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    IMPROVISARÉ SOBRE TU TUMBA

Hay expresiones artísticas que se forman como un extraño suceso de acontecimientos aislados en los que el artista, su entorno, y los diversos procesos sociales que le preceden, coinciden para erigir verdaderos fenómenos de masas, estandartes de un tiempo que bajo su marcha sufren el perspicaz embate de los mecanismos que repelen o complementan su desarrollo. 

Dado este punto; que un artista se convierta en un icono generacional no depende de la inconstancia de las tendencias o del capricho del azar, hace falta estar en el momento exacto, en el lugar indicado y con la propuesta adecuada para que su aporte sea valorado por su contraparte, aquella que aveces es tan mezquina confiriendo un estatus privilegiado a algunos y condenando al olvido a otros, de esta interacción nacen las propuestas mas originales, innovadoras,  y muchas veces las mas bizarras que se puedan dar en el complejo espectro musical, bien dicen que el artista es reflejo de su entorno, y que el éxito o fracaso de una propuesta dependerá solo del entusiasmo con que el publico reaccione al reflejo que le da mas brillo a su realidad o en las risas que la evidente burla muestra detrás de la imagen que la acompaña. 

Necro animando al moshpit
Así sucedería a comienzos de los años noventa del siglo pasado, mucho antes que se pusiera en boga las zapatillas deportivas, los buzos ADIDAS y las guitarras de 7 cuerdas,  un hijo de Caín decidiría  abandonar para siempre las hordas infernales del metal extremo con "olor a azufre" para reformular un sonido propio que respondiera a sus vivencias del día a día, una síntesis que uniría la retorica del hip hop a un discurso de vida y muerte en las calles, de narcotrafico,  crimen organizado y tragedia urbana con una visceralidad propia de los géneros mas extremos del heavy metal, siempre acompañado de un agudo sarcasmo en su concepto de sincretismo cultural entre ambos estilos, así nacería lo que se conoce hoy en día como el "Rap de la muerte", y así nacería su principal exponente: NECRO.

   LOS RAPEROS MALOS VAN AL INFIERNO

Nacido como Ron Raphael Braunstein y conocido  en el mundo subterraneo como NECRO, iniciaría una prometedora carrera en el mundo de  las rimas a los 15 años de edad, después de ganar una serie de concursos por todo el circuito raper  de Nueva York, el mas importante de ellos:"The  Stretch and Bobbito Radio Show", un  campeonato que en 1991 organizaría una
Ron Raphael Braunstein (Necro)
conocida estación de radio local que lo destacaría como el "Artista Revelación". Para ese mismo  año su carrera tomaría mayor relevancia al ser  impulsada por el éxito de artistas con ciertas  similitudes estéticas y físicas, características que  propiciarían el nacimiento del nuevo boom en lo convencional noventero, sin embargo; ser un rapero  blanco en EE.UU de esos años seria tomado con   intransigencia por la comunidad afrodescendiente  norteamericana, mayoritaria en numero e  intolerante ante lo que ellos consideraban una  apropiación cultural descarada, el hip hop se había consolidado en los barrios negros y pobres  un par de décadas atrás, y que su resonancia haya recibido cabida con la exposición de figuras  anómalas a su entorno como en el caso de Vanilla Ice fue un duro golpe que amargaría el espíritu contestatario de sus seguidores, pero que mas  adelante llenaría los bolsillos de los principales artistas afroamericanos al alzarse el hip hop en las listas como número uno en las preferencias gracias a la explosión mediática de los artistas blancos, un extraño dejavu que solo tiene parangón al compararse con lo sucedido cuarenta años atrás con Elvis y el rock and roll. Aun con las limitaciones que acarrea la perdurabilidad de estereotipos raciales en la cultura popular, muchos raperos blancos hicieron eco de la cobertura publicitaria para dar el gran salto de la escena independiente a los grandes escenarios, siempre bajo la linea comercial regulada por las preferencias del publico, no obstante; la visión tan poco ortodoxa de omitir la tendencia mayoritaria y utilizar recursos líricos con terrorífico humor para capturar aspectos de la realidad seria un viaje a contracorriente para la gran mayoría, pero no para un joven Ron, precedente de Necro

 LOS DÍAS SANGRIENTOS



Pocos imaginarían que la variación del nombre con el que se haría conocido en el ámbito urbano fuese una acotación del nombre de una clásica canción de los californianos Slayer, banda de referencia  profundamente enraizada en sus inicios dentro del mundo de la música. A los 12 años de edad, Braunstein seria visto como un niño prodigio que contaba ya con un futuro prometedor dentro del metal de pesada factura, con un proyecto musical de solida reputación que en base a talento se ganaría el respeto entre sus coetáneos, lo que sin duda le dio la oportunidad de telonear a bandas de la talla de Sepultura, Biohazard y Napalm Death, todo esto a pesar de que la edad media de sus integrantes no sobrepasaba siquiera la mayoría de edad.  INJUSTICE, era el nombre de aquella  banda que formaría junto a su hermano William Braunstein en las labores de voz y bajo,  Mike Palmeri en la batería, Mike Nabatov en la guitarra rítmica y finalmente el propio Ron (Necro) en la guitarra líder.

Esta formación grabaría dos demostraciones que oscilan entre la delgada linea que separa el death metal y al thrash metal pero incorporando altas dosis de versatilidad. Sin perder fuerza se introduce elementos que a base de sintetizador estructuran pasajes atmosféricos como en el caso de "Necrosphere" , apoyado por secciones melódicas que aceleran a puro pulso de muñeca, con mayor énfasis en el contraste con que los instrumentos confluyen en el vaivén de su propia tormenta sonora, así lo demuestra "Wisdom of the Subgenius", tema que marca la innegable destreza técnica y el prolijo dominio de los instrumentos de cada músico, que considerando la condición de "demostraciones" de ambos trabajos y la constante calidad compositiva que se evidencia desde temas como "Mind Over Matter" o "Winds of Change" pertenecientes a su primer registro hasta lo hecho en la siguiente y ultima grabación, la cual incluye los dos temas anteriormente citados, define una evolución que sin lugar a dudas fragmentaria las bases de lo tradicional en pos de lo que hoy en día llamaríamos "Death Metal Técnico", una proyección que lamentablemente se vio trunca en parte debido a la inexperiencia de sus componentes, quienes ante la carencia de un contrato discográfico que garantizara un fructífera difusión de su trabajo se verían arrastrados por la frustración y el pesimismo, decidiendo disolver la agrupación y terminar así con su corta pero mas que talentosa existencia, aun así; aquellas dos maquetas: "The Cursed Earth" (1989) y "Inhuman Conditions" (1990) ,son al día de hoy, material de culto buscados por los mas asiduos visitantes del circuito de compra, venta e intercambio de internet.


  UNA DOSIS LETAL DE RAP


Luego de la disolución de INJUSTICE , Necro comenzó a verse envuelto en constantes conflictos referentes a sus nuevos intereses y a su peculiar forma de financiar su estilo de vida, con el objetivo de lograr desarrollar sus nuevas aficiones no dudo en echar mano de la venta ilícita de drogas, seria tan frecuente el ir y venir de su labor diaria que pronto llegaría a tener una nutrida cartera de clientes para quienes las entregas eran personalizadas con una tarjeta de "contacto". Gracias a estas innovadoras técnicas de mercadotecnia, Ron pudo invertir el dinero ganado en cursos de cine y actuación, ante la negativa de su padre que ya estaba bastante hastiado de los errantes pasos de su descarriado hijo. A finales de los noventa y con  la estabilidad económica producto de sus innovadoras startups, llegaría la consolidación de un estilo propio, no el de fusión de estilos propiamente dicho, si no mas bien de replanteamiento lírico, una nueva vuelta de tuerca que uniría un estilo improvisador con base a la sátira e ironía en función a una descripción sanguinolenta, visceral y descarnada de aquella eterna paradoja que envuelve la vida y la muerte, puro death metal en rima. En 1999 fundaría el sello independiente Psycho + Logical-Records , lanzando los primeros dos álbumes en solitario de su propio fundador (aunque usted no lo crea), una actitud hágalo usted mismo permisible, si se trata de divulgar una actividad musical tan ecléctica.  I Need Drugs y Gory Days venderían miles de copias y coincidentemente orbitarian el mismo espacio que aquellos actos prime time  vistos en los canales musicales de la TV por cable, fieles difusores de la fusión de estilos con código de barras. A diferencias de estos, Necro comenzó a mostrar sus innegables raíces en el metal con "Pre-fix for Death" (2004), un álbum que contó con colaboraciones de iconos del metal mundial.



Serian muchos mas los proyectos en los que Necro trascendería las limitaciones entre estilos, colaboraciones junto a John Tardy y Trevor Peres (Obituary), Away (Voivod), Jamey Jasta (Hatebreed), Dan Lilker (Nuclear Assault), Sid Wilson (Slipknot), Scott Ian (Anthrax), Steve Digiorgio (Sadus), Max Cavalara (Soulfly), Brain Fair (Shadows Fall), David Ellefson (Megadeth), Ray Adler (Fates Warning), Mike Smith (Suffocation), Mark Morton (Lamb of God), Igor Cavalera (Sepultura), Alex Skolnick (Testament), Matt Harvey (Exhumed), Vinnie Appice (Black Sabbath) solo confirmarían el respeto hacia un artista que contempla su arte como una expresión fiel de si mismo , sin ataduras ni pretensiones falsas que involucren el vano oportunismo o el afán superficial de la exposición mediática, y aunque así lo quisiera, lo políticamente incorrecto es el cuchillo de doble filo guardado entre sus dientes, listo para salpicar sangre y carne al menor fraseo.




Seguramente ya habrás visto muchos "lo peor a lo mejor" de varias bandas, incluida a ésta, que quizás sea la mas grande e influyente en la historia del heavy metal y el metal en general. Es por eso que en Dargedik quisimos dar una opinión respecto a éstas listas, que en realidad dependen de muchas variables, pues hay gente que ama tal o cual álbum por ser lo primero que escucharon de esa banda. Aquí les presentamos este ranking de álbumes de Iron Maiden:


16. DANCE OF DEATH (2003):  sólo los mas cegados fans de la banda podrían considerar entre los mejores a alguno post- regreso de Bruce. "Brave New World" me ilusionó bastante, pero no fue lo que esperaba, y ésta secuela fue un disco mucho mas pobre aún, empezando por esa producción mala de Harris, que desde que empezó a hacer sonar a la banda en el estudio como si estuvieran en vivo, con errores y todo, malogró esa reputación de lanzar obras maestras. El trabajo en estudio es eso, no un escenario. Hay canciones como "Wildest Dreams" que pudieron sonar mejor también "Paschendale", pero ese sonido de los últimos discos dejando a Bruce cantando en tu cara, sólo muestra que el ya no es el mismo, y se siente todo forzado.


15. THE FINAL FRONTIER (2010): en éste álbum la banda quiso regresar a la composición de canciones mas directas y rockeras que complicadas y progresivas como fue su anterior "A Matter of Life and Death", sin embargo, no se logran muy buenas canciones, a pesar de que los riffs de "El Dorado" son pesados y heavys el coro es un desastre. Si esa era la canción de muestra no quería imaginarme que escuchar el resto. Y en verdad, la majestuosidad inicial de "Mother Of Mercy" es arruinada por la voz "a las justas " de Bruce en el coro. Aún así, "The Alchemist" , "Isle Of Avalon" y "The Talisman" destacan en un disco que hacia el final vuelve a su intención mas progresiva.



14. THE BOOK OF SOULS (2015): el disco prometía con toda la temática histórica, basada en culturas americanas, y cuando lo escuché, "If Eternity Should Fail", prometía un mejor disco que los anteriores, "Speed Of Light" no era el single que uno esperaba, y es en éste punto donde cualquiera se da cuenta que Bruce fuerza su voz y en vez de sumar, resta... pero no era trágico tampoco, además los que conocen a esta banda saben que la carnecita esta en otras canciones de sus discos y ellos no son de sencillos de radio o tv. Una vez mas, canciones que pudieron salir mejor como "The Great Unknown", y "The Book Of Souls" malogradas por ese "sonido directo", que llevan mucho tiempo usando.


13. A MATTER OF LIFE AND DEATH (2006): estaba en duda cual colocar primero, éste o "The Book Of Souls", sin embargo, analizando bien ambos discos, al menos en éste, Dickinson no se sale de nota o no se siente que llega a las notas con las justas. Muchos fans no gustan de éste álbum por las canciones extensas que contiene, y ese lado mas progresivo de la banda; exceptuando "Different World", el resto hace de éste disco una especie de "The X Factor" versión Bruce. Estoy seguro que éste hubiera sido muchísimo mejor con la producción y sonido adecuados, porque la verdad es que lograron buenas canciones como "The Longest Day" y "For The Greater Good Of God", por nombrar las que se me vienen a la mente.


12. VIRTUAL XI (1998): éste es el disco en donde la banda pierde la brújula en cuanto al sonido y producción, Harris sin duda se pasó de loco o qué se yo, pero éste disco así como contiene grandísimas canciones, también tiene algunas impresentables. Muchos echan culpa a Blaze Bailey del resultado, pero después de escuchar los discos de la vuelta con Bruce, uno puede darse cuenta que cualquier vocalista queda mal con esa pobre producción que adoptaron. He visto otros ranking de la doncella en el que colocan a éste disco al final, pero al menos yo no puedo poner así a un disco que contiene el último verdadero clásico de Iron Maiden como "The Clansman". Canciones malogradas por el nuevo pensamiento Maiden: "Lightning Strikes Twice", "Futureal" y "When Two Worlds Collide". Y en cuanto a "The Angel and The Gambler" es mucho mejor que muchas de las canciones post-Blaze...el resto de canciones son verdaderamente poco inspiradas y Blaze pagó el precio.


11. BRAVE NEW WORLD (2000): para mí representó una de las mas grandes decepciones que pueda recordar...pensaba que con los discazos que lanzó Bruce como solista junto a Adrian Smith, su retorno significaría el regreso de las guitarras gemelas, canciones con mas ganchos o de esas progresivas épicas de antaño...bueno no hubo nada de eso, el "éxito" de éste álbum se debió a la expectativa creada y porque todos querían a Bruce de regreso...es cierto que se pueden extraer buenas canciones como "The Wickerman", "Brave New World", "Blood Brothers" y "Out Of The Silent Planet", sin embargo con tres guitarras imaginé un disco clásico...no ocurrió.



10. THE X FACTOR (1995):  sin duda, el disco mas oscuro de Iron Maiden, el que tiene las mejores melodías de guitarra (que salva el hecho de que ya no usen guitarras gemelas) y que también contenía buenas canciones con algunos clásicos a lo Maiden como "Sign Of The Cross", "Man Of The Edge",  y el resto de canciones son de buen calibre, sobretodo "Blood On The World's Hands" con un buen desempeño de Blaze... algo criticado porque la mayoría de canciones inicia con partes densas y calmadas para luego explotar, pero se siente un aura algo gris en todo el disco. La banda estuvo realmente inspirada en cuanto a las melodías, ese fue el gancho de éste disco. El sonido?, con Martin Birch u otro éste álbum hubiera sido visto de otra manera.


09. FEAR OF THE DARK (1992): una buena despedida de Bruce, sin duda, el último gran disco que grabó Bruce fue éste, y el último que tuvo un sonido decente, obvio, fue el último en el que Martin Birch tuvo que ver...y de hecho fue el primer disco de Iron Maiden que esperé a su salida...y en su momento no me gustaba mucho la voz rockera que ya había empezado a usar Bruce en algunas canciones de "No Prayer For The Dying", (sin embargo, preferiría que ahora use esa voz a la forzada que usa en los últimos discos) y que se sienten en "From Here To Eternity" y otras más...Demasiadas buenas canciones aquí como "Be Quick Or Be Dead", "Afraid To Shoot Strangers", "The Fugitive", "Chains Of Misery", "Wasting Love" y "Fear Of The Dark", sin embargo habían algunas canciones algo flojas para el nivel del disco como "The Apparition" y otra mas por ahí que no recuerdo, pero ojo, cualquiera de esas canciones de bajo nivel son mucho mejores que cualquiera de los canciones después del retorno de Bruce.


08. NO PRAYER FOR THE DYING (1990): jamás entenderé cual es el maldito problema con éste disco, en su momento no le hallaba punto bajo, ahora mucho menos...todas las canciones son tremendas. Recuerdo leer una reseña del disco en su momento por una revista española en la que decían que el sonido era malo (que carajos dirían de los últimos discos esos críticos ahora?), la mala percepción en éste disco se debió a que fue el primero sin la alineación "exitosa" de la banda, con la salida de Adrian Smith...el primer disco que fue grabado ya con esa intención de "sonido directo" (pero felizmente estuvo Martin Birch detrás) y el primero en el que Dickinson usó su voz rockera en "Holy Smoke", y "Hooks In You" (canción dejada por Adrian Smith). A parte de todo ésto, el disco anterior "Seventh Son Of a Seventh Son" había sido tremendamente bueno, y quizás tanto fans como críticos tenían otras expectativas...Aún así no hay canción mala aquí, destaco "No Prayer For The Dying", "Public Enema Number One", "Assassin", "Run Silent Run Deep" y "Bring Your Daughter...To The Slaughter".



07. IRON MAIDEN (1980): el clásico debut de la banda, que no obtuvo el sonido que la banda quiso, y es el que suena "diferente" del resto de la discografía, sin embargo hay un detalle que sin querer la producción de sonido favoreció...la voz de Paul Di' Anno es lo que mejor suena en todo el disco... se extraen clásicos como "Remember Tomorrow", "Running Free", "Phantom Of The Opera", la sublime balada "Strange World" (con los tremendos solos, en especial el de Dennis Stratton)  y la rara e infaltable en los shows de la banda, "Iron Maiden".




06. SOMEWHERE IN TIME (1986): a partir de aquí ya el orden es lo de menos, pues solo hablaremos de pura obra maestra, pilares del heavy metal y la música en general. La banda siempre ofrecía algo diferente en sus discos, y en relación a la portada futurista con un Eddie androide, el sonido tenía esa atmósfera, con la introducción de guitarras sintetizadas y una producción de sonido impecable, la banda conseguía con clásicos como "Wasted Years", "Sea Of Madness", "Heaven Can Wait" o "Stranger in a Strange Land" transportarte al escenario de la portada, increíble disco, teniendo otro tremendo álbum como "Powerslave" detrás.




05. THE NUMBER OF THE BEAST (1982): con un título y una portada como esa y en 1982, era un riesgo comercial atreverse a lanzar algo así, sin embargo fue el disco que puso a Iron Maiden en el ojo mundial, llegando al número uno de las listas británicas...el debut de Bruce no podía ser mejor, y hasta la canción que no fue incluída "Total Eclipse" es muy buena...clásicos como "Children Of The Damned", "Hallowed Be Thy Name", "Run to The Hills" y la que da título al álbum son el mejor ejemplo de lo grandioso que es este. Pero sin embargo, muchos de los que consideran en el primer lugar este álbum se preguntarán porque no está aquí en lo mas alto...bueno, "Invaders" nunca me convenció...


04. KILLERS (1981): Paul D' Anno es para muchos el mejor vocalista que ha tenido Iron Maiden, la verdad es que Paul en los dos álbumes que grabó no tiene punto bajo, pero con la voz de Bruce la banda amplió su sonido e hizo cosas que jamás hubieran conseguido con Paul. El fue grande mientras estuvo en la banda y eso se demuestra en éste disco. Debut de Martin Birch detrás de las perillas, quien le da el "sonido" a ésta banda, pasaron de sonar algo rock en el debut para sonar ya heavy metal con todo aquí... es un disco que muestra a un Iron Maiden mas duro y directo, no tan épico, puro metal con el debut de Adrian Smith y su estilo característico en los solos...Desde el inicio con "Ides Of March" se te eriza la piel y con clásicos como "Wrathchild", "Murders In The Rue Morgue", "Killers", "Purgatory", etc. la banda apuntaba a más, pero "lamentablemente" Paul fue sacado del grupo.




03. PIECE OF MIND (1983): obra maestra, debut de Nicko en batería, pero que no influye mucho a la tremenda inspiración de la banda que venía con todo después de "The Number Of The Beast", y apostó por canciones algo mas extensas como "Where Eagles Dare" y "Revelations" desde el inicio, sólo Maiden podría tener los huevos para eso...a parte de las canciones mencionadas se extraen clásicos como "Flight Of Icarus", "Die With Your Boots On", "The Trooper", "Still Life", etc...






02. SEVENTH SON OF A SEVENTH SON (1988): otro disco en el que la doncella arriesgó y logró una obra maestra...éste álbum marcó el uso de teclados sintetizadores por primera vez en la historia de la banda, haciendo un disco con atmósfera conceptual y que inquietó a los seguidores por el producto final...el resultado dió clásicos como "Moonchild", "Infinite Dreams", "The Evil That Men Do", "The Clairvoyant", etc...¿porqué está en segundo lugar? culpen a "Can I Play With Madness"...





01. POWERSLAVE (1984): totalmente mi favorito, clásico de clásicos, con esa portada monumental, y el toque de Martin Birch para darle ese "toque" que no se como lo logra, pero te lleva al ambiente que muestra cada portada de la banda. Aquí aparece la fórmula que usarían muchas de sus canciones en el futuro, con "Aces High"...este fue el punto cumbre de creatividad del quinteto británico, el de las canciones veloces, el de las canciones épicas y misteriosas, el disco donde la dupla Smith/Murray imponen su sello de guitarras gemelas por doquier...el sonido se hizo tan distintivo que cuando fueron invitados a participar al "We're Stars" de Ronnie James Dio, el solo que ejecutan es a guitarras gemelas...pues "eso" era Iron Maiden...Steve Harris en éste disco está a un nivel tremendo como compositor y bajista también, se luce en todas las canciones, especialmente en "Rime Of The Ancient Mariner", la misma "Powerslave", Bruce forzando su voz al extremo pero sin llegar a sonar mal como ahora...Una vez le preguntaron a Kai Hansen (Helloween, Gamma Ray) sobre que se sentía ser pionero de un estilo (power metal) y el dijo que no se sentía así porque lo único que hacía era tratar de lograr la velocidad de Iron Maiden en "Powerslave"...tremendo disco, sin duda lo mejor de la bestia.

                                 

                                 Tilburgo, 2 de noviembre del 2012



Los integrantes de W.A.S.P  suben al escenario de un Poppodium 013 abarrotado, por delante aguardan casi dos horas de fugaz repaso por la carrera de la banda liderada por Blackie Lawless, "30 Years of Thunder" es el tour definitivo que colocará al espectador bajo la piel de quien fuera un animal del espectáculo.

Lawless aguarda infranqueable detrás de una barrera que solo él puede ver, más allá del distanciamiento físico entre la audiencia y la puesta en escena, el artista se encuentra ya a kilómetros de su representación; y no es éste, ni por un instante, el de aquel provocador quien valiéndose de la más sexista y degenerada parafernalia llenaría de connotaciones sexuales y de visiones sombríamente apocalípticas los ojos y oídos de miles de jóvenes estadounidenses, motivo por lo que la PMRC (Organismo de censura estatal) lo declararía enemigo público número uno de los Estados Unidos de América. De aquel hombre ya no queda nada, por el contrario; la sumisión de semejante fuerza histriónica ante el sosiego que emana su figura en la actualidad recuerda a la mansedumbre con la que se comporta un depredador que es desprovisto de sus instintos más primitivos.


De un momento a otro sucede lo impensado, a medio concierto Blackie Lawless se quiebra,  tal es su estado de vulnerabilidad que a duras penas puede sostener la línea vocal de la canción que está interpretando, los sentimientos parecen encerrarlo en el tiempo y los recuerdos lo arrastran hacia un vaivén emocional que parece expulsarlo hacia un extremo del escenario, desde donde observa con la mirada fija, como buscando el equilibrio entre los elementos del entorno, la serie de imágenes proyectadas desde una pantalla lateral al entarimado; es entonces que se ve incapaz de reprimir las lágrimas echando a llorar amargamente de espaldas al público.

El fantasma de la opera rock

Pero, ¿qué es lo que pudo haber ocurrido para que aquel tipo, reacio siempre a demostrar emoción alguna, haya llegado a tal nivel de sensibilidad?, más allá del sofocante acaparamiento  descrito por muchos de sus colaboradores más cercanos, entre ellos Chris Holmes (ex–guitarrista),  quien afirma que convivir con Lawless “convirtió en miserables 20 años de mi vida”, tildándolo de déspota narcisista al que solo le interesa el beneficio propio sin importarle las necesidades de los demás.


Esta notable falta de empatía es conocida por estar acompañada de explosivos estados de efervescencia pura , así lo atestigua Holmes en una entrevista del 2011, al recordar un duro invierno de 1985 en el que Metallica y Armored Saint giraban como bandas soporte para el Winged Assassins Tour , seria en Boston donde un joven Lars Ulrich seria largado del camerino de W.A.S.P. por un iracundo Lawless, a quien no le importó que el baterista haya ingresado con la intención de pedir solo un calefactor para el frío, un indicador más de su compleja personalidad que esta vez fluye incongruente ante el desborde de sus emociones, esas que se hunden en el pecho y cortan palabras convirtiéndolas en simples balbuceos. Blackie Lawless llora como un niño y las razones tal vez puedan encontrase en sus recuerdos del pasado.  

Aquel 2 de noviembre del 2012 , horas antes de su concierto en los Países Bajos, el líder de W.A.S.P. recibiría la llamada de su hermana Brenda quien le anunciaba el fallecimiento de su hermano mayor Clifford L. Duren , figura capital que sin duda marcaría su personalidad y el posterior proceso de adaptación en sus aspiraciones de convertirse en estrella del rock and roll. El tacto de Clifford para comprender y aceptar al pequeño Steven (Verdadero nombre de Blackie Lawless)  fortalecería aún más sus vínculos en contraposición a la jerarquía impuesta por su familia quienes pretendían diferenciarlos con absurdas comparaciones ; según cuenta el vocalista, él refleja la inspiración para el concepto del disco “Crimsol Idol”: «Fue mi mentor en todo. Muchos de los consejos que me dio los sigo usando hoy en día. Cuando era niño era mi ídolo». 

                                      
                                              
                                                    
              
Steven Edward Duren nace el 4 de Septiembre de 1956 en New York y su interés por la música se asentaría desde el momento que su hermano mayor compró una guitarra, este hecho le brindó la oportunidad de nutrirse del sonido de los años 60 y abrazar la gran eclosión de grupos que gran influencia en las posteriores décadas.

De esta etapa serán los británicos The Who, pioneros en pasar del rock convencional a la gran ópera rock , la influencia definitiva para sus futuras pretensiones musicales: las de crear un álbum conceptual que repase la memoria personal con el mayor ahínco posible, el de la necesidad de quien espera crearle un futuro al pasado, el de una expurgacion discursiva que convierta heridas en himnos de dolor y gloria, en pura rabia y desdicha que no sabe de perdón,  ni de culpa,  ni pide tregua en su afán por encontrar un escape por medio de la manifestación artística.

El 1 de agosto de 1992, se llegaría a este cometido con la publicación de “The Crimson Idol”, álbum en donde mito y realidad se re-constituyen el uno sobre el otro para dar forma a una incomparable obra maestra.

Ten cuidado con lo que deseas,puede convertirse  en realidad.

¿Steven Duren, Blackie Lawless o Jonathan Steel? 
Se tenía pensado que Crimson idol fuera lanzado como un proyecto solista, sin embargo; el disco es concebido como la quinta producción de W.A.S.P. debido a presiones comerciales, algo premeditado que garantizaba el flujo de ingresos ante la gran debacle noventera del heavy metal tras la explosión grunge en el mundo. Blackie, quien  tardó en grabar y producir el disco cerca de 3 años, invirtió ingentes cantidades de dinero en el proyecto con el objetivo de obtener el total dominio creativo sobre la producción y el concepto final de la obra,  como anticipándose a la crisis, no se le ocurrió mejor idea que acondicionar su propio estudio, contratar su propio ingeniero de sonido y grabar todo bajo su única perspectiva para así evitar                                                                                                               cualquier interferencia externa que                                                                                                          tergiverse el significado del mismo.

De esta manera, se estructuraría cada detalle desde el aislamiento absoluto, elaborando  el contexto necesario para la trama, el perfil psicológico de sus personajes, y sobre todo, un discurso de carga emocional tan fuerte, que iría acompañado de un soberbio material audiovisual como fiel representante del grado de simultaneidad entre los contenidos, una idea que ya venía rondando su cabeza tras hablar con un director de videoclips sobre la posibilidad de escribir un guión para una película.


                     
                                      
Esta vez el acercamiento cinematográfico tendría la facultad  de ampliar el cuadro de referencia de una forma articulada, la música compuesta a manera de soundtrack estaría reforzada por un cortometraje de 60 minutos de duración llamado: La historia de Jonathan Steel,  inédita hasta hace poco y cuya idea original fue incluirla como parte del lanzamiento de 1992. La primera versión aún se puede encontrar en algunas plataformas de forma gratuita, pero gracias a Napalm Records, se cuenta con una remasterización digital de notables mejoras técnicas, donde se ha restaurado imagen y sonido para añadir arreglos que complementen varios segmentos de la obra. Desde el 2018, ambos trabajos: película  y banda sonora en conjunto, fueron editados bajo un solo producto con el nombre de: "ReIdolized (The Soundtrack To The Crimson Idol)".






Volviendo al trabajo en estudio, el contar nuevamente con el respaldo de Frankie Banali en la batería fue una bocanada de aire fresco ante la abrumadora magnitud de un proyecto tan ambicioso en detalles de ámbitos tan diversos, en esta situación es casi imposible mantener el control total, en especial cuando se está al límite del bienestar físico y mental, como diría el propio Lawless: “A mitad del disco yo estaba literalmente fuera de mí, medio loco, y es que había trabajado hasta un punto en el que estaba enfermo todo el tiempo”, sin la ayuda de Banali tal vez no se hubiera conseguido restablecer una visión lucida y clara de los objetivos , y es que el excesivo entusiasmo y la fatiga acumulada por largas horas de trabajo amenazaban con afectar la salud mental de su principal gestor. 

Otro aporte trascendental fue el de Bob Kulick, nacido el 16 de enero de 1950 y oriundo  también de Nueva York, creció en el núcleo de una ciudad de constante agitación social, enfrentada en una lucha visceral contra el conservadurismo republicano y los ideales libertarios de mediados del siglo pasado, muchas generaciones crecieron con la desavenencia de vivir entre el errante accionar político y el antiguo ideal civil de vida americana, de esta desconformidad generalizada es de donde emergerían géneros musicales novedosos como el punk, el disco y el hip hop. Ser parte de una escena tan prolífica como la de nueva york tendría contribuciones significativas en cuestión de técnica y estilo para su formación como guitarrista.

Bob Kulick

                       
No sería hasta 1973,  con la llegada de cuatro extravagantes personajes armados  de trajes platinados y  estruendoso maquillaje, que se establecería un vinculo de beneficio para su carrera.
Un año antes, Bob Kulick audicionaría como guitarrista de Kiss en competencia con Ace Frehley, a quien finalmente le fue dada la vacante, tras la primera deserción de este último en 1977, a Kulick se le abrirán las puertas nuevamente con una seguidilla de colaboraciones que incluyen discos como el “Kiss Alive II”, donde su aporte sería consensuado bajo el estricto anonimato por Gene Simmons, pasando por “Unmasked”, “Creatures Of The Night” e incluso “Killers”.

Alcanzada ya una sólida reputación fruto del trabajo con artistas tan dispares como Lou Reed, Alice Cooper, Michael Bolton o Diana Ross, su llegada al Fort Apache Studio (construido especialmente para la grabación del "Crimson Idol"), sería de suma importancia debido a la basta variedad en sus dotes como guitarrista. En base a su experiencia, supo captar con emocionante fidelidad receptiva la carga emocional latente dentro y fuera del estudio, valiéndose de una aguda sensibilidad para interpretar los sentimientos ajenos y transformarlos, al compás del pulso de sus dedos, en lineas melódicas que fluyen a plenitud libres a través de la música, en palabras de Lawless: Bob Kulick vino y tocó algunas partes solistas de guitarra y algunas veces sus dedos podían sangrar en las duras y largas sesiones de grabación. Él hizo un trabajo lleno de maestría. Algunos aportes más,  como el de  Ken Hensley (ex-Uriah Heep) no se tomaron en cuenta por motivos fortuitos, finalmente la formación que grabaría en estudio difiere bastante a la que promocionaría el disco, los integrantes de "Crimson Idol Tour" harán su debut el 26 de julio de 1992, con la presencia de  Doug Blair en la guitarra ,  Johnny Rod en el bajo y Stet Howland en la batería en reemplazo de Frankie Banali, debido al duelo que atravesaba por la muerte de su madre.


 A través de los ojos de Jonathan Steel

No es fácil interpretar a un personaje en la vida real, colocarnos una máscara con la que jugar a ser cualquier cosa, en algún momento de nuestra vida nos daremos cuenta que no es mas que una farsa, Blackie Lawless comprenderá tardíamente que es necesario dar sentido al pasado para reformular el presente, aunque eso implique echarle sal a la herida. Mediante la figura del narrador, se hace una proyección ficcional de la persona real tras la representación del hijo no amado, hermano doliente , músico incomprendido, ídolo de barro. Todos viven en un espacio fielmente representativo al hostil y sórdido mundo de la industria musical, ultimo bastión del personaje en su afán por la mas profunda aceptación , al verse negado en todo momento y en todo lugar, el amor como único estandarte para su vida. Bienvenidos al show, la historia de Jonathan finalmente esta aquí.

The Titanic Overture (Preludio titánico)



"Me míro en el espejo ... Y no entiendo ... No me siento como un niño, ahora no está claro ... Pero tampoco me siento como un hombre en ningún momento".

En esta confesión introductoria, Jonathan no solo cuestiona su aspecto físico frente al espejo, vera en la desnudez de sus creencias, de sus objetivos y de sus emociones el reflejo de su inacabada identidad, la que parece preguntarse: ¿quién soy en realidad?, 
sumergida en la penumbra que envuelve a los que no se atreven a contestarse, a reconocerse y aceptar que, del otro lado, la luz no se enciende porque a nadie le interesa ver mas allá de su propia oscuridad.




The Invisible Boy (El chico invisible)

"Yo era el niño no deseado ... un prisionero ... (...) ... Mi hermano era el único ... (...) y, allí estaba, muriendo bajo su sombra".

Jonathan, hijo de Willian y Elizabeth Steel, vive inmerso en el mundo interior que asoma tras su espejo, donde el tiempo pasa inadvertido mientras su vida discurre ajena al lugar de hijo que le corresponde en su familia, una condición esquiva debido al insondable espacio que lo separa de su hermano mayor Michael, referente impuesto por su padre quien ignora a Jonathan con total apatía por considerarlo inferior a sus expectativas. De su vínculo con el espejo  aprenderá a contemplar el mundo desde dos perspectivas distintas, pero sobretodo, vivirá la mayor de las perdidas: el de la inocencia desprejuiciada de un niño que se ve a si mismo como parte de nada y desposeído del todo,  silenciosamente asilado desde su nacimiento al lugar de los desarraigados, de los inacabados, de los invisibles.




                  

Arena of Pleasure (Arena del placer)

"No se a donde voy, pero no puedo esperar a estar ahí ... todo lo que se es que voy solo".

La tragedia parece ceñirse sobre la vida de Jonathan, la muerte repentina de su hermano en un accidente automovilístico deja tras de sí a un doliente sin recursos para afrontar la perdida, incapaz siquiera de despedirse de Michael e ir a su funeral, pasará las horas eternamente invariables del duelo en soledad y culpa, aunque el “fantasma” del hermano fallecido esté ahí en todo momento para confrontarlo con su padre, William "rojo" como el lo llama, para quien el muchacho pasara de ser invisible a ser objeto con el que desfogar su frustración, esto lo impulsará a iniciar la búsqueda de su lugar en el mundo y del sueño utópico de ser una estrella del rock and roll.



                   


Chainsaw Charlie (Charlie motosierra)


"Son serpientes venenosas con dos lenguas ... peones y torres para el rey carmesí... (...).... ¿Y puedes oír los gritos de la máquina de la fama bajo la morgue de Charlie motosierra?"

Pasado un año de los últimos sucesos y convertido ya en un habitante nocturno para quien el alcohol, el sexo y las drogas son como fiero ardor en la hoguera de sus deseos, dejará las calles con la intención de probar suerte en el mundo del espectáculo,  apenas consciente del peligro que le acecha en el decadente y tortuoso camino hacia la fama, un novato Jonathan se encontrará frente a frente ante Chainsaw Charlie, director de una  compañía discográfica que le propone firmar "El contrato que lo llevará al lugar que ha deseado toda su vida" , desde su centro de operaciones, similar a una morgue en la que se despedazan vidas y se asesinan ilusiones, el joven aspirante quedará a merced de un embaucador cínico y sin escrúpulos que tras explotar a sus victimas, privatiza los beneficios y despedaza las perdidas.



                 


The Gypsy Meets The Boy (La gitana se encuentra con el muchacho)


"Ten cuidado con lo que deseas ... podría convertirse en realidad"


En esta canción, poseedora de una dimensión simbólica y mística que ilustra con la alegoría del nuevo espejo, que el tarot a través de su lectura representa, las fuerzas inherentes que guían nuestra intuición y a la que el protagonista acude con inconsciencia del inmenso "yo" que encierra su férrea determinación, a pesar de las advertencias de una vieja gitana que le pondrá al corriente de la gran responsabilidad de sus decisiones, lo mismo que del alto costo de su obstinado deseo de convertirse en el "Rey carmesí de un millón de personas", un símbolo de referencia; un signo visible que invoca al rojo carmesí, como el color de la guitarra que Jonathan robaría de una tienda de música para convertirla en el arma itinerante que empuñara firme tras huir de casa, dejando atrás aquel otro "rojo" que marcaría su vida materializando tangible su presencia con cada golpe de correa que abría sangrante el fluido opaco y fulgurante de su herida roja profunda.       

         

Doctor Rockter (El doctor Rockter)


"Oh, te ayudaré en este momento, amigo mío. Pero necesitas comprar. Después de todo soy tu médico"

No hay nada más peligroso que llevar una vida sin cuestionamientos en la que difícilmente se podrá transitar en un camino que no se sabe si existe. Es la temeridad con que Jonathan construye su  futuro y, sobre sus pasos, el de su inconclusa personalidad, el motivo de su actuar tan errático e irracional, en ocasiones arriesgando su integridad física con las sustancias que el doctor Rockter le ofrece, un dealer de poca monta que ademas de analgésicos, le proporciona un escape de la realidad, pretendiendo inútilmente la superación de sus carencias y limitaciones. Sus acciones ya no son un rechazo hacia la rigidez e inflexibilidad de la sociedad, ahora se trata de una evidencia de desengaño que reprime la expresión de sus emociones. Su experimentación con las drogas estará unida a la necesidad de reconocerse a si mismo en aquel espejo que lo acompaña, solo para comprobar que el brillo en sus ojos, brillo que precedió al endurecimiento en toda su actitud, ahora se desvanece cegado bajo una tumba.

                         


I Am One (Soy el único)



"Nunca mas veré mi cara en el espejo o comprenderé por que soy yo el elegido" 

Compararse a otros con el entusiasmo desmesurado que ofrece la intimidad del espejo es solo una ilusión sostenida a expensas  de lo que realmente uno siente y vive en realidad, es la reproducción falaz de una imagen distorsionada que cae en el ejercicio de la soberbia,¡Soy único!, !Soy el rey carmesí de un millón de personas!, es la mentira repetida mil veces que ahora se convierte en verdad,  detrás de la máscara del engaño y la hipocresía, una voz interior decía madre a un sueño perdido en las nieblas del recuerdo, esa voz grita con desesperación: "Madre, mira en lo que me he convertido ... me llevaras a la horca y matarás al niño dentro del hombre?".


                

The Idol (El ídolo)


"Si tan solo pudiera pararme y mirarme en el espejo, Que es lo que        vería?, a un héroe caído con un rostro igual al mio"

El viaje utópico de Jonathan ha naufragado en el santuario de la frivolidad, y en sus altares se quema un incienso más cínico que devoto. Rodeado de un enjambre de aduladores que han hecho de su imagen un delirio y del desenfreno su ruina. Ser
á en un momento de lucidez cuando aparezca la lozana luz del arrepentimiento, mientras Jonathan alza el teléfono, una idea permanecerá fija e imborrable en su mente: "Solo el amor me hará libre" recuerda al marcar aquel número con la misma rapidez con la que su corazón late, y el flujo de su respiración llevará consigo el deseo de los que buscan refugio en el amor incondicional de una madre, tras un último sobresalto, sus ojos caerán prisioneros de la tristesa que recorre la humedad de su rostro: "No tenemos ningún hijo", diría la voz que ansiaba escuchar, y con estas palabras el recuerdo de una ultima revelación que el tarot proyectaría como espejo de su cruel destino: "El rostro de la muerte lleva la máscara del rey de la misericordia"


                       


Hold on to my Heart (Aférrate a mi corazón)

"Hay una llama, una llama en mi corazón ... Y no hay lluvia que pueda apagarla"


El perdón llega cuando reconoces que nunca hubo nada que perdonar, que el consuelo puede brillar como una antorcha en los lugares mas oscuros del corazón aunque se es consciente que estamos a un soplo de apagarlo.  "No me dejes ir, por que todo lo que soy tu lo sostienes en en tus manos", es el clamor de quien se aferra hacia el principio de que todo termina con un salto al vacío.


                   



The Great Misconceptions Of Me (Los grandes conceptos erróneos sobre mí)

Jonathan sube al escenario de un coliseo totalmente abarrotado, por delante aguardan un millón de ojos que observan la estela fugaz que la estrella deja en su viaje hacia la lumbre incandescente, todos espectadores bajo la piel bruñida en candentes lenguas de fuego que consumen lo ultimo bueno que queda de él.

"Bienvenidos al espectáculo, el gran final por fin esta aquí", les dice a sus invitados, "Gracias por venir a este mi teatro del miedo".

Ahora no existe barreras para mirar hacia el interior del sepulcro vacío en donde descansa una ilusión desvanecida por el tiempo. "¿Te acuerdas de mí?, m
adre tu nunca me necesitaste, ahora no puedes salvarme", y la voz del niño se pierde rezagada a kilómetros de la representación del hombre.  "Soy un prisionero del paraíso con el que soñé , El ídolo de un millón de rostros solitarios"


Como un espejo sobre la superficie opaca de su espíritu, el tarot revela la carta del sacrificio : "El rostro de la muerte lleva la máscara del rey de la misericordia", y en su reflejo se delata al habitante de dos mundos opuestos que no podrá vivir mas prófugo de una decisión, el de ser esclavo de la materia o necesitado de la redención. "¡Viva, viva el Rey de la Misericordia!, grita con la fuerza con que la voluntad dota a los que han decidido abrazar la resignación.

"No soy ningún ídolo, ni Rey Carmesí, Soy el impostor, el mundo ha visto que mi padre era el ídolo, jamás lo fui yo, No quiero ser el ídolo carmesí de un millón de ojos". Jonathan sabe que necesita sobrepasar el límite para salir de la profundidad en la que se encuentra y la señal se extendería como una cuerda hacia sus brazos, sentirá la textura metálica fría entre sus dedos, y por un momento pudo haberse aferrado a ella con la fuerza del amor como único estandarte de su vida, sin embargo; ajustará el nudo con la destreza con que se presiona un torniquete, y su garganta consumirá el ultimo aliento ahogando sus palabras, sólo se escuchara gritos en el teatro del miedo, y en el centro del escenario lo sagrado y lo profano danzan juntos hasta llegar a la catarsis. Redoble de tambores, el espectáculo ha terminado: Larga Vida, Larga Vida al Rey de la Misericordia.



                     
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