras bandas que debieron aparecer, pero más allá de ello, está bien planteado el contexto que inspira a muchas de las bandas latinoamericanas. Como dicen en una parte del documental, el Metal les ha dado voz a muchos para denunciar los abusos o narrar las tragedias que han azotado y problemas que siguen sin solucionarse en gran parte de esta región. El Metal es la voz que visibiliza a aquellos que hemos sido marginados. Que quede claro que este no es un documental que busca explicarnos el origen de cada escena de cada país, sino mas bien ahonda en los conflictos que inspiran a muchas de estas bandas. Tampoco es que haya nacido un estilo propio o un sonido característico a causa de los mismos problemas, pues salvo Brasil, la mayoría de bandas latinoamericanas se han nutrido de influencias foráneas, eso sí, algunas de las que aparecen aquí, han sabido introducir sonidos propios de su folclore. Según leí, se plantea hacer una segunda parte donde abarcaran más país. Por último aparte del DVD del documental aparecen 2 CDs con música de bandas de estos países, algunas que no tuvieron cabida en el documental, lo cual lo hace muy completo. Les dejamos los trailers, si ingresan a la cuenta de YouTube de verán que tienen otro documental sobre el Metal en el Caribe, muy interesante también.
Noctambulist - Atmospheres Of Desolation - 2019 (Blood Harvest Records)
Lista de Canciones:
1. Dimming Lights Illuminate
2. Abnegation
3. Atmospheres of Desolation
4. Jubilant Cataclisym
5. Denial of Autonomy
6. Habitual Falsehood
Una de las cosas que siempre llamó la atención de Estados Unidos, es como un país puede adoptar su propia manera de hacer Black Metal y colocarle esa raíz intensa del Death Metal en sus riffs y blast beats. Pero que no suene oscuro, sino por el contrario, suene salvaje e inclusive agresivo. Y es por ello que existen canciones de bandas como; AngelCorpse, Perdition Temple, Kult ov Azazel, Cyanic, Imperial Crystalline Entombment, etc. Donde los riffs son blackers, pero la intensidad de su música no decae en ritmos de montaña o con bosques gélidos, sino reside en la intensidad de hacerlo salvaje bajo una mixtura de voces agudas y graves de guturación que son mezclados baja una inmensa gama de riffs técnicos y brutales que se asemeja a Artifical Brain, Gorguts, Ulcerate, etc.
Es así que el sonido estadounidense mezclado con el friaje noruego produce un sonido único en el mundo extremo del Heavy Metal, el cual denota mucha atención para los que están inmersos dentro de las diferentes ramas de lo brutal y extremo. Es por ello que esta banda llamada Noctambulist comienza su recorrido con un disco de grosas proporciones y dentro de los estándares mencionados en el primer párrafo, siendo así que "Atmospheres Of Desolation" se pronuncia como uno de los mejores estrenos de este mes. Pasando por atmósferas funestas y todo un contexto de sonidos intensos denotados especialmente por la batería de M.N. y riffs afilados a más no poder. Además de añadirle algunos contratiempos con notas sueltas y cuasi arpegios que descienden todo lo violento de estos noveles estadounidenses.
A medida que avanza "Atmospheres Of Desolation" se denota un buen trabajo por parte de todos los músicos y lo bien que encajan todos los instrumentos en las 5 canciones del disco, desde que se inicia con "Dimming Lights Illuminate" anexando la introducción del disco y terminando con "Habitual Falsehood". La banda tiene momentos casi épicos, pero no tan memorables que llega a hacerse común por instantes, además de que juegan con los elementos de hace 10 años atrás y que si hubieran lanzado este disco durante esa época. Noctambulist tendría otra presencia en el mundo actual.
"Atmospheres Of Desolation" no es un mal disco, pero tampoco será un disco que cambie la perspectiva de la escena de su país. Solo es aquel disco que sigue la magia de sus predecesores, bajo una ejecución impecable y con ese corte oscuro y clásico de los neozelandeses de Ulcerate. Haciendo de este primer disco deNoctambulist un buen disco para los oyentes y para el mundo extremo. Recomendado para los que quieren un poco más de sonidos disyuntivos y excéntricos.
Saxon es una de las bandas de Heavy Metal más importantes que aparecieron durante el auge de la llamada "Nueva Ola de Heavy Metal Británico" NWOBHM junto a otras leyendas como Iron Maiden, Judas Priest, Def Leppard, Diamond Head, Venom, Tokyo Blade entre otras. Una banda que podría decirse no ha sido valorada como muchos de sus contemporáneos y que ya lleva 40 años en la senda del Heavy Metal.
La banda se formó en Barnsley, Reino Unido en el año de 1976 y quizás su periodo de mayor popularidad fue en la primera mitad de los 80s, en pleno auge de la NWOBHM, donde nos dejaron grandes discos como "Wheel of Steel", "Strong Arm of the Law", "Denim and Leather" y un gran registro en vivo llamado "The Eagle has Landed".
Como muchas bandas de la segunda mitad de los 80s, también incursionaron en el Glam Metal con discos como "Rock the Nations" y "Destiny", los cuales no tuvieron el éxito esperando en el mercado estadounidense. Todo lo contrario en Europa y Japón donde les fue mucho mejor. A mediados de los 90s volvieron a su sonido clásico y nuevamente el reconocimiento en Eruopa donde han llegado a ser cabezas de cartel de grandes festivales como Wacken Open Air, Download Festival, HellFest entre otros.
Con una respetable discografía han sido señalados como influencia importante para bandas como Metallica, Bathory, Pantera, Slayer, Sodom, Mötley Crüe y Megadeth, entre otras. Se estima que a la fecha han superado los 15 millones de copias en todo el mundo.
Su último álbum a la fecha es el "Thunderbolt" (2018) el cual sería el vigésimo segundo álbum de su ya larga discografía. Publicado por Silver Lining Music el álbum entero está dedicado a la memoria del fallecido bajista y vocalista de Motörhead, Lemmy Kilmister. Aquí destacamos su tema "They Played Rock and Roll" dedicado a Motörhead con quienes giraron como teloneros entre 1979 y 1980.
Los británicos pisarán suelo peruano por primera vez, algo que hasta ahora nos fue esquivo. La cita es en CC. Festiva el próximo Miércoles 06 de Marazo del 2019.
Malevolent Creation - The 13th Beast - 2019 (Century Media Records)
Lista de Canciones:
1. End the Torture
2. Mandatory Butchery
3. Agony for the Chosen
4. Canvas of Flesh
5. Born of Pain
6. The Beast Awakened
7. Decimated
8. Bleed Us Free
9. Knife at Hand
10. Trapped Inside
11. Release the Soul
Entendamos algo con respecto a Malevolent Creation y hagamoslo muy bien, "The Ten Commandments" (1991) y "Retribution" (1992) fueron discos magnánimos en todo el sentido de la palabra y que cambiaron la escena mundial del Death Metal, lo hicieron. Después de ello la banda se reformuló en algo mucho más groove y acelerado para la llegada de los 2000's, lanzando un disco impresionante que tuvo por titulo "The Will to Kill" (2002) y con una propuesta mucho más acorde al siglo XXI, pero que seguía dentro de los estándares de Malevolent Creation. El cual definió el nuevo sonido de estos estadounidenses y de ahí en adelante esa presencia groove se hizo mucho más intensa en subsiguientes discos, acotando el regreso de Brett Hoffmann (Q.E.P.D.) en el 2007 con su disco "Doomsday X". Quien inyecto más presencia a la banda, porque contaban nuevamente con una voz característica en su música y de índole personal. Entonces, aclarado esto, la banda no tiene porque repetir lo hecho hace años atrás en sus primeros discos!!!
Es así que llega este 13vo disco en estudio denominado "The 13th Beast" por medio de Century Media Records este 18 de Enero. Nuevamente tomando el trabajo de 2 viejos conocidos que son Dan Swanö y German Latorres para la mezcla y para el diseño de la caratula. Quienes ya participaron en su antecesor "Dead Man's Path" (2015), el cual tuvo buenas criticas por la prensa extrema y por ende Phil Fasciana -único miembro original- quiere seguir manteniendo las expectativas por este nombre death metalero tan reconocido en el mundo del Heavy Metal. Además que esta nueva presentación musical constará de dos versiones físicas para los coleccionistas, las cuales será en versión con caja acrílica y vinilo de diferentes colores.
"The 13th Beast" es un disco que sigue el legado de "The Will to Kill" (2002) y que continua ante la mirada de Phil Fasciana con nuevos integrantes, debido a los problemas que tuvieron hace unos años con la anterior formación. Donde los nuevos personajes se adaptan muy bien al sonido de Malevolent Creation y continúan con su sonido, pero esta vez desde que inicia el disco con "End the Torture" y termina con "Release the Soul" logran un sonido conciso, donde las once canciones que se producen en esta nueva placa quedan bajo un esquema plano en sus composiciones y no se denota ningún tema en especial. Solo Death Metal directo a la yugular sin cambios exorbitantes o que cambien la sintaxis de esta banda estadounidense.
Es así que esta 13va bestia comienza con buen pie y con un vocalista que las tiene claras al momento de guturar, porque viene a ser uno de los puntos más potentes de todo el disco. Aunque que tenga semejanzas de otros del pasado, Lee Wollenschlaeger se lució al momento de cantar en el disco y deja una muy buen impresión para lo que vendrá después. Es así que "The 13th Beast" no será un disco que le prendas vela, pero es un disco que mantiene una carrera estable en la banda, después de la muerte de su vocalista iconico y los problemas internos de la banda con integrante pasados. Dejando un buen sabor boca para una siguiente producción, que puede llegar a destronar a su maravilloso disco del 2002. Altamente recomendado para aquellos que necesiten estar pegados en el pogo de pies a cabeza.
Venom Inc es el nombre con el cual se conoce a la banda conformado por ex integrantes de Venom (no confundir con el Venom de Cronos) específicamente de la alineación de 1988 - 1992. Esta formación está compuesta por: Tony "Demolition Man" Dolan (Voz/Bajo) Jeff "Mantas" Dunn (Guitarra) Tony "Abaddon" Bray (Batería)
Estos ex integrantes de Venom llegan a Lima para darnos un endemoniado show que se llevará a cabo el próximo Martes 12 de Febrero en el C.C. Festiva.
Un concierto que promete tanto temas clásicos como Black Metal, Welcome to Hell, Countess Bathory entre otros clásicos de Venom sumado a los excelentes temas de su álbum "Avé" que marcó su debut con Nuclear Blast y que fue bien recibido por la crítica.
Las bandas peruanas que los acompañaran serán Epilepsia presentando temas nuevos, Infection poniendo la dosis de Death Metal y el debut de los Thrash Metaleros Flagellum.
El concierto empezará a las 08:00 p.m. en punto.
Meathook siempre fue una banda que tuvo las cosas detalladas para hacer Brutal Death Metal desde su primer álbum "Infernal Torture" (2008), porque le colocan siempre el gancho exacto para que suenen intensos, brutales y sin ningún ápice del tecnicismo limpio de estos últimos años. Manteniendo esa raíz estadounidense de corte asqueroso, oscuro y putrefacto de marca Brodequin que es una gran influencia para el mundo brutal del Heavy Metal. Además, cabe recalcar que esta clase de música siempre tuvo limites en su composición y esta un poco alicaído en composiciones que puedan seguir sonando intensas desde el 2010, debido a que es un estilo demarcado por parámetros de blast beats rígidos, riffs acuchilladores, voces ultraguturales y cambios técnicos. Los cuales se pueden degradar de muchas maneras y hasta alejarse del estilo clásico del Brutal Death Metal de los 90s.
Es en ese marco que Meathook sabe captar la esencia de una generación perdida y destilarla de la mejor manera en esta nueva presentación llamada "Crypts, Coffins, Corpses", porque esquematiza perfectamente todo lo que se esta perdiendo en este estilo y no tenga inclusión de otros para hacerse más técnico, progresivo o más audible para el mundo deather. Pero también recordar que las copias paupérrimas y en su mayoría provenientes de Indonesia, tampoco nutren esta escena alicaída, porque los grandes nombres del estilo están en modo descanso y quizá pensando en como volver a resurgir esta escena. Por el momento y al año se producen bastantes discos del estilo, pero ninguno con la capacidad de remontar los viejos conocidos o dedicarles a escuchar más tiempo el disco. Con decir que el año pasado solo 2 discos pudieron llamar la atención de los medios y son de Abysmal Torment y Molested Divinity.
"Crypts, Coffins, Corpses" es un disco compacto y directo a la yugular, sin nada de floriruterias de estos últimos años. Brutal Death al mango desde que inicia con "Awaiting Torment" y termina con "Coils of Entrails", con un promedio de casi 32 minutos de duración el disco transita por momentos intensos, guturaciones profundas, partes densas, riffs atronadores y con bastantes partes ensalzadas de blast beats de por encima de 250 bpm y algunos tupa tup de los 90s como en "Awakened by the Stench" y "Placed upon the Altar". Además de añadirle algunos toques slammers de vez en cuando, pero de manera balanceada en todo el disco para que no llegue a atosigar este subestilo del Death Metal y se ponga aburrido o tedioso de escuchar.
En general, esta nueva presentación de Meathook"Crypts, Coffins, Corpses", llega a convencer con sus 9 canciones de casi 32 minutos, desempeñando su papel protagónico en su sello bajo la habilidad de cada uno de sus integrantes que se compenetran muy bien para ejecutar su Brutal Death Metal. Siendo un disco perfecto, pero sin ningún tema que resaltar y tampoco para descartar, lo cual amerita la continuidad del disco y la banda dentro de su propias razones. Un disco interesante que continua la vieja esencia sin errores y denota que se puede seguir acuñando nuevas producciones con personalidad a este abarrotada estilo extremo.
Swallow The Sun - When a Shadow Is Forced into the Light - 2019 (Century Media Records)
Lista de Canciones:
1. When a Shadow Is Forced into the Light
2. The Crimson Crown
3. Firelights
4. Upon the Water
5. Stone Wings
6. Clouds on Your Side
7. Here on the Black Earth
8. Never Left
Desde aquel "The Morning Never Came" (2003), muchas cosas cambiaron en la vida musical de Swallow the Sun hasta esta nueva producción en estudio llamada "When a Shadow Is Forced into the Light". Nombre que proviene de la canción "Broken Mirror" del disco "Hour of the Nightingale" de Trees of Eternity, donde el guitarrista Juha Raivio uniófuerzasjuntos con otros músicos de bandas como; Wintersun, October Tide, Moondark, etc. Y es en ese marcó que la banda desde hace unos 3 discos atrás, baja las revoluciones y se concentra en ponerse más triste y melancólico en comparación de su impresionante debut. El cual fue una pieza angular en el mundo Doom Metal del Heavy Metal, cambiando muchas perspectivas dentro del estilo y colocandolos dentro de los mejores 30 discos doomers de toda la historia. Entonces que se tiene en este "When a Shadow Is Forced into the Light", pues una transición de muerte y oscuridad personal de Juha Raivio, debido a la muerte de su esposa Aleah Starbridge (Trees Of Eternity) en el 2016. Un año después de su penúltimo disco en estudio "Songs from the North I, II & III" (2015); es por ello que, Swallow The Sun adopta una postura más oscura e impregnada de muerte en cada una de las notas que contiene este nuevo álbum, colocándole voces blackers por momentos y de dulce sintonía funebre que fueron enfocados perfectamente por el maestro Jens Brogen (Amorphis, Katatonia, etc) en su popular Fascination Street Studios. Quien conoce muy bien el sonido de doomer de estos últimos años y de como se debe realzar cada sentimiento grabado en cada uno de los instrumentos. Esta vez el diseño de la portada estuvo a cargo de la rusa Liga Klavina y el francés Fursy Teyssier, quienes también estuvieron presentes en la caratula del simple "Lumina Aurea". El cual viene a ser una canción intensa por las notas que contiene y toda esa fascinación por la muerte y la soledad que emana todo este concepto. Por eso fue que la banda retrata el cruce del rió estigia de una persona especial hacía el inframundo y la canción se centra en todo lo que le suscita a esta persona y de como las predicciones puede variar según los actos de las personas. Siendo así que el vídeo de mencionado tema fue el adelanto de la banda para mostrar el lado ancestral y mítico sobre el aura de luz en el inframundo y de ahí terminar el camino en la presentación gráfica de "When a Shadow Is Forced into the Light", el cual se atribuye el inicio de la negrura sentimental post fallecimiento y finalización cegada por una luz intensa que se desplaza con amor y muerte al termino de una vida querida.
Desde que el disco entra al reproductor con la canción homónima del disco "When a Shadow Is Forced into the Light", todo ese ambiente fúnebre y dulce invade el reproductor bajo un sollozo de guitarra que esboza sufrimiento en el alma, pero que de a pocos se calma dentro de miles de pensamientos confusos y óbitos ideales que son realzados por la feroz voz Mikko Kotamäki que es apoyada con limpias y con voces blackers que denotan el eterno sufrimiento del corazón de un integrante de la banda. Y bajo esa penumbra sentimental continua "The Crimson Crown", canción mucho más encarnizada entre la batalla de dejar ir los sentimientos o permanecer con ellos, los cuales se trituran como cuerpos secos para producir ese color carmesí.
Debido a que este disco se encuentra en una faceta mucho más personal por parte de uno de los integrantes, un tema como "Firelights" no debía de faltar dentro de esta faceta de la banda. Porque las luciérnagas tuvieron apego en muchos ritos, mitos, leyendas, libros u otros contenidos humanos, donde están apegados a la luz después de la muerte. Además de que en muchos de los casos estos insectos aparecen después de que una persona pura o sagrada se aleja de este plano astral para entrar dentro de la cósmica y purulenta vía energética de donde todos iniciamos y terminamos. Luego en el reproductor continúa "Upon the Water", primer sencillo que sigue en la línea del tema homónimo, denotando el trayecto del ente familiar a través de las vastas aguas del río estigia que lleva un sinfín de penurias.
"Stone Wings" empieza consolando el corazón atormentado y de a pocos todo se pone en paz dentro de él para que deje de pensar en la persona que se fue y esta comenzando su viaje. Hablando con el silencio y dejando que todo se enfríe bajo el cielo que deja abrir las alas a los 4 minutos con 24 segundos, siendo el momento exacto para que mundo musical cambie completamente y se torne atronador por la voz gutural. Para luego continuar expandiendo sus alas en "Clouds on Your Side" y el teclado de Jaani Peuhu entre perfectamente con ese sentimiento de estar al costado de las nubes.
Con "Here on the Black Earth" y "Never Left" se termina uno de los discos más profundos y personales de Swallow The Sun. Donde "Never Left" cierra todo ese trayecto sentimental del nunca se fue y seguirá con uno de los integrantes de la banda y que esa persona que se fue, siempre estará en su personalidad completa, porque se sabe que este camino seguirá por siempre como parte de él, pero que también se hizo paces con este sentimiento, los cuales nunca le darán paz. Y que la vida y el viaje este nuevo disco todavía deben continuar por un tiempo más para los que nos quedamos y añoramos una nueva producción de Swallow The Sun.
Se recuerda con gratos momentos el antecesor de este nuevo álbum de Helevorn, el cual tuvo por nombre "Compassion Forlorn" (2014). Pregonando el clásico estandarte doomer de voces limpias y guturales, a los cuales le añadieron algunos elementos góticos que estuvieron presentes desde su primer álbum en estudio "Fragments" (2005), donde la guturación de Josep Brunet en ese primer álbum, trajo viejos sabores guturales y parecidos a la voz de Amon Lopez en el primer disco de sus coterráneos Golgotha llamado"Melancholy" (1995). Entonces, es desde ahí que la banda comienza su camino de composición basado en los términos musicales explicados, pero llegando a superarse cada vez más en producción, composición y llegar a este cuarto disco en estudio "Aamamata" bajo un manto estable en sus integrantes y con un sonido mejorado para este 2019.
"Aamamata" (palabra sacada de las historia de las Islas de Salomón) es un disco que llega con mejor producción en estudio gracias a Jens Bogren (Katatonia, Amorphis, Amon Amarth, etc), quien viene a ser un maestro para este tipo de estilos que entran en ramas medio rockers y poco a poco se enmarañan dentro de los densos y melancólicos riffs doomers que se yuxtaponen dentro de los matices de teclados alojados en una matriz gótica. Dándole el brillo necesario para que la caratula colorida de Gonzalo Aeneas tenga esa visión pegajosa de todo lo que encuentres en esta nueva producción de Helevorn; el cual de antemano sobrepasa con creces a su disco del 2014, y que esta vez venga en 3 formatos físicos para su debida colección que son; digipack, versión normal con caja acrílica y la versión retro, el popular vinilo. Además de seguir dentro del sello ruso BadMoodMan Music por tercera vez.
El disco abre sus profundas fauces con "A Sail to Sanity", con el riff más rocker de todo el álbum pero mientras que la canción avanza, este se consumiendo dentro del lado denso del heavy metal. Además, denotar que este riff rocker e inicial de corte finlandes es la base para que toda la instrumentalización recaiga en los hombros rockeros de los guitarristas, para luego cambiar la perspectiva hacía lo gótico en "Goodbye, Hope". Poniéndole a las notas del teclado la debida calidez y ternura que se compenetra perfectamente con la soledad de la voz limpia y algunos golpes de campana en el Ride que son sello de casa de este tipo de bandas y estilo. Luego continua "Blackened Waves", único tema promocional y con video clip de esta nueva placa de Helevorn, donde la banda se pone un poco más intensa y le dan cabida a la pesadez del bajo dentro de golpes profundos de tones aéreos y terrestres, los cuales desembocan en el doble pedal lento de Xavi Gil. Llegando a ser uno de los temas más adictivos del disco y sin olvidar que a los 3 minutos, la mezcla hablada entre Josep Brunet y los teclados deEnrique Sierra hacen de todo esta parte final, la mejor de todas!!!
"Aurora" comienza esbozando el primer arpegio arabesco de Helevorn, los cuales se conectan con los tones de Xavi y los teclados de Enrique, para que luego todo se ponga denso al máximo y la voz de Josep entre con efectos vocales en las partes limpias y denoten aún más esa fascinación por el lado gótico de estos españoles. Después la banda acelera un poco más las revoluciones y entra al reproductor "Forgotten Fields", tema que se pone mucho más intenso que otros pero sin la necesidad de pisar notas deathers. Solo colocarle más intensidad y profundidad dentro de riffs doomers y rockers que son embellecidos por todo el aura de los teclados de Enrique, quien a estas alturas viene a ser uno de los elementos más importantes de la banda, porque se encarga de poner los fondos de pantalla dentro de los agresivo y denso del tema. Llegando a colocar a esta canción como una de las mejores del disco y dejando las cosas intensas para que el único tema en catalán baje las revoluciones y te de esa paz necesaria en lo más profundo de tu ser con "Nostrum Mare (Et deixo un pont de mar blava)".
En "Once upon a War", Helevorn desde el inicio se enfrasca en ser una banda doomer bajo su manto magistral de teclados y que por momentos llegan a parecerse a los ingleses de My Dying Bride, pero solo es unos instantes, porque de ahí los pequeños pitos de las cuerdas y el circulo armónico comienza a derivarse dentro de su matriz rocker de estilo Katatonia-no. Al final de esta aventura llamada "Aamamata" nos encontramos con; "The Path to Puya" y "La Sibil·la", temas que contienen un trasfondo mitológico catalanes e indones, los cuales retratan perfectamente la intención cultural de la banda y que pueda tener varias acepciones según la perspectiva de la caratula, pero que gracias a su ejecución se denotan perfectamente hacía donde debes de ir al momento de escucharlas.
Helevorn se demoró 5 años en poder lanzar esta nueva placa llamada "Aamamata", los cuales valieron la pena, porque es un disco compacto lleno de sentimientos costumbristas y de índole doomer que nutren la propuesta musical y visual de esta cuarta placa en estudio. Recomendada para todos aquellos que necesiten de un poco de melancolía en sus vidas y sepan que todo tiene un inicio hermoso, pero que poco a poco llega a ser parte de un mucho más grande de lo imaginado!!!
