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agosto 01, 2021

"The Window Purpose" (2001) fue un gran inicio en la carrera de la banda, demostrando que el progresivo tiene un gran sustento en la escena sueca con Wolverine. Entonces, luego de 20 años tenemos su nuevo EP llamado "A Darkened Sun" quienes habían lanzado este EP como un cortometraje el 2020, ahora ve la luz en formato de audio, que nos trae cuatro canciones siempre dentro del metal progresivo.  Por ello, Dargedik accede a una entrevista con Marcus Losbjer, baterista de Wolverine. 
 
Marcus Losbjer (batería)

DARGEDIK: Bienvenido a las páginas de Dargedik, Marcus, es un gran placer hablar contigo sobre Wolverine y este nuevo EP "A Darkened Sun". Empezando, tú y Stefan sois los últimos miembros originales desde 1995. ¿Cómo es estar en Wolverine después de 26 años? ¿Y cómo es la relación entre ustedes dos más allá de la música?

WOLVERINE: ¡Gracias! Comenzamos siendo adolescentes, así que supongo que se puede decir que es parte de nuestras vidas y de nosotros mismos de una manera que ya no recuerdo la vida sin Wolverine. Stefan es como el hermano que nunca tuve, así que hablamos y tomamos café con bastante regularidad. Desde hace unos años también somos vecinos, a un corto paseo.

DARGEDIK: Hablando de las partes de batería, ¿Qué tan diferente es este EP para ti a nivel de percusión y batería? ¿Agregaste algunas mejoras con nuevas técnicas y métodos en comparación con tus trabajos anteriores en la banda como “Machina Viva” (2016) y “Communication Lost” (2011)?

WOLVERINE: Grabar la batería no fue diferente esta vez en comparación con los dos últimos álbumes, los grabé todos yo solo. La gran diferencia esta vez fue que también mezclé el EP y esa fue la primera vez que hice eso con un álbum de Wolverine. 

El enfoque para tocar también fue similar a la grabación de "Machina Viva" (2016), donde entré al estudio solo tocando una pista guía para cada canción, que había programado de antemano, y después de grabar todas las baterías, elimino todos los clics y las pistas de guía se sustituyen por el resto de instrumentos. 

En nuestros primeros cuatro álbumes siempre tuve a alguien tocando conmigo en el estudio, los primeros tres álbumes se grabaron incluso completamente sin pistas de clic.

Thomas Jansson (bajo)

DARGEDIK: Hoy en día la música en general tiene opiniones divididas entre quienes prefieren la música más genuina, y otras personas que piensan que con más tecnología los resultados serán mejores. ¿Qué opinas sobre la tecnología en la música y el metal hoy en día? Porque muchas bandas intentan hacer cosas como una máquina y otras personas se vuelven perezosas con la tecnología.

WOLVERINE: No soy fanático de luchar por esa completa "perfección". Muchas bandas y artistas hoy en día tienden a sobre-sintonizar y sobre-cuantificar todo en una cuadrícula para que toda la vida sea absorbida por la música. Para mis oídos, ese tipo de "perfección" no es perfección en absoluto, es simplemente sin vida. Solo uso una pista de clic mientras grabo solo para mantener algún tipo de tempo constante para sincronizar los retrasos y esas cosas en la mezcla. No me importa si me apresuro o arrastro un poco en comparación con el clic, ya que todos los demás instrumentos usan mi batería para grabar de todos modos. Los pequeños cambios en el tempo solo lo hacen vivir y respirar más, creo. Intento evitar las pistas de clic tanto como sea posible en situaciones en vivo y solo lo uso si toco con algún tipo de pista de acompañamiento en alguna ocasión.

DARGEDIK: Hablar de metal es pensar en muchas influencias y estilos que siempre van más allá en cada disco sin repetirse, pero al mismo tiempo es intentar no salirse de un sonido logrado a lo largo de los años en la música de Wolverine. Por favor, explícame, ¿Cómo es que cada vez que Wolverine quiere lanzar un nuevo álbum? ¿Vuelves a escuchar viejos discos de rock / metal (influencias) para hacer cosas nuevas? ¿O te encierras en una sala de ensayo durante muchos días (risas)? ¿O tal vez la banda tiene algún tipo de tradición para escribir material nuevo?

WOLVERINE: Los últimos diez años han sido principalmente yo o Per (el teclista) escribiendo un riff, un ritmo o una estructura de canción completa y enviándonos cosas entre nosotros para llevarlo a algún lugar más allá con cambios y comentarios. Después de tener un bosquejo de una canción, la llevamos a la sala de ensayo y tratamos de juntarla con todos los demás. 

Por lo general, este proceso tiende a cambiar las canciones aún más cuando los demás vienen con sus aportes e ideas. Después de todo eso, Stefan o yo mismo creamos las partes vocales y luego la letra. Luego grabamos demostraciones y eso podría cambiar las canciones nuevamente. 

Escribir canciones es un proceso bastante doloroso para nosotros con cinco fuertes voluntades en conflicto. Supongo que puedes mirar a la banda como un gran filtro donde el compromiso entre los cinco es el resultado que escuchas.

Per Henriksson (teclado)

DARGEDIK: Sobre las técnicas que aprendiste en percusión a lo largo de los años. ¿Qué haces para evitar repetirte en cada álbum en el que participas? ¿Y hay alguna forma de ir más allá con Wolverine con el sonido que logra la banda con tus ideas? ¿Especialmente en las partes de batería?

WOLVERINE: No pienso demasiado solo en la batería, trato de concentrarme en lo que sirve a la canción. Si la canción solo exige un bombo o nada de batería, así será. La canción determina qué tocarán o no tocarán el resto de los instrumentos. Al crecer en los ochenta con la música de videojuegos de Nintendo y Commodore 64, la melodía central siempre ha sido lo más importante para mí.

DARGEDIK: Siempre me vino a la cabeza pedir metal progresivo como Wolverine, ¿Cuáles son las diferencias entre el metal progresivo de Europa y el metal progresivo de Estados Unidos? Porque en Estados Unidos es más duro y el europeo es más limpio y suave.

WOLVERINE: Probablemente no soy la persona adecuada para preguntar sobre eso, ya que escucho casi todos los demás tipos de música además del metal progresivo cuando no solo escucho el silencio.

Stefan Zell (voz)

DARGEDIK: Cuando hablé con fanáticos del metal progresivo, muchos de ellos creen que este estilo musical nunca se quedará atascado en un solo ritmo o esquema. ¿Crees que este estilo musical no tiene límites para escribir material nuevo? Además, ¿Crees que el metal progresivo es solo para gente de élite? Por que esto, lo escuché mucho con amigos que dicen que "si escuchas música progresiva, eres más inteligente que el resto de la gente".

WOLVERINE: Nunca pienso en géneros. Solo hay dos tipos de música en mi mundo, buena y mala. Mi opinión al respecto, si algo se llama "progresivo" no debería haber límites, ¿verdad? Tomo influencias de todo tipo de música en mi propia composición. No hay límites para mí al menos y nunca pienso en eso. No creo que tengas que ser más inteligente que nadie para escuchar cierto tipo de música, la única regla es disfrutarla si crees que es buena.

DARGEDIK: Con muchos nombres de la escena sueca dentro del metal y el rock progresivo, es imposible no compararse, porque vienen del mismo país. Pero esto no sucede con Wolverine, porque es una banda mucho más oscura y gris con los entornos. Entonces, ¿Por qué el sonido de Wolverine tiene estas sensaciones? ¿Y qué piensas de otras bandas de rock y metal progresivo en Suecia? ¿Alguna banda para recomendar?

WOLVERINE: Solo escribimos lo que queremos escuchar, supongo. Tiendo a gravitar para disfrutar de la música más melancólica y oscura, por lo que es solo una extensión de lo que me gusta lo que aparece en la escritura. Hay tantas buenas bandas y artistas de Suecia que es difícil elegir uno. Por alguna razón, muchos artistas noruegos han aparecido en mis listas de reproducción recientemente, últimamente he escuchado mucho a la artista noruega de pop-electro Susanne Sundfør.

Jonas Jonsson (guitarra)

DARGEDIK: Relacionando la última pregunta. ¿Qué opinas del actual movimiento progresivo en el mundo? ¿Crees que está saturado gracias al acceso de tecnologías al alcance de la mano?

WOLVERINE: En general, es un mercado muy saturado de música, diría yo. Hoy todo el mundo tiene su propia etiqueta, su propio canal de vídeo, su propio megáfono. Esto hace que todo desaparezca más en el ruido. Junto con el estrés, la impaciencia y la poca capacidad de atención de hoy en día, es muy difícil atravesar el ruido y hacerse notar porque a nadie realmente le importa de todos modos. 

Todo lo que podemos hacer es intentar disfrutar haciendo música para nosotros, si alguien se da cuenta y lo disfruta, es una ventaja.

DARGEDIK: Ahora, considerando esta situación con la pandemia y el aislamiento del año pasado y este año también, donde no hay conciertos por razones obvias y las bandas y sellos se ven obligados a hacer más retransmisiones en directo, ¿Cuál es tu opinión sobre los conciertos digitales? y ¿Cuáles son tus planes después de lanzar "A Darkened Sun"?

WOLVERINE: Me gustan las posibilidades de los conciertos digitales. Para una banda como nosotros, que vive vidas diferentes en diferentes partes de Suecia, es difícil salir de gira físicamente. Esperamos hacer algún tipo de transmisión en vivo, al menos me encantaría hacer eso. Nuestro plan para el futuro es simplemente escribir más buena música de la que disfrutemos.


DARGEDIK: Estamos cerca de terminar esta entrevista. Entonces, nos vamos a centrar en otro tipo de cosas, si nos enfocamos un poco en el tema de cómo cambió la industria de la música a lo largo de los años, donde la gente escucha 1 o 2 canciones en plataformas digitales y los álbumes no tienen el mismo impacto que tenían en los 90s, 80s o 70s. , ¿Cómo se puede motivar a los fanáticos para que escuchen el álbum completo y compren copias físicas de los álbumes?

WOLVERINE: Las plataformas de transmisión han devaluado la música con seguridad. No disfruto de la música hoy de la misma manera que lo hacía con el vinilo y el CD en los ochenta y noventa. Me gusta la carátula del álbum, las letras, los créditos, etc., pero desafortunadamente es así. La caja de Pandora está abierta y no hay forma de cerrarla, tenemos que hacer lo mejor que podamos. 

La única forma en que puedo motivar a la gente para que compre la música es apoyando a la banda directamente, ya que muchas bandas independientes hoy están lanzando su música por sí mismas. Creo que cualquier apoyo que le puedas dar a una banda independiente es bueno.

DARGEDIK: Y para ti, ¿Cuál es la mejor manera de escuchar un álbum de Wolverine? ¿En CD, vinilo, casete? ¿Cuál es tu recomendación para los fanáticos y por qué? Y además de esta pregunta, ¿Cuál es su opinión sobre el resurgimiento de los vinilos y las cintas?

WOLVERINE: Escuche de la forma que más le guste, pero a mí me gusta el renacimiento de los vinilos y las cintas. Es algo “real” para sostener en las manos, sentir y leer.

DARGEDIK: Bueno Marcus, ha llegado el final de esta entrevista, espero que hayas disfrutado de esta como yo, muchas gracias por tu tiempo y felicitaciones por el nuevo disco. Esperamos que la situación mejore pronto. ¿Algo que quieras decirles a tus fanáticos latinoamericanos y lectores de Dargedik?

WOLVERINE: Gracias, relájate y disfruta de la música. Apoya a bandas y artistas independientes, ¡seguro que significa mucho!

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julio 16, 2021

Aunque los conciertos presenciales ya se están activando gradualmente en todo el mundo, eso resulta ser factible para las bandas medianas o pequeñas, que tiene reducidas cantidades de asistencias en sus giras o locales pequeños donde tocan. Pero eso en el sentido de reactivación es muy bueno para todos, porque motiva a que los grandes festivales en el mundo ya puedan organizar con una mejor visión lo que va a pasar el 2022 o 2023 (no se asusten, pero puede ser). Entonces, las bandas grandes de esta nueva generación como Mastodon, Gojira, Behemoth, etc; las cuales suelen convocar a más de 7, 8 o 10 mil personas en sus conciertos, tienen un poco truncada las cosas, hasta que el virus comience a afianzarse un poco más en las personas de todo el mundo, y porque digo afianzarse, porque los seres humanos así como cualquier ser vivo, va a crear anticuerpos de manera natural con los años y terminará siendo una simple gripe con un periodo de duración de 15 días o un poco más de días. 


Entonces, dentro de este marco de que las bandas grandes todavía no pueden girar cómodamente, estas aún recurren a los conciertos digitales por las plataformas, lo cual es bueno para muchas personas que esperan alguna vez volver a ver a estas bandas. Y es por ello, que Mastodon lo entiende perfectamente, y ellos decidieron presentar su versión de hacer las cosas a través de un concierto digital grabado en el acuario de Georgia, Estados Unidos. Una idea interesante para ver desde otra perspectiva la idea de la banda y con muchas dosis acústicas. Y es aquí, que la idea no me termina de convencer al 100%, porque jamás fui seguidor de canciones duras y fuertes tocada en su lado acústico. Pero como dice el dicho, es lo que hay y tenemos que seguir apoyando a todos estos eventos para tener más producciones de muchas bandas pequeñas, medianas y grandes. 

  
La idea de hacer este concierto a nivel acústico se le presenta a la banda hace un año, y es en eso que Troy Sanders cuenta de como fue y de como se presento a todos los integrantes, hablan de sus miedos por el sonido de la banda, debido a su intensidad sonora, pero aún así estaban muy animados para hacer este concierto, ya que seleccionaron canciones que podían tener un fondo pasivo en medio del acuario, con bastantes peces y que toda estas canciones tengan otra perspectiva acústica, así que como lo dice Bill Kelliher "Si iba a tocar con tiburones, ballenas, peces de todos los tipos, pues lo hago". Así que la banda comienza con "Naked Burn", donde cada uno de los integrantes comienza a contar sus experiencias por cada canción, y de como estas se armaron en las composiciones. Teniendo muchas sensaciones, y de como sería verlas en otro formato, y a pesar de no gustarme el formato acústico, la banda se las ingenia de una manera maravillosa para encontrar estas canciones como sedantes, además que el trabajo de Brann Dailor en la batería es remarcable, porque se las ingenia para tener una presencia con detalles en los bordes de los tones, tarola y un sonido puro de la batería.     

Con esta idea "Asleep In The Deep", ya se asienta mejor, donde los detalles y armónicos de  Bill Kelliher y Brent Hinds en las guitarras es de lo mejor, el bajo tiene un fondo más calmada, y aunque no lo crea, esta adaptación puede ser la mejor de todo el concierto, debido a que las guitarras suenan un poco distintas a la original, pero equilibras con lo que se conoce de la canción y no perder la sensación de estar ante tremenda canción. Además, que esa sensación oscura que menciona Brann al inicio, de estar viendo "El Bebe de Rosmery" (1968) encaja perfectamente para lo que presenta la banda, y de como se creo esta canción de muchos sabores oscuros, lúgubres y hasta country en muchas partes. Sin olvidar que las tres voces al momento de fusionarse son de lo mejor. 


"The Czar" es presentada por Bill y Troy, de como han cambiado las cosas desde aquella vez que fue escrita, como cada músico cambio con el tiempo, pero aún así sigue siendo una de las mejores canciones de la banda. Además, que es una de las mejores canciones para este acústico de la banda. Donde lo interesante reside en que como presentan la canción, con un aire mucho más misterioso que colinda con lo psicótico de su música, y eso le da muchos aspectos novedosos a una canción particular en la carrera de la banda. Luego se tiene "Skeleton of Splendor", una de las novedades de este concierto digital acústico, pero del cual no se puede hablar mucho, ya que se nota que con todos los efectos más intensos y potentes, tiene ese sentimiento para ser una canción escuchada a plenitud, así que como es la nueva canción de este concierto digital, pueden variar las cosas y escuchar algo con más efectos Mastodon-nianos. Además de añadir que es una canción muy personal a nivel general, si es que te adentras en como van las letras y todos los esquemas. 


"Sleeping Giant" es una joya rescatada de  "Blood Mountain" (2006), y como lo dice Brann, al tener una idea de hacerlo en acústica, se presenta otra canción de diversa, y como lo dije antes, es lo que más me te atrae de esta nueva idea acústica, porque se escucha un nuevo tema a nivel general  y una nueva idea de Mastodon. Algo que me tomo por sorpresa, porque esperaba de cierta manera escuchar algo conocido, pero al final tenía la idea de otra canción, que espero este de adicional en su siguiente álbum. El cual ya comentaron que esta terminado y producido y esperado para lanzarse en los siguientes meses, y con  ello tener "The Sparrow", canción final de "The Hunter" (2011), y la cual si no tiene mucha variación, ya que inicialmente es como se presenta. Es una de las canciones más tranquilas de todo su discografía.  



"Thickening", según lo que Brann menciona es que era una canción hecha para otra banda, pero decidieron incluirla porque la banda tenía muchos elementos bonitos para que se escuche con Mastodon. Entonces, ver este tema de una manera acústica, me dio otra sensación, porque suena en muchas partes muy parecido a la banda, y en otros instantes estar escuchando a un Mastodon más psicodélico, y si le pones a eso el fondo azul de mar es genial de verlo. Y con esta idea conectar a "Elephant Man", que viene a ser el primer instrumental de todo la discografía de la banda, y una de las canciones más largas de la banda en su primer álbum "Remission" (2002), además de ser la primera vez que la banda toca en vivo esta canción y recordar ese inicio magnifico que tuvo esta banda, que ahora tiene 21 años de actividad y se convirtió en uno de los últimos iconos importantes dentro de la cultura metalera. 

Cerrando esta presentación se tiene "Pendulous Skin", otra de las instrumentales de la banda en toda discografía. Donde Mastodon, presenta una lado calmado de su música, quizá no como lo esperaba, pero la psicosis que tiene la banda en su música se presta para el fondo marino que tiene el Acuario de Georgia. Entonces, es una interesante manera de ver a esta banda, junto a la naturaleza diversa del mar, que como lo dice Troy: "Fue una manera de conectarnos con la ballena" o Brent "Los peces estaban mirando todo el concierto" (risas). 



Lista de Canciones:

1. Naked Burn
2. Asleep In The Deep
3. The Czar
4. Skeleton of Splendor (Nueva Canción)
5. Sleeping Giant,
6. The Sparrow
7. Thickening
8. Elephant Man
9. Pendulous Skin

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junio 28, 2021

 

Y llegó el momento tan esperado para muchos amantes de Voïvod, ya que, el pasado 27 de Junio se cumpliría la tercera versión de la serie Hypercube Sessions. Donde la banda presento inicialmente un recorrido de toda sus discografía el 2020, luego en el mes de Mayo se tuvo la presentación de todo el "Nothingface" (1989) en esta nueva manera de ver conciertos a través de internet. Y por último se tuvo la presentación entera de otro disco iconico de la banda como lo es "Dimension Hatröss" (1988). El cual es un clásico del metal progresivo y dentro del metal a nivel general, además que gracias a estos eventos por las redes, es interesante que podamos disfrutar de estas presentaciones únicas de discos magnánimos e influenciadores hasta nuestros tiempos. Y la ventaja de esto, es que uno puede disfrutar enteramente los discos que marcaron la niñez de unos y la juventud de otros, porque quien diga que los conciertos por las redes sociales no es lo mismo y esos detalles trillados, pues si, no son iguales a un concierto en vivo, pero eso no importa, esto es metal y se te gusta la banda, pues y vas a apoyar a la banda que te gusta, y sino quieres, pues te perdiste de un gran concierto y de una obra como lo es "Dimension Hatröss"(1988). 


Esta tercera parte empieza con "Experiment" y "Tribal Convictions", canciones que a más de uno lo habrá puesto muy nostálgico, y lo interesante de esta versión, es como pasó en Hypercube Session II. Toda la música de esta transmisión suena moderna, y eso es un punto a favor para la banda, además que esta vez decidieron pegar las canciones  y no tener pausas contando experiencias como en la segunda transmisión, pero es un punto a favor, porque la música es más exigida para lo que ahora se conoce a Voïvod. Y algo que se te tiene que mencionar, es el trabajo de Chewy en las guitarras, como hace todo lo que hacía Piggy de una manera impresionante, y demuestra que su puesto esta más que nada dentro de la música de Voïvod hoy en día. Otro detalle a mencionar, es que la música en muchos efectos o detalles que le pusieron dentro de su sala de ensayo, es realmente ver como la psicodelia de la música puede ser más adictiva con cada canción que tiene para dar, y así llegar a "Chaosmöngers". Donde los coros diciendo "The chaosmöngers, Prefer to get away, When people fall down, But they killed the wrong ones", son de lo mejor al momento de cantarlo junto Snake y unas cuantas cervezas. 


"Technocratic Manipulators" es una de las canciones que esperaba más ver su desarrollo en vivo, y con ella esperar que cumple las expectativas, porque la voz de Piggy no será igual al de aquellos años, pero la idea de riffs un poco más rudos con la nueva versión de Voïvod es de lo mejor, todo los músico compenetrados en brindar buenos momentos recordando un disco como este, donde los colores juegan un rol fundamental si quieres adentrarte dentro de la música completamente. Y es acá que tengo que decir, que no es necesario una grana producción al estilo Epica, Nightwish o Behemoth para tener una buena presentación, ya que la historia de esta transmisión se vive con los recuerdos de escuchar ese mítico álbum.  



Antes que las cosas empiecen con "Macrosolutions to Megaproblems", tenemos una pequeña anécdota de unas pistolas de juguete, donde Snake recuerda que estaban dentro de los maletines de los parlantes de los amplificadores de Piggy y con esos haber tocado en el Ozzfest del 2003 y que en ese momento tuvo especie de premonición de que  Piggy, Snake, Jasonic y Away jamás iban a volver a tocar en vivo, y de que fue una impresión muy fuerte en ese momento y que no pudo dormir toda la noche. Luego de eso Jasonic se retiro de la banda y Piggy comenzó a enfermar, y todo fue relacionado a que este maletín estaba con las cosas de Piggy de aquellos años y que después de 15 años todo estaba intacto. Entonces, con este pequeño acercamiento, comenzamos con las más psicótica canción del álbum, y es desde ahí que la banda avanza con las demás canciones sin más preámbulos y se tienen grandes canciones como "Brain Scan", "Psychic Vacuum" y la final "Cosmic Drama".  



El concierto termina como el disco, tocando la canción Batman (Neal Hefti cover), todo ese ambiente 60s regresa a la mente de muchas experiencias. Terminando una presentación excelente por parte de Voïvod, y con mucha nostalgia, donde tengo que acotar que esta presentación en comparación de las anteriores dos, se siente que todos están mas concentrados tocando y los veo más enfocados en que las cosas salgan muy bien, y es normal, hasta cierto punto, porque canciones de esos años, eran más complicadas que canciones des estos años, pero me es una presentación del Voïvod, porque existen más cambios y pequeños detalles que hicieron de este concierto más distinto a lo que escuchaste en 1988. 
  

Lista de Canciones:

1. Experiment
2. Tribal Convictions
3. Chaosmöngers
4. Technocratic Manipulators
5. Macrosolutions to Megaproblems
6. Brain Scan
7. Psychic Vacuum
8. Cosmic Drama
9. Batman (Neal Hefti cover)

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junio 10, 2021



Género: 
power, progressive metal
Origen: Estados Unidos
Fecha de Lanzamiento: 
18 de Junio del 2021
Discográfica: 
Cruz del Sur Music





Quinto álbum, de esta banda que inició en los noventas, ya con un estilo definido  que es básicamente power metal, pero en la forma americana, y con algunos elementos del metal progresivo.

Pharaoh son: Tim Aymar en voz, Chris Kerns en el bajo, Chris Black en batería y Matt Johnsen en guitarras. El disco fue mezclado por Matt Crooks y masterizado por Dan Swanö.


Como resultado tenemos buenos momentos en este disco, así "The Powers That Be" que da título al álbum es la mas progresiva del álbum con varias partes de excelente performance de los músicos, donde el punto mas bajo (pero no malo) es la voz, que no es virtuosa, pero es original y la adecuada para la música que hacen. El power clásico llega en la segunda "We Will Rise" y en la heavy "Ride Us to Hell". Uno de los puntos altos de este trabajo llega en la excelente "When the World Was Mine", es de esas canciones que mientras escuchas el disco y haces otra cosa, inmediatamente te hacen prestar atención, por lo buena que es, y es que de eso se trata, si el disco transcurriera de manera que termina y uno no sabe ni lo que escuchó, eso quiere decir que no hay nada atractivo, al menos para mi. Esta canción se vale de clichés clásicos del heavy metal como esos riffs y ritmos galopantes, típico de banda de los ochentas. 


Otra que me llamó la atención fue "Freedom", pero no tanto por la melodía atractiva del inicio, si no por el parecido a Running Wild, y en realidad esta canción tiene bastantes de los viejos piratas alemanes. "Dying Sun" es otra que contiene elementos del metal progresivo pero con menos inspiración que la que da título a este trabajo. Finalmente el cierre con "I  Can Hear Them" tiene buenos ganchos, y sobretodo un excelente trabajo del baterista Chris.

Absolutamente nada nuevo en este álbum, ya sabes que es lo que puedes escuchar en un disco de esta banda, sonidos clásicos por la vieja escuela de la NWOBHM, y eso ¿a quién no le va a gustar?.

Calificación: 8.3/10

Lista de Canciones:

01. The Powers That Be
02. Will We Rise
03. Waiting to Drown
04. Lost in the Waves
05. Ride Us to Hell
06. When the World Was Mine
07. Freedom
08. Dying Sun
09. I Can Hear Them

Páginas Oficiales:


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junio 10, 2021






Fecha de Lanzamiento: 11 de Junio del 2021 
País de la Banda: Estados Unidos 
Sello: Nuclear Blast 
Estilo Musical: Metalcore / Progressive Metal






“A Revenant Legacy” fue un EP que lo estuve viendo con la inmensa publicidad que tiene Nuclear Blast para sus bandas, pero por alguna razón no me adentré en su música, y la única que escuché unos cuantos segundos fue mientras el algoritmo aleatorio de Youtube los puso, pero fue en el momento que yo estaba escuchando otras cosas y no estaba de ánimos para escuchar esta banda novel. Entonces, luego de ese EP lanzado en enero de este año, estos estadounidenses deciden lanzar su primer larga duración “Search Party” a través de Nuclear Blast, y a nivel general, el disco es una buena dosis de Metalcore influenciado por Trivium a grandes rasgos, y por ahí encontrar algunos elementos melódicos y progresivos que le dan otro tipo de sonido a nivel general. 


Un detalle que me inspiro para escuchar la música que se encuentra dentro de este “Search Party”, fue la hermosa caratula que tiene y hecha por Caelan Stokkermans (Abiotic, Exocrine, Hannes Grossmann, Omophagia, Soreption, etc), con esa inclinación de artistas como Eliran Kantor, Paolo Girardi o Adam Burke, de trabajo al óleo. Y hoy en día es quizá una de las mayores tendencias que tienen las bandas metaleras para presentar sus portadas, y la idea de Caelan de estar al borde del mundo, es de lo mejor. Entonces, gracias a ese detalle mencionado comenzó mi curiosidad para saber que hay más allá de solo una portada bonita, y es por ello que, desde que todo inicia con “Pathkeeper” y termina con la canción de Duran Duran “Rio”, existen muchas texturas en su música, pero siempre la parte Trivium esta en mayor grado. Pero al solo tener un momento reconocible, y luego mezclar con una paleta inmensa de influencias es que la música comienza a digerirse de buena manera, quizá no sea lo más original que vayas a encontrar, pero es una banda para tomar en cuenta a futuro. 

Es agradable escuchar que hay vertientes progresivas, algunas técnicas y finalmente ambiente jazzeros que por instantes tienen ese sabor de que Opeth esta en su mente, pero deciden mezclarla con partes un poco más duras y hacer sus partes Fear Factory como en “Dreamlands”. Y eso a nivel general, es lo más resaltable de toda su música, que mezclan lo necesario para encontrar ese gusto curioso que necesita el oyente y seguir escuchando todo el álbum muchas veces. Y si nos ponemos a pensar dentro de una generación que solo escucha canciones, es un logro que una banda novel pueda demostrar interés por parte del oyente, y en mi caso lo logro, porque hay cosas que explotar en su música a nivel personal y los puede alejar de su mayor influencia. Además, que dejan el libro abierto para que entren otras partes como As I Lay Dying en su música o tengan otros colores más modernos como Tesseract por instantes, o estar escuchando algo de los extintos Safety Fire, pero mezclado con algunas partes más alternativas como de Fire From The Gods o por ahí usar la influencia vocal de Howard Jones en Light The Torch. 


En pocas palabras es una banda nacida de las mejores expresiones estadounidenses de estos últimos años, mezclando algunas partes clásicas como Opeth de por medio, pero de manera leve. Entonces, lo que se tiene en este “Search Party” es algo muy bien pensando, donde hay buenos elementos personales para seguir desarrollando su música. Esperemos que Interloper logre un sonido más desarrollado a futuro, porque intenciones y características las tiene. 

Calificación: 9 / 10

Lista de Canciones:

1. Pathkeeper
2. Bound to Fall
3. Moonlight 
4. Dreamlands
5. Drift 
6. Search Party
7. The Wishing Well
8. Idle Years
9. Cheshire 
10. Baring Teeth 
11. Rio (Duran Duran cover)

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junio 02, 2021






Fecha de Lanzamiento: 11 de Junio del 2021 
País de la Banda: Noruega 
Sello: Frontiers Music 
Estilo Musical: Progressive Metal






Terra Odium es de aquellos megaproyectos musicales que tiene como músico dentro de sus filas a Steve Di Giorgio en el bajo, pero en ese sentido y por la trayectoria de otros músicos como Øyvind Hægeland, Asgeir Mickelson y Bollie Fredriksen. Esta nueva banda tiene mucha más importancia, porque Øyvind y Asgeir residieron en uno de los proyectos más importantes de metal progresivo noruego de inicios de los 2000s, al pertenecer a Spiral Architect y tener su único álbum “A Sceptic's Universe” (2000). El cual, en lo personal es de aquellos álbumes que no pueden hacer dos veces, y dicho esto, es que la banda en 21 años no pudo hacer otro disco; pero quien sabe sus motivos. Entonces, dentro de este marco de sorpresas se tiene a Bollie de Manitou, banda de los 90s con ese detalle oscuro progresivo y que solo lo vas a encontrar en Noruega, ya que, “Entrance” (1995) es de aquellos discos que necesitas escucharlo muchas veces para encontrar la luz en la oscuridad, pero es de eso que se trato la música de ese álbum. Siendo esos los motivos por los cuales me llevaron a esperar con ansias una producción de este trío con “Ne Plus Ultra”, y el tema de Steve es como el agregado para tanto monstruo de otra índole técnica y progresiva.

La música hecha por Terra Odium es nuevamente esa clase de joyas que solo la escuchas cuando se mezclan leyendas dentro del metal progresivo noruego, además de escuchar la voz de Øyvind intacta después de 21 años que lo escuche por última vez. Pero eso no es todo, la portada refleja en gran medida lo que te vas encontrar en la música de esta banda noruega, algo no común y personal que solo tienen estos músicos, y luego la adición de Neil Kernon (Queensryche, Dokken etc) como productor, teniendo ese detalle pomposo que necesitaba este “Ne Plus Ultra” para ser una delicia de todo amante de lo progresivo. Y, por si fuera poco, a toda esta técnica instrumental de parte de todos instrumentos de cuerda y percusión, se añade a Jon Phipps (Dragonforce, Moonspell, Angra, etc) en las orquestaciones para tener ese fondo musical imponente que una banda como esta debe de tener en una primera producción, y aunque su música no sea altamente técnica como en Spiral Architect, la música tiene altas dosis de personalidad que auguran un buen legado en la banda. 


“Ne Plus Ultra” fue presentado por medio de dos sencillos “The Clouded Morning” y “Crawling”, canciones que reflejan perfectamente todo lo que banda tiene a groso dentro de todo el disco, porque el álbum es una mixtura de muchas influencias, noruegas y estadounidenses que toman forma de una manera personal. Desde que todo inicia con “Crawling” las ideas transitan en tempos cortos de gran detalle técnico y de encajes progresivos, que poco a poco atisban más ambientes en su música que no necesitan complicarse, sino darle esa sazón necesaria para que te quedes pegando al parlante escuchando o cantando “Crawling…. Crawling… Crawling”. Luego con “The Road Not Taken” las sintonia de sinfonías se hacen más evidente en los teclados, y el bajo de Steve tiene más protagonismo, y de ahí la adictiva voz de Øyvind es todo un placer escucharla desde el primer segundo hasta el último, donde los armónicos intrínsecos que tiene Øyvind y Bollie son de lo mejor, y a ello la batería de Asgeir es la más sencilla posible para darle un ambiente más conciso a la música. 

“Winter” es una canción más ambiciosa a nivel de ejecución e instrumentos, tiene esos detalles que demandan bastantes detalles por parte de los músicos, en armonizaciones, solos de guitarra, sinfónicos pomposos, tempos en la batería a medio tiempo, cambios de contextos en segundos y de ahí la voz comienza a tener muchas más variaciones, donde el timbre es inalcanzable para cualquiera. Pero el detalle más interesante de toda la canción es cuando escuchas el virtuosismo desde los cuatro minutos con cuarenta segundos, toda una muestra de elegancia musical dentro del progresivo. Y con esta misma idea llegar a “The Shadow Lung”, con notas más altas, y momentos más disonantes que son de lo mejor en la banda, y cuando entra esa mezcla entre Atheist y Spiral Architect con teclados de fondo, es de lo mejor. 


“The Thorn” es envasada en bandas en momentos progresivos de los 90s, parte lentas, teclado que sirve de contextos que cambian constantemente, luego los ritmos en guitarra son más pausados y lentos, donde la voz es el principal instrumento dentro de lo denso y lúgubre que la música de Terra Odium puede llegar a ser. Luego con “It Was Not Death” las cosas se ponen más oscuras, y con esa idea noruega que solo vas a escuchar con músicos de este ambiente, donde las orquestaciones juegan un rol muy importante en la música, el contrabajo es crudo y potente, pero solo es parte del contexto, ya que al final del álbum nos encontramos con “The Clouded Morning”, cerrando con el mismo riff inicial “Crawling”, y demostrando todo el paquete que tiene este álbum, y no perderte de ninguna canción para entender todo el concepto musical que tiene Terra Odium. 

“Ne Plus Ultra” es un excelente regreso de músicos que estuvieron en silencio mucho tiempo, y aunque estos se reunieron para tocare en vivo u otros detalles, pues no es lo mismo tener un disco solido y escucharlo miles de veces para encontrarle sabores e ideas incansables que solo aparecen cuando un disco como el de Terra Odium y sus músicos te da. Siendo lo gratificante de escucharlos después de muchos años, esperemos que este regreso se mantenga y no sea solo un álbum. Buen retorno de gente conocida en mundo progresiva de Noruega. 

Calificación: 9.3 / 10

Lista de Canciones:

1. Crawling
2. The Road Not Taken
3. Winter
4. The Shadow Lung
5. The Thorn
6. It Was Not Death
7. The Clouded Morning

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junio 01, 2021

 

¿Quién dice que los eventos de transmisión por las redes no son buenos? O ¿Qué estos necesitan de mucha parafernalia para que sea vea de otra manera?... Pues la verdad, eso es falso hoy en día, gracias a conciertos como el de Voïvod y el segundo volumen de Hypercube Sessions II. Es grato poder ver y escuchar un disco clásico en vivo, porque para que esto vuelva a pasar tiene que volver a pasar otra pandemia. Ya que, como cualquier banda, ellos deciden tocar en vivo temas de toda su discografía, pero nunca un álbum completo y menos aquel que cambio la dirección musical de la banda e influencio a muchas otras, y en lo personal, me dejo muy interesado cual iba a ser el siguiente pasó a seguir después de “Nothingface” (1989), y lo demás es conocido por todos. Así que, después de un Hypercube Sessions I de recorrido casi completo de su discografía y con muchos saludos en vivo de varias partes del mundo, esta segunda parte es de lo mejor. 



En comparación de la primera versión, esta contiene pequeñas entrevistas con todos los integrantes de la banda, que hablan acerca de canciones que a ellos les pareció crucial en un momento de su vida. Y de como los nuevos integrantes conocieron a Voïvod cuando estaba este “Nothingface” (1989) en conciertos y promocionado por cualquier parte del mundo, donde Rocky muestra un afiche de la época y explica las sensaciones que tuvo al escuchar este disco. De ahí Chewy recuerda su etapa pubertad y de que asistió al concierto de este álbum, quedando maravillado por la presentación de la banda y de cómo lo llevó a estar dentro de uno de sus álbumes de cabecera. Luego también se ve la explicación de porque Piggy decidió hacer un cover Pink Floyd del tema “Astronomy Domine”, pero esta vez explicado desde la perspectiva de Snake; y así, cosas que marcan especial a esta transmisión en vivo. 



Bueno, vayamos directo al concierto, cada canción del álbum empieza con imágenes de distintos colores y con la misma fuente de letra de su último álbum. Lo cual mezcla la idea de la banda, y de mostrar completamente que son otros tiempos y así empezar con “The Unknown Knows”; con el cual las cervezas ya estaban aseguradas y corear a voz en cuello “Things come and go, This world is droll, All that I know, The Unknown knows"… y con ello escuchar perfectamente los ritmos, tempos y ver que, aunque sea un disco de 32 años de edad, parece uno moderno y hecho hace 5 años. Porque suena mucho mejor que la primera vez y verlo íntegramente es genial, y con esta misma vibra seguir en el ruedo con la homónima del álbum “Nothingface”, y nuevamente cantar toda la canción y la parte con psicosis corearla “Lapse of time, Synchro freeze, Loop rewind, Forward speed” y ver el grado de tecnicismos y progresión que tiene Voïvod en vivo es impresionante, además de ver el trabajo de Chewy, uno de los mejores para seguir los pasos de Piggy y creo que hoy en día es irremplazable.   



"Astronomy Domine (Pink Floyd cover)" es quizá uno de los mejores tributos que una banda metalera puede hacer a Pink Floyd, porque Piggy y Snake, le pusieron el esfuerzo debido y que la canción suene a Voïvod, y eso es lo que me pasó a mí cuando escuche el álbum, no tenía idea de quien era la canción cuando la escuche, pensé que era de los canadienses, hasta que lees los créditos y dice Pink Floyd, pero el efecto de darle ese toque personal hace que las cosas sean geniales, y escuchar la voz de Snake que hasta el día de hoy sigue siendo inconfundible, y hasta este momento los ánimos ya están en los cielos, y solo esperando que entre a la pantalla "Missing Sequences" para romper la ventana y estar en ese pogo personal o movimiento la cabeza a más no poder  con "Down, down, Far underground, Prime spot, Sound, sound, Ten thousand mounds, Live-stock". Acá ya no interesa que estés viendo una retransmisión, o estés pensando que quiero verlos en un concierto, eso ya no interesa, esto es Metal y se disfruta de la mejor manera, con la cervezas y escuchando a todo volumen hasta que el vecino siga golpeando tus paredes. Que se vaya al diablo esta vez (risas).  



"X-Ray Mirror" comienza con una breve entrevista Rocky y la experiencia del disco desde su punto de vista, además de mostrar el poster promocional firmado por Snake y luego un libreto de tablaturas de guitarra y bajo, junto a otras experiencias personales. De ahí empieza una de las canciones más complicadas de todo el álbum, y quizá la que se necesita de bastante concentración, porque los tempos son complicados, pero para la experiencia de Voïvod y la sapiencia de la banda es increíble, es como si se estuviera escuchando la versión del álbum, pero re-amplificada a un nivel moderno, y es aquí que los breves cambios en los efectos le dieron esa actualidad a canciones viejas, pero que suenan como si hubieran sido sacados del último álbum de los canadienses. Luego sigue “Inner Combustion”, manteniendo todo con la misma intensidad y es aquí que las cosas, ya se toman de otra manera y al diablo el mundo, esto Voïvod y no queda más que disfrutar de una presentación impecable, además de distinguir el excelente mezclado de instrumentos, porque si comparamos con la producción de 1989 el bajo no se escucha muy bien en algunas partes, pero es parte de la época, pero ahora la idea de tocar en su estudio les da mucha confianza y al oyente de igual de manera, por eso es que “Light rebounds, Pure neon, I surround, All am I, I am all”.  Y si estas dos canciones complicadas se pueden hacer una vez en vivo, porque no dentro de una gira con todo el álbum. 


Entrando al final del concierto, nos encontramos con “Pre-Ignition”, “Into My Hypercube” y “Sub-Effect”, presentado por Chewy y Away. Cerrando excelentemente esta segunda sesión de Voïvod, y demostrando que, aunque no haya conciertos, esta clase de transmisiones llegan al corazón y nostalgia de aquellos como yo disfrutaron este disco en ese momento y ahora escucharlo en vivo de manera íntegra, es un sueño hecho realidad. Y así como lo dice Chewy, es un disco que le cambio la vida y que lo mostró ante su profesor cuando estaba en la universidad y de como este se asombro de que haya bandas capaces de hacer todo lo que hace una orquesta con solo 4 músicos. 



Terminando, es una obligación ver esta presentación de Voïvod para todo amante de esa época que te trae buenos momentos de nostalgia y que quisieras que vuelvan, pero es solo hasta cierto punto, porque me siento contento con el desarrollo de la banda y escuchar este “Nothingface” (1989) es parte de muchas probabilidades en el futuro de la banda dentro de muchas giras por venir.  Indispensable transmisión, y sino quieres por ese tema que no a las transmisiones y eres de un país donde jamás llegarán, pues sigue así y después no te quejes.  


Lista de Canciones:

1. The Unknown Knows
2. Nothingface
3. Astronomy Domine (Pink Floyd cover)
4. Missing Sequences
5. X-Ray Mirror
6. Inner Combustion
7. Pre-Ignition
8. Into My Hypercube
9. Sub-Effect

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