Dargedik Rock Metal Webzine
Mostrando entradas con la etiqueta Article. Mostrar todas las entradas
Tweet Share Share Share Share Share

octubre 17, 2019


A propósito del concierto Pestilence en Perú para este sábado 26 de Octubre junto a Horna, le presentamos un articulo de su álbum emblema 'Consuming Impulse' un modo de repaso de esta majestuosa obra que justamente cumple 30 años desde su salida en el 89 y que coincide con esta gira para celebrarlo a lo grande en nuestro país.


 El hecho de que el germen del metal extremo se haya formado y expandido en los 80 en un área tan discordante como la calurosa y paradisíaca Florida (EEUU), nos da una idea de la serie de acontecimientos extraordinarios que, sin duda, influyeron en su desarrollo.
Muchos pensaban que este género fracasaría, era seguro que nadie lo tomaría en cuenta, ni se valoraría su nivel artístico o siquiera se reconocería su existencia y si esto sucediera se limitaría a un mero espectáculo de rarezas que se observaría con desdén.

Sin embargo, el calor infernal de Florida parecía incubar la fuente que alimentaba su esencia, en la primera plana de las crónicas policiales, en la cultura popular, en el panorama sociopolítico mundial y sobretodo en el interior de cada alma humana la manifestación agresiva y visceral de los sórdidos instintos primitivos inherentes a todo ser humano (a menos que seas un robot o un reptiliano) formarían el sustrato necesario para el contenido letrístico de las primeras bandas del género, contenido que se extendería hacia otros tópicos como la glorificación de la muerte, la tragedia existencial o el ocultismo. 

No obstante, las bandas europeas vivirían un entorno austero heredado de los constantes cambios políticos que azotaban el continente. Ajenos a la zona de confort de sus pares norteamericanos quienes gozaban de las condiciones necesarias para su profesionalización, la escena europea utilizaría el made yourself y el tape trading como los medios más usados para la masificación del death metal en esta parte del mundo. Sería justamente en el circuito de intercambio de cassettes que los demos «Dysentery» y «The Penance» pondrían en el mapa a  la pequeña localidad holandesa de Enschede.

Pestilence, provenientes de un barrio obrero en los suburbios de la ciudad, establecería su primera formación en 1986, tras el reconocimiento de sus dos primeros demos de 1987, que a pesar de las limitaciones técnicas de la época mostraban la indiscutida destreza en la ejecución instrumental de sus integrantes, validarían la decisión de Roadrunner Records para producir su disco debut en 1988, el «Malleus Maleficarum».
Patrick Mameli, Martin Van Drunen, Marco Foddis y Randy Meinhard congenian  su propia versión rápida, técnica y cruda de metal extremo, a medio camino, entre el death y el thrash, «Malleus Maleficarium» cubriría las expectativas de una escena cada vez más homogénea.

Para cuando se lanzó «Consuming Impulse», segundo disco de la agrupación, Patrick Uterwijk ya había asumido las funciones de guitarrista en reemplazo de Meinhard. La nueva formación alcanzaría tal  madurez  y solvencia en su capacidad compositiva que fácilmente podrían haber elevado a Pestilence al siguiente nivel dentro del Death Metal, pero por el contrario; dar una nueva vuelta de tuerca hacia las raíces, retorcer las estructuras metálicas, encrudecer el sonido y perfeccionar cada uno de los signos distintivos de aquel género era la consigna que se concretaría en esta obra maestra. 

«Deshydrated» es la apertura hacia tierras desconocidas,  ¿Qué se espera encontrar allí si no es la muerte por deshidratación?, la desesperanza parece devorarlo todo con la rapidez con que la música y la letra se entrelazan en una sola certidumbre, y es que la pérdida de la consciencia solo podría llevar a la locura antes que a la muerte.
«The Process Of Suffocation» despliega un repertorio devastador de ritmos  tan rápidos como desacelerados, en  tan solo 2:41 minutos de duración, la pesadilla futurista del colapso ambiental aborda todo un  ciclo distópico en donde la propagación de gases tóxicos forman una densa capa mortal  que volverá irrespirable la atmósfera terrestre, el proceso de sofocación de toda forma de vida será inevitable.

La divulgación científica es una fuente de la que Patrick Mameli echa mano cuando se trata de  refrescar el contenido lírico de Pestilence, «Suspended Animation» analiza los límites de la ciencia médica  y su impacto en la vida del ser humano. Para cuando se escribió el tema, la crio-génesis aún era considerada parte de la  ciencia ficción, hoy en día sus avances podrían redefinir nuestro concepto acerca de la vida y la muerte.
En «The Trauma» se incorpora la percepción psicológica de una víctima del llamado trastorno por estrés post-traumático, entre la sucesión de voces limpias y guturales, entre cada redoble seco de batería y  cada insano riff, nuestros sentidos serán transportados a una auténtica zona de guerra. El intermedio de guitarras solistas es una verdadera oda a la locura, un duelo de golpes de palanca y solos intercalados que parecieran salir de las profundidades del subconsciente.
Y como si de una extraña reacción bioquímica se tratara, la causalidad del disco pasaría del deterioro mental al padecimiento físico. La plaga, ese gran azote de la humanidad, no obedece sólo a las leyes de la naturaleza, sino también al siniestro sabotaje humano, «Chronic Infection» expone nuestra vulnerabilidad ante las catástrofes bacteriológicas, un tema explícito que hace uso del gore como recurso brutal para describir los padecimientos que sufren las víctimas de una infección letal.

Precisamente con un enfoque gore será presentado «Out Of The Body», tema que ha logrado trascender en la memoria colectiva por la solidez con que cada elemento estructura el sonido característico de Pestilence, desde el riff inicial, las figuras groove son marcadas por la dominancia de escalas cromáticas y  patrones tradicionales. Van Drunen, explora de forma virulenta la existencia de criaturas que aguardan en la oscuridad la oportunidad de invadir el cuerpo humano, reproduciendo la parasitosis a través de la sangre de su huésped.
«Echoes Of Death» podría considerarse como una secuela de «Suspended animation», el seguir vivo artificialmente sólo por propósitos egoístas bien podría ser peor que la muerte misma, contraponer  el afán de conocimiento frente al bien común es un dilema ético que atenta siempre contra la libertad individual del hombre. En «Defy Thy Master» la ignorancia es cómplice  de las manipulaciones de la fe, de la hipocresía de aquellos  que buscan disponer del poder que sobrepasa a todos los demás poderes, una temática que descarga los más fieros mensajes. «Proliferous Souls», introducción instrumental de corte neoclásico, sirve de puente para «Reduced To Ashes», un tema que cuestiona el nivel de maldad que el oscurantismo religioso se atrevía a cometer bajo su impunidad. Años en que la sala de torturas y la hoguera eran verdaderas fábricas de muerte que reducían a cenizas almas y cuerpos.
«Consuming Impulse» es un hito histórico dentro de una época histórica. Una banda que encajo en una escena que ofrecía una multitud de posibilidades para el desarrollo de su identidad musical, un factor clave que se materializaba en sus sucesivos trabajos que lograrían alcanzar, tiempo después, el merecido estatus de culto. «Consuming Impulse»  establece un estándar de alto nivel que sería seguido por toda una generación.
Líricamente su aporte es fundamental al abordar temas impactantes tanto por su crudeza como por su clarividente actualidad.

Seguir leyendo
Tweet Share Share Share Share Share

septiembre 04, 2019




Forastero en tierra extraña

Boris Vallejo siempre ha tenido alma de artista. Antes de ser reconocido como el mayor exponente del Fantasy-Art fue la música la impulsora de sus primeros éxitos profesionales, un interés que cultivó desde su etapa más temprana con el estudio del violín durante siete años, llegando a dominar este instrumento prácticamente a la perfección. Su innata capacidad de asimilar nuevos conocimientos le abriría un nuevo camino a través de la medicina. Es durante este periodo en donde se encuentra con un recurso sumamente importante para sus aspiraciones artísticas en el futuro: la anatomía humana. Tras ingresar a la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lima y terminar una beca de cinco años con honores, Vallejo estaba listo para dar el gran salto.

Dejar el país natal en una etapa anterior a la globalización de las telecomunicaciones era para muchos inmigrantes un grito silencioso que ahogaba la voluntad más férrea: «Mi idea era trabajar un par de años, regresar al Perú con los conocimientos adquiridos, y abrir una agencia de publicidad», declararía en una entrevista al recordar su llegada a Estados Unidos en 1964.

Pero hacer oídos sordos a la olla de grillos que se cocinaba en Nueva York de finales de los 60 sería algo imposible. La gran metrópolis se erguía como foco de corrientes de vanguardia como el expresionismo abstracto, el surrealismo sicodélico, el cine independiente, la moda bizarra y el art rock. Un cóctel explosivo que pronto transgrediría los espacios tradicionales de difusión artística para arder en los escaparates del mundo durante las décadas siguientes. Estaba claro que las pretensiones de Boris estaban a punto de ser saboteadas por su indomable curiosidad creadora.


Bienvenido a la ciudad del miedo

En 1965, la editorial Warren Publishing (el mayor editor de revistas y cómics de terror en Norteamérica) trasladaría su base de operaciones a Nueva York, una hábil maniobra empresarial que habría de generar cierta estabilidad financiera y creativa a la compañía. Diez años antes, el Congreso de los Estados Unidos iniciaba una política de persecución y censura a los principales editores de cómics del país. La bomba incendiaria que inició todo fue lanzada por el  psiquiatra germano-estadounidense Fredric Wertham y su polémico ensayo: Seduction of the innocent (La seducción de los inocentes) de 1954, texto en el que se consideraba a las historietas como una influencia perniciosa para la salud mental de los niños y adolescentes de la época; un siniestro dejavu que recordaría a la caza de brujas contra el heavy metal treinta años más tarde.


Comics Code Authority (CCA), certificaría el cumplimiento de una serie de normas que los cómics debían seguir si querían ser distribuidos. Esta medida no detendría la incipiente ola de violencia que azotaba a EE.UU.

Pero la década de los 70 no comenzó muy bien para el status quo, ya no hacía falta recurrir a la imaginación para recrear una lúgubre y empobrecida ciudad carcomida hasta los cimientos por la corrupción y el crimen. Una vuelta por la “gran manzana” era suficiente para darse cuenta que Nueva York estaba enferma hasta el tuétano, esto debido en parte a la decisión del presidente estadounidense Gerald Ford de cortar toda ayuda fiscal a la ciudad alegando incumplimientos financieros. Un claro acto de mezquindad que condenaría a todos sus habitantes a una hecatombe social y económica sin precedentes, solo imaginable en el terreno de la fantasía.


Ni los comics se atrevieron a tanto

« ¡No seas imprudente con el mayor bien que posees: la vida!» es la advertencia que Max Brooks hace a todos los lectores de Guía de supervivencia zombie (2003), un manual con indicaciones específicas sobre cómo sobrevivir a una posible invasión de muertos vivientes en un futuro apocalíptico, y que en la ficción, tiene como epicentro a la ciudad de Nueva York.

Igual de perturbadora fue la advertencia que recibirían los visitantes a la gran metrópoli de Nueva York en 1975: ‘Bienvenidos a la ciudad del miedo’.
Con este titulo circulaban panfletos que alertaban de los peligros a los que estaba expuesto cualquier ciudadano que no siguiera en estricto las directivas de supervivencia enumeradas en su interior: Mantenerse pertrechado en casa después de las 6 de la tarde,  no usar transportes públicos por las noches o evacuar lugares inseguros ante posibles incendios de origen desconocido, eran las recomendaciones que disuadirían a cualquier fanático del turismo vivencial o a algún avezado explorador que quisiera experimentar el ansiado sueño americano dentro de esta salvaje y convulsionada urbe. Pero si no te quedaba muy claro el discurso, pues la semiótica del miedo complementaria el macabro recordatorio con la figura de la muerte en primer plano y su sarcástico ‘Buena Suerte’ en tono de reflexión (o advertencia) final. Una austera invitación al memento mori personalizado. -Recuerda que eres mortal-.



Se imprimieron más de un millón de folletos de «Welcome to Fear City», que pese a la protesta del alcalde de Nueva York, seguiria en circulación al estar  amparado bajo la ley de libertad de opinión que respalda la constitución de los Estados Unidos.

Resultaba paradójico que ‘Bienvenidos a la ciudad del miedo’ haya sido distribuido por miembros de la propia policía local en su desesperado intento por controlar la creciente espiral de miedo que ya bordeaba entonces los abismos de la psicosis, sin embargo; a inicios de 1977, la ilusión de cambio se asomaba desde la hondura de las mentes más pesimistas.

«I Love New York», fue la campaña que con la mesura de un diseño minimalista y la extraordinaria simpleza de su concepto, alentaría a la población a recobrar el orgullo perdido. La violencia, el odio y las mentiras eran fantasmas que se deseaban ocultar bajo la alfombra del pasado. Así lo esperaban las generaciones que habían visto a la ciudad podrirse hasta la médula. “Rotten to the Core”, compuesta en 1982 por Overkill, y considerada una de las primeras canciones thrash metal de la historia, es una radiografía completa de aquellos años que se buscaban olvidar. Estaba claro que fueron los propios políticos los que destruyeron a las personas que habían jurado salvar y que ni la censura ni la persecución sin sentido fueron efectivas a la hora de frenar la tensión social.

"I Love New York" se convertiría en un fenómeno cultural que inspira hasta hoy toda una industria del marketing y el merchandising: gorras, polos, parches, stickers y una infinidad de artículos se comercializan anualmente expandiendo el concepto por diversas ciudades alrededor del mundo. Una propuesta que con el paso del tiempo daría una vuelta de tuerca hacia el mainstream cultural al despertar el interés de renombrados artistas del Pop Art, quienes sentían una extraña atracción por aquel simplismo. El entusiasmo que les generaba la ausencia de todo elemento expresionista entraba en conflicto con su idea de acabar con la manufacturación artística. Andy Warhol junto a Jean-Michel Basquiat, Roy Lichtenstein o Keith Haring fueron los nombres más conocidos del movimiento, al que definieron incorporando elementos de la cultura popular y el lenguaje de los medios masivos en una constante retroalimentación a favor de las tendencias modernas. Warhol y Cía. llevaron la mesura del minimalismo un paso mas allá, adaptando ciertos elementos característicos de los cómics , revistas pulp y panfletos para revitalizar sus propuestas artísticas, a pesar de considerar estos contenidos como superfluos debido a su condición de reproductibilidad técnica. Un pensamiento snob que recuerda a la clásica frase de la abuela: 'Si encuentras muchos es porque no deben de ser buenos'.

En este panorama Vallejo decide renunciar a su labor como dibujante publicitario en una cadena de tiendas del Bronx para seguir con la propuesta contracultural de publicaciones como Creepy, Eerie o Vampirella, pero en este contexto; ¿Qué tan lejos  estaban las publicaciones de Warren Publishing de la ambición estética que Vallejo profesaba por Vermeer, Rembrandt o Murillo?.

A diferencia de los snobs neoyorquinos, se palpaba un deseo de transgredir y trascender. «El trabajo de Warhol se dirigía a atraer al público, sin sustancia; su técnica no era, de ninguna manera, algo que hubiera querido emular: no me interesó en absoluto», diría categórico en una ocasión.



Ilustraciones de BORIS VALLEJO para las portadas de los Magazines EERIE y CREEPY de Warren Publishing y TALES OF THE ZOMBIE  de la archiconocida Marvel.


Definición de estilo y éxito internacional

Provisto de una habilidad prodigiosa para la pintura al óleo, junto a la destreza y buen gusto en la elaboración detallada de la figura anatómica de sus personajes, muchos de ellos sacados de la mitología y retratados a la perfección gracias a sus estudios de medicina y esa creciente afición por el fisicoculturismo, habilidades que rápidamente le ayudaron a ganarse una gran reputación ente los ilustradores más cotizados de su tiempo.

Pero su paso por el mundo de las historietas no era una simple casualidad. Había un hilo invisible que lo unía todo y que con el pasar del tiempo reconocería: "La razón por la que fui a Warren fue porque estaban publicando el trabajo de Frank Frazetta […] me encantó que mostrara a estos tipos musculosos y la forma en que retrataba la figura humana". Ya para esos años, sus ilustraciones representaban un imaginario plagado de monstruos mitológicos, guerreros heroicos y  bellas mujeres llenas de erotismo, señas de identidad fácilmente palpables por el ojo público debido a la rápida popularidad que la ciencia ficción ganaba por esos años. Elaborar la portada del cómic ‘The Savage Sword of Conan’, fue un nexo que cerro el círculo con el estilo del genio de brooklyn (Frazetta). A partir de ese momento, Vallejo tomaría la posta al rediseñar los trabajos por los que Frazzeta era conocido, colaborando como portadista de la Warren hasta el final de la  compañía a fines de la década de 1970. Pero Vallejo estaba destinado al triunfo, y su primer éxito internacional llegaría con el premio 'British Fantasy Award' de 1979, concedido por su pintura hiperrealista ‘The Amazon Princess and Her Pet’. Para la década siguiente el cine, la televisión, y sobre todo la música, serían los más afortunados al recibir el prodigioso pincel del maestro.


            'The savage of the conan sword'(1975) y 'The amazon princess and her pet' (1979)

Las grabaciones del disco “Bark At The Moon” de 1983 no eran nada alentadores para Ozzy Osbourne. Lo que debería haber sido un punto de inflexión en su carrera como solista se vería por el contrario ensombrecida por la tensa atmósfera de la desconfianza. Después de la muerte de Randy Rhoads, el guitarrista sustituto: Jake E. Lee; parecía no encajar en la nueva dirección de la banda, o eso es lo que insinuaba la siempre malintencionada Sharon Osbourne. El aporte de Lee en la composición del álbum nunca fue reconocido, a tal nivel que su nombre no solo fue omitido en los créditos de este álbum, sino que también sería despojado de toda autoría en el siguiente trabajo de 1985 llamado 'The Ultimate sin'. Como era de esperarse, estos incidentes acarrearon múltiples demandas judiciales por ambas partes, privándonos con esto, de disfrutar nuevas reediciones que demuestren la maestría en el dibujo que Boris realizó para ambas portadas. Pero este par de álbumes son tan solo dos ejemplos del basto catálogo de colaboraciones que el artista realizó para agrupaciones de rock y  heavy metal.




“No Place For Disgrace”, editado en 1988, es el segundo LP de Flotsam and Jetsam. En la cubierta del disco se puede apreciar a un Samurái a punto de hacerse el hara-kiri arrodillado bajo la atenta mirada de un segundo personaje que lo escolta sosteniendo su arma de forma amenazante, un sugestivo mensaje que va acorde con el título del trabajo: El honor o la muerte, "No hay lugar para la desgracia". El imaginario fantástico de Vallejo nuevamente ascendería a paso galopante sobre la bestia indomable del rock pesado y no existió género ajeno a la influencia de su obra, sea acreditada o no, la podremos ver en todas partes, en portadas de speed metal, thrash metal o hard rock. Su impecable carrera sigue sorprendiendo y entusiasmando hasta el día de hoy, siendo reconocido y estudiado en todo el mundo y dando muestras de genialidad como en el diseño del último álbum de Andrew W. K.

Un peruano de bandera que sigue de pie y con el pincel desenvainado. ¡Larga vida al rey! 👑





Seguir leyendo
Tweet Share Share Share Share Share

agosto 12, 2019

El 28 de Febrero del 2019 empezamos una lista de disco dentro del estilo más melancólico del Heavy Metal y aunque su bases hayan empezando en Black Sabbath, el Doom Metal estuvo creciendo de manera agigantada en todo el mundo y trajo consigo nuevos expositores del estilo que lo representaron muy bien a través de tantos años de actividad y hoy en día esa matriz sigue vigente como una de las más innovadoras dentro del genero metálico. La cual se mezcla con raíces deathers, blackers y otras rockers de índole inglesa, pero por encima de todo sigue teniendo esa intensidad en los riffs y ritmos que este estilo siempre se apego, donde la magia de la melancolía ayuda a que todo sea mucho más digerible y esa soledad que tanto añoras al momento de poner cualquiera de estos 30 discos de Doom Metal. Regulariza tus sentidos y estas presenciando el vacío dentro de todos sus planos y ese camino hasta el final de solo oscuridad de hace cada vez más claro y todo en el horizonte es reluciente. 

Es así que esta lista continua de manera alfabética en esta segunda partes con los siguientes 10 discos de Doom Metal, siendo la segunda parte de esta melancólica selección. La cual tendrá una tercera parte en el mejor momento sentimental de cada disco. Cuando todo confluya o cuando tenga de hacerse, así que continuemos con esta segunda parte. 

11. Lacrimas Profundere - Memorandum - 1999 (Napalm Records)



Muchas cosas se vienen a la cabeza cuando se escucha este disco de los alemanes de Lacrimas Profundere, porque el sentimiento impregnado en cada nota de este disco, refleja mucho lo que esperas de una banda Doom Metal y aún así este disco tenga influencias suecas en su haber. Estos alemanes fueron más allá en su composición y el anexaron más sentimientos de aflicción y compungidos en el peor de las situaciones personales que evocan en ritmos, esquemas e instrumentos que son toda una delicia de sensaciones que ninguna otra banda lo había hecho hasta ese momento y sin olvidar que cuando la agresión del disco entra como en "Helplessness". Todo vale la pena, pero eso no es lo único con lo que la banda contribuye al Doom Metal, porque si escuchas "Black Swans" la voz de fondo operística dentro de esa penumbra de guturaciones que a medida cambian de sufrimiento por los teclados de Christian Steiner. Son todo un deleite de sensaciones que se endurecen cada vez mas en las  hebras del corazón, sin olvidar que el trabajo de Ursula Schmidhammer en el arpa y de Anja Hötzendorfer con el violín y voces limpias. Es una de la mejores cosas que encontrarás en este disco de principio a fin. 



12. Lacrimas Profundere - Burning: A Wish - 2001 (Napalm Records)

Salío "Memorandum" (1999) y todo el mundo comenzó a imitar a Lacrimas Profundere, porque era un disco revolucionario para sus años, pero lo más sorprendente de la banda es que pudo reinventarse en su segundo disco que ya estaba mucho más nutrido de rock inglés, pero que mantenía una esencia original entre manos y no era una copia de otro disco, sino era la exploración clara que ellos ya estaban enfocándose en lo que venia o iba a ser el Doom Metal de estos años y quien no termine evocando temas como;  "Without" y su coro  "Light onto me, Carry, all my tearful love, I am nothing, But you are my heaven" de ahí seguir con temas como "Adorer and Somebody", "A Summer's End", "2 Sec. and a Tear", etc. Donde los armónicos de cada canción del disco, van siendo arpegiados con guitarra acústica y le da ese sabor nostálgico que no los coloca como una banda rocker, sino como una doomer en toda su expresión y ese parte Heavy Metal de Black Sabbath queda desterrada completamente de todo el panorama y se encuentra a una banda capaz de cambiar el mundo con su músico y este disco es una prueba que fueron más del "Brave Murder Day" (1996) de los suecos de Katatonia. 

13. Mar De Grises - The Tatterdemalion Express - 2004 (Firebox Records)

Por primera vez en toda la historia de Chile, una banda cambiaría un estilo musical para siempre dentro del Heavy Metal y aunque no sea una banda que muchas personas conozcan en Sudamérica, pues Mar de Grises es un nombre que se internacionalizo al comenzar su carrera discográfica y tuvo un impacto global que hasta las bandas europeas que crearon el estilo dijeron que el Doom Metal se traslado a ese país para hacerlo único y especial. Es por ello que desde que iniciaron su camino en el 2002 con su primera demostración y con la reseña en Grinder Magazine, que fue reeditada 7 años después por el sello finlandes Firedoom Music en una edición de lujo y remasterizado.  Mar de Grises solo tuvo magia en su camino y con este primer disco en estudio "The Tatterdemalion Express" (2004) las cosas cambiaron para siempre, porque a ninguna banda del planeta se le pudo ocurrir semejante producción que iba más allá de los margenes ya creados por las cabezas del estilo, sino que tomaba como personal este estilo y lo hacía cada vez más interesante de experimentar y aunque este país ya tuviera a los míticos Poema Arcanvs en sus filas. Mar de Grises fue más allá de ellos y supo colocarse como una banda que no le tenía miedo a nada e implantó su propio estilo de su casa para que el mundo supiera que en esta parte del mundo también se hacía metal de exportación y que no tenía ningún síntoma de otras bandas. Es por ello que este primer disco de los chilenos "The Tatterdemalion Express" (2004) es toda una obra de arte inalcanzable para muchos, pero para otros comenzó un nuevo camino. 

14. My Dying Bride - Turn Loose the Swans - 1993 (Peaceville Records)

Inglaterra siempre se destaco por se una país donde las cosas se originaron dentro del Doom Metal y a ello se añadieron matices personales por cada banda que hoy en día son notas a seguir por muchas bandas en el mundo. Entonces, entre estas bandas iconicas del genero melancólico se tiene a una cabeza muy importante que es My Dying Bride y aunque para muchos sea difícil de elegir un disco de su amplia discografia, el mundo cambio completamente cuando salio al mercado su segunda producción en estudio "Turn Loose the Swans" (1993), porque un poco más allá de su primer álbum, pero al mismo tiempo implantaban muchas cosas novedosas para la época y con la lentitud que empezaba en "Sear Me MCMXCIII"  es digno de admirar, porque es un tema épico y lleno de melancolía y desesperación por parte de las notas del teclado Martin Curtis-Powell. Para luego seguir con los entristecidos ritmos de "Your River" y de ahí marcar un amplio espectro de sonidos y esquemas que más de una banda en el genero lo tiene hoy y los toques con pares con el violín de Martin Curtis-Powell hacen de este disco y canción algo muy digno de escucharse. Pero eso no es todo, porque My Dying Bride decide implantar a esta melancólica producción la pesadez necesaria para que se sienta en sus guitarras rítmicas la partes deathers del disco y no te dejen dormir tranquilo. Por el contrario más y más se adictivo a medida que avanzan las cosas en la música de "Turn Loose the Swans" (1993). Se podría decir que es la mezcla exacta entre lo que debería ser una banda Doom Metal y Death Metal sin la necesidad de irse a los lados épicos o de corte Black Sabbath-siano.  Siendo toda una epopeya para el estilo doommer del Heavy Metal. 

15. Mythological Cold Towers - Sphere Of Nebaddon (The Dawn Of A Dying Tyffereth) - 1996 (Sound Riot Records)

Brasil siempre estuvo un paso adelante de todo lo que se conocía como Heavy Metal y especialmente dentro del lado extremo de este, porque nombres como Krisiun, Sarcofago, Sepultura, Chakal y muchas más. Siempre tuvieron ese detalle llamativo por comenzar a crear su propia música y agregarle su sonido personal a este, es por ello que el genero melancólico no estaba absente de esta idea y es así que nace una de las mejores bandas de Doom Metal americano que tiene por nombre Mythological Cold Towers y este primer disco es una de los mejores álbumes hechos antes del "The Tatterdemalion Express" (2004). Disco lleno de carácter y con muchas cosas que pudieron llegar a ser más como banda; de ahí estos brasileros se perdieron en el tiempo, pero eso no significo que este "Sphere Of Nebaddon (The Dawn Of A Dying Tyffereth)" (1996) no tenga lo que otros discos no tiene, originalidad en su música y una marca innegable como banda que temas tras tema se reafirma como una sociedad a seguir dentro de lo más denso, duro y lúgubre del estilo doom y deather. Desde que el disco comienza con "In the Forgotten Melancholic Waves of the Eternal Sea" y todo termina en el instrumental de "Sphere of Nebaddon"; el poder que uno encuentra en este disco, es algo digno de sacarse el sombrero, con teclados magnánimos, guturales secos, batería simple pero directa al grano, riffs fuertes y por encima de todo una producción muy bien lograda para este estilo en Brasil. Además de ser la respuesta sudaca a este estilo añejo. 

16. Novembers Doom - Of Sculptured Ivy And Stone Flowers - 1999 (Martyr Music Group)

 Así como Sudamérica tuvo su respuesta en 1996 con Mythological Cold Towers y luego en el 2004 con Mar de Grises. El país donde nacieron Slayer, Death, Metallica, Morbid Angel y muchos mas grandes nombres dentro genero extremo del Heavy Metal, también lanzaría su propuesta contundente bajo la marca llamada Novembers Doom. Quienes en 1995 lanzan su primera larga duración "Amid Its Hallowed Mirth" y las cosas jamas volvieron a ser las mismas dentro del lado doomer del planeta, pero aunque este disco fue una muy expresión del estilo, la banda aún no llegaba a su cúspide musical. La cual llegó 4 años después con esta joya irremplazable llamada "Of Sculptured Ivy and Stone Flowers" (1999); donde toda la genialidad de Paul Kuhr, Eric Burnley, Mary Bielich, Cathy Jo Hejna y Sasha Horn colindaba para presentar un disco inigualable en el mundo y que hasta el disco de hoy sigue siendo una piedra angular dentro del estilo. Porque nadie se imaginaba que Estados Unidos lanzaría este gran representante y bajo un nombre que a muchos les encantaría desde el momento en que lo escucharás. Cada tema es una nueva ruta seguir en su mundo y como fue exteriorizado en sus esquemas, demuestran una trabajo natural que no tuvo más que se ser reeditado un par de veces y que en temas como; "The Jealous Sun" recordarás algunas escenas de directores como M. Night Shyamalan y Tim Burton. Donde la maravilla puede tener una nostalgia oculta en el rubor más grande todos los que observamos con un solo ojo. 

17. Paradise Lost - Gothic - 1991 (Peaceville Records)

Si en 1990 hubieran dicho que "Lost Paradise" sería solo un disco inicial y lo mejor estaba por venir, pues quizá se hubiera llegado a la duda que las cosas iban a cambiar de otra manera o que la banda se iba a apegar a otras cosas más populares, pero no, Paradise Lost encontraría la formula adecuada para seguir dando que hablar con una nueva producción y a un año después de haber salido su primer álbum estos ingleses presentarían al mundo un disco original en todo sentido. "Gothic" es el trabajo de personas con bastante habilidad y talento para que la banda continuará con lo que los hizo famosos, pero al mismo tiempo añadirle esa granito de arena para que se mezclarán con más efectos y muchos más que una banda de metal estaba prohibido hacer en esos años y que hoy se reconoce como uno de los mayores padres del Doom Metal en la actualidad. Sin olvidar que para estar dentro del mismo país que Anathema y My Dying Bride, Paradise Lost tenía su propio camino entre manos traes este semejante lanzamiento que traería consigo muchas cosas y lo iba a despedir de a pocos de su matriz deather que fue inicialmente su camino plasmado en 1990. Aún así este "Gothic" opaca en todo sentido a su primera producción y no tiene nada que envidiar a lo que se venía después, porque fue el punto de quiebre en la carrera de la banda y en el Doom Metal, debido a que lo que se hizo en este disco no se volvío a repetir en la banda, pero si influencio a muchas bandas que lo vieron como un hito a seguir en un mundo que estaba siendo dominado por la explosión deather y el nacimiento del new metal. 

18. Paradise Lost - One Second - 1997 (Music for Nations)

Después de su lanzamiento inigualable en 1991, Paradise Lost comenzó a idealizar su camino en algo que ya no sonaba como antes, pero que ya se había vaticinado en ese disco. Es así que discos como "Shades of God" (1992), "Icon" (1993) y "Draconian Times" (1995) comenzaron a probar suerte con su mezcla hacía el lado rocker del lado musical de esta banda que aún quería volver  pisar la gloria que tuvo en 1991 y es por ello que la banda comenzó a apresurarse y seguir el ritmo de álbumes, sacando las producciones antes mencionadas y en medio de estar saturándose de nuevas composiciones sale al mercado otro disco que causa un gran impacto en la escena melancólica de otro genero musical, pero aunque sea dificil de creer tuvo un impacto gigante en la escena doomer del Heavy Metal. Porque era la mezcla clara que tras buscar unos años una evolución perfecta sin la necesidad de malograr el nombre de Paradise Lost y tuviera entre manos un disco de grandes magnitudes, que hasta el más extremo del planeta que solo se metía dosis enteras de Death o Black de fines de los 90s. Reconoció que este "One Second" (1997), es un disco que le sobra imaginación y que tenía esa idea 80s de otras bandas como Depeche mode, The Cure, pero al mismo tiempo aunaba otro sonido que ya comenzaba a sentirse en los horizontes estadounidenses y que tenía mucho que ver con la parte alternativa del rock. Es por ello que este "One Second" (1997) es un disco que todo amante de esta corriente melancólica no se imagino que Paradise Lost volvería a ser centro de las miradas, pero con con una razón más que justa para llegar a ser lo que son ahora. 

19. Saturnus - Paradise Belongs To You - 1997 (Euphonious Records)

Dinamarca siempre fue un país que no tuvo un auge gigante dentro del Heavy Metal mundial, pero las pocas bandas que comenzaron a emerger de este país ofrecieron un sonido distinto y una idea solida de como se debía interpretar el genero de muerte bajo otras vertientes en los 90s. Es por ello que Saturnus llega al mundo extremo del Heavy Metal con una propuesta un poco diferente a la de otros países, porque mezclaban muchas cosas que ya estaban sucediendo en todas partes del mundo, pero ellos acrecentaban mucho más los momentos melódicos que no necesariamente colindaban con el genero de muerte, sino tomaban una personalidad propia en los riffs y esquemas, entonces es ahí que nace la idea personal de esta banda danesa y su primer disco titulado "Paradise Belongs To You" fue lo que a ninguna otra banda de sus años se les había ocurrido, hacer del Doom Metal una situación mucho más melódica y ponerle a los solos un énfasis distinto en sus escalas, las cuales tuvieran ese brillo capaz de hacerlos únicos y aunque por momento se denotaba alguna otra influencia de otro estilo. Saturnus manipulo muy bien sus influencias y las calibro para que su sonido en 1996 fuera único, aún así ya existiera el "Brave Murder Day" de Katatonia.  Entonces comparándolo con muchas joyas de su año, su sonido comenzó a caracterizarse por no tener lo que otras tenían y el uso de teclados, guitarras acústicas, solos enfáticos y por encima de todo una voz limpia que se pronuncia al fondo de todo esta genialidad, hacen de su música todo un placer de escucharlos cada vez más. Un hito a seguir hoy en día. 

20. Skepticism - Stormcrowfleet - 1995 (Red Stream, Inc.)

 Terminando la segunda parte de este articulo de 3 partes dedicadas al género melancólico del Heavy Metal, nos encontramos con Skepticism. Una banda que junto a Thergothon son los precursores de un estilo extremadamente lento y sepulcral; denominado como Funeral Doom Metal. Donde la música comienza a ser más densa y lenta en sus esquemas sonoros, pero al mismo tiempo dentro de este incierto mundo de notas extendidas y momentos de responso absoluto comienzan a encontrarse melodías que no solo se centran en estar afectas de soledad, sino encontrar la solución a muchas cosas que puedan saturar tu mundo y es por ello que este primer disco de Skepticism llamado "Stormcrowfleet", muestra un gran universo de sonidos dentro de las más densas situaciones y que poco a poco se encuentran emociones perdidas en lo más recónditos pensamientos dentro de un viaje épico y emocional en los reinos oscuros de nuestra propia imaginación. Es por que es difícil comparar Skepticism con otras agrupaciones, porque son muy únicos en todo sentido y si te gustan los momentos funerales de cualquier banda Doom Metal de estos años y no posees ninguna de las creaciones de Skepticism, especialmente de este "Stormcrowfleet" (1995), ¡Qué demonios estás esperando, ve a buscarlo!

 

CONTINUARÁ...

Seguir leyendo
Tweet Share Share Share Share Share

junio 13, 2019
Banda: Avalanch (España)
Álbum: Llanto deun Héroe
Año: 1999
Género: Power Metal Progresivo
Sello: Flame / Xana Records
*Integrantes:

Alberto Rionda - Guitarras / Teclados
Víctor García - Voz
Roberto García - Guitarras 
Francisco Fidalgo - Bajo
Alberto Ardines - Batería

*Lista de Temas:
1. Intro - instrumental
2. Torquemada 
3. Por mi libertad 
4. Pelayo 
5. Vientos del sur 
6. Polvo, sudor y sangre - instrumental
7. Cid 
8. ¿Días de gloria...? 
9. No pidas que crea en ti 
10. Cambaral  
11. Aquí estaré
12. Llanto de un héroe - instrumental





La primera llegada de Avalanch al Perú ha sido algo que muchos hemos esperado largos años, nunca los vimos con Víctor García, tampoco la formación con Ramón Lage en la voz, que si bien fue criticado mucho, mejoró con los años. Tampoco se dio la llegada con Alquimia en quien veía al viejo Avalanch encarnado y me hacía preguntarme por qué Rionda decide usar otro nombre si continuaba con el estilo de los primeros álbumes de la banda asturiana. Pero cuando ya perdía toda esperanza, Rionda decide resucitar a Avalanch con músicos experimentados y de primer nivel, sepultando las esperanzas de ver la formación clásica reunida, pero fruto de esta formación hemos tenido nuevo material, la regrabación del disco "El Ángel Caído", un DVD y el nuevo disco de este año "El Secreto" el cual reseñamos aquí. Y finalmente, la llegada de la banda a tierras peruanas que se dará a cabo este mes de Junio (más información aquí) y es debido a ello que vemos necesario hacerle una reseña a este clásico del Power Metal Español que ya lleva 20 años desde su lanzamiento en Abril de 1999 y que fue el disco que terminó por catapultar a la banda hacia el éxito y el estatus del cual aún goza.


La historia de Avalanch se remonta a 1993 pero no es si no hasta 1997 cuando publican "La Llama Eterna" que tuvo su versión en inglés también. En aquellos años, era Juan Lozano quien estaba en las voces e hizo una buena labor pues este debut cosechó buenas críticas y nos dio a conocer los primeros clásicos de la banda como "Excalibur", "La Llama Eterna" o "Vicio Letal". Sin embargo con su segundo disco lograron un clásico atemporal que hasta el día del hoy seguimos disfrutando como la primera vez. Este disco se llamó "El Llanto de un Héroe" y ya contaba con el gran Víctor García en las voces, el maestro Alberto Rionda en la primera guitarra y teclados, Roberto García en la guitarra, Francisco Fidalgo en el bajo y Alberto Ardines en la batería. Una formación que quedará como una de las mejores de la escena Power Metal de entonces, demostrando tener mucho corazón y grandes composiciones. Así nace este disco que fue grabado y mezclado en los Búnker Studios (Posada de Llanera, Asturias) entre Setiembre de 1998 y Febrero de 1999, masterizado en los Metrópolo Studios de Londres. Con un sonido que va entre el Power Metal, Speed Metal, toques de Metal Progresivo, elementos de música clásica y Folk, sobre todo en las líricas inspiradas en la tierras e historias de estos asturianos, sobre todo en la época de la "Reconquista".


El disco inicia con una tranquila y hermosa introducción de vientos que da lugar a un clásico de clásicos, imposible no reconocer el inicio de "Torquemada" con esos teclados que suenan como órganos de iglesia con una batería marcando los cambios de ritmo antes de acelerar con el increíble riff de guitarra, los constantes cambios son toda una delicia al igual que los teclados de fondo y los solos de guitarra que aparecen en la medida justa; pero si alguien se lleva las palmas es Víctor García por cómo deja su sello al cantar los temas, mucha pasión por la forma cómo narra, en eso hay pocos vocalistas como él, cada estribillo y coro de este tema son memorables, y nos hacen conocer un poco sobre el inquisidor Tomás de Torquemada; ni qué decir de Rionda quien está inspiradísimo tanto en las composiciones como en su ejecución de la guitarra. El segundo tema "Por Mi Libertad" es otra tremenda descarga de puro Power Metal Épico, con una introducción de guitarras memorables, el tema acelera y abre paso a la mágica voz de García quien narra todo como si en verdad viviera la canción y el coro termina por llevar todo eso a un nivel superlativo, la parte instrumental es de lo mejor del disco con hermosos toques sinfónicos previo a un espectacular solo de Rionda y un García  que toca cielo cuando dice "Quizás fue suerte, quizás algo más, pero siempre hay esperanza, para el que lucha, por su libertad ¡Libertad!"; cabe recordar que este es uno de los 2  temas firmados por García. Luego de 2 temas rápidos, "Pelayo" nos regala algo de tranquilidad con un inicio acústico y la voz de García cantando uno de los mejores estribillos del álbum, antes agarrar fuerza con riffs más pesados y ritmos más machacantes, el tema se transforma en otro himno gracias a la increíble interpretación de García, es imposible quedarse indiferente cuando dice estrofas como "Las montañas / Y el cielo tu fe moverán / Santa tierra / Por ella hoy debes luchar", sobre Rionda pues no se queda atrás y llena del tema de excelentes melodías y solos de guitarra, con algunos de los mejores pasajes del álbum. En todo disco de Power Metal, nunca faltan las baladas, en su mayoría a veces forzadas para dar variedad al disco, razón por la cual yo suelo dejarlas de lado, pero en el caso de "Vientos del Sur" esto no sucede, y es que es un tema muy bueno, no es la típica balada melosa, mas bien se desarrolla como un tema más épico que va a de menos a más hasta llegar a la cumbre que es el coro del mismo, otro coro memorable cortesía de García.

Llega el momento de otra pieza instrumental, "Polvo, sudor y sangre" con hermosas melodías folk y que sirve de introducción para "Cid" que es otro tremendo tema de Power / Speed Metal donde nuevamente el estribillo y coro se llevan las palmas junto a los excelentes solos de guitarra en plan muy Helloween. El lado más progresivo se manifiesta en "¿Días de gloria...?" donde la labor de los guitarristas es excelente con riffs duros y cortantes, constantes cambios de ritmos, un teclado muy ambiental, junto a la voz algo más calmada al momento de narrar,  y como siempre el solo de guitarra, en este caso muy neoclásico. Otro de mis momentos favoritos llega con "No pidas que crea en ti" que empieza con teclados muy sinfónicos y un solo de guitarra con mucho sentimiento antes de acelerar en otro tema muy Power Metal, donde los riffs son cortantes y están entre los mejores del disco, las melodías de guitarra al estilo Helloween no se hacen esperar y la voz de García que nuevamente narra con mucho corazón la letra de la canción, que tiene uno de los coros más memorables del disco en mi opinión, es imposible no cantar "Dicen que su nombre has de adorar / postrarte de rodillas en su altar, / incluso tu vida has de dar, y matar. / Dicen que así­ el cielo obtendrás.". Hacia el final tenemos a "Cambaral" que narra una historia de amor y desgracia sobre el amorío del pirata del mismo nombre y la hija de un hidalgo, un tema más a medio tiempo y con toques un poco más progresivos, como es de esperarse es cantada con mucho sentimiento. Y cuando pensamos que ya todo lo bueno pasó, llega el himno "Aquí Estaré", todo un himno con sonidos muy Helloween, y tocada a toda máquina, con melodías muy buenas aunque predecibles por momentos, pero donde García brilla con su interpretación y es que es el segundo tema firmado por él, con una letra con la cual muchos nos podemos sentir identificados, seamos músicos o no (¿Cuántos de nosotros hemos tenido amigos de juventud que han dejado de lado su pasión por el Metal con los años?) Finalmente llega el tema homónimo homónimo que cierra el disco con un instrumental muy neoclásico ¿Qué más puedo decir sobre el disco? Pues nada, es un deber para todo amante del Power Metal Español y mundial ¿Por qué no escogí "El Ángel Caído"? Porque si bien está mejor producido y suenan más maduros, no es tan contundente como el combo de canciones que aparecen aquí, se siente la magia de un disco irrepetible y que vale la pena revisarlo a 20 años de su lanzamiento.

Seguir leyendo
Suscribirse a: Entradas (Atom)
Con la tecnología de Blogger.