Los auténticos y más queridos ex miembros de la legendaria banda española Mägo de Oz: Jose Andrëa,Frank, Carlitos y Salva, llegan a Lima bajo el nombre de KABRÖNES, para traernos temas de LA MEJOR época de Mägo de Oz. La banda la completan los miembros de la increíble banda española RUNA LLENA: Joaquín Arellano “El Niño” en la batería, Santiago Vokram con su violín y Edu Ortiz en los teclados.
Con una trayectoria musical que abarca décadas, los miembros de Kabrönes son conocidos por su influencia y contribución a la música rock, metal y folk. Su tiempo en Mägo de Oz les ha otorgado una gran base de seguidores leales en todo el mundo y canciones icónicas que han perdurado a lo largo del tiempo.
La formación de Kabrönes ha despertado una gran expectación en la comunidad de seguidores del rock, y su concierto en Lima se ha convertido en uno de los eventos más esperados de la temporada.
Kabrönes hará su debut en Lima en el marco de su gira “No perdamos más el tiempo - Tour 2023” y nos traerán canciones de los discos que hicieron que Mägo de Oz sea lo que es hoy: Jesús de Chamberí, La Leyenda de la Mancha, Finisterra y Gaia. Este impresionante concierto promete ser un evento imperdible para los amantes del rock. Tendrá lugar el sábado 2 de diciembre de 2023 en el Círculo Militar de Chorrillos, ubicado en Alameda Ayacucho 131, Chorrillos, Lima.
Precios entradas preventa:
Platinum: S/ 255.00
VIP: S/ 189.00
Preferencial: S/ 135.00
Meet & Greet: S/ 220.00
Fecha:01 diciembre – 7:00 pm
Lugar: Calle Ernesto Diez Canseco 344, Miraflores
Foto con la banda
Firma de merch (hasta 3 artículos)
Afiche autografiado
Polo oficial de la gira
Credencial de M&G
Ingreso temprano el día del concierto 02 de diciembre
*La entrada al concierto del 02 de diciembre se vende por separado.
¡Ven a revivir las mägicas canciones que hicieron historia!
CONCIERTO:
Sábado 2 de diciembre del 2023 Círculo Militar Chorrillos / 19 Hrs.
Desde España, nos visita la reconocida banda Lèpoka, para armar, junto al público peruano, una real fiesta con su estilo muy particular de folk metal que invita a bailar gracias a sus violines, gaitas, flautas y acordeones; y que ellos mismos han bautizado como “folkoholic metal”.
Esta banda, relativamente joven pero que lleva ya a sus espaldas dos colaboraciones con coterráneos como Saurom o el vocalista de la banda Ska-P, llegará por primera vez a Lima en el marco de su tour “El último baile 2023”.
Lèpoka, activa desde el año 2009, es una banda en constante crecimiento y que disco tras disco se ha ganado el respeto de la escena metal en España, y ahora sale por primera vez a conquistar el resto del mundo.
Los valencianos tienen 4 álbumes en estudio y videoclips (adjuntos debajo) en los que se puede apreciar su puesta en escena, que incluye la vestimenta habitual de los músicos, que es similar a la que usan los monjes españoles.
La banda encargada de abrir el show será la banda peruana Saloma.
Sobre Saloma
Como parte del apoyo que da Tarkus Producciones a las bandas jóvenes y emergentes, se ha invitado esta vez a la banda local Saloma.
Saloma es una banda de Folk Metal, formada hace poco en Lima, y que está ad-portas de sacar su primer álbum.
La agrupación está muy influenciada por el folk metal español, en especial por bandas como Saurom, Mago de Oz y los mismos Lèpoka.
Hasta el momento han sido parte de conciertos dentro de Lima y han abierto conciertos de bandas locales como Flor de Loto.
Lepoka se presentará por primeras vez en Lima este viernes 3 de octubre en el C.C. Festiva del Centro de Lima.
Según la información que viene dentro del promocional de este primer álbum de los argentinos de Hellige, este “Camino de Agua” estuvo en la incubadora 7 años, añejándose como un buen vino. Y déjenme decirles que esos años no pasaron en vano, donde tengo que recalcar sobre la música, ya que es interesante como este 2021 trajo 4 de los mejores álbumes latinos de este año, porque primero fue Los Males del Mundo, luego Cernnunos, de ahí Tumba de Carne y finalmente tengo el agrado de escuchar la primera producción de Hellige. Quienes mezclan influencia doomers con voces agudas y gruesas en la guturaciones, dándole una mezcla sabrosa de elaborar música, además y como primer punto, existen elementos modernos y disonantes que encajan perfectamente con todo este ambiente Doom Metal que lo hace único y rico en influencias. Además, siempre pensé que el lado disonante y funeral pueden tener una coyuntura musical interesante si las mezclas se hacen correctamente, y dentro de este “Camino de Agua” pues las cosas se hacen lucidas y vibrantes.
Conversaba con un amigo acerca de cómo una banda se diferencia del inmenso mundo de bandas que salen todos los años, meses y días o inclusive hasta horas. Y dentro de esta conversación se regresa al pasado, diciendo que los origenes son determinadas bandas, y de como estas lograron influenciar al genero y bandas de hoy, pues dentro de ese sentido se llegó a la conclusión, cuando escuchas una banda X y solo puedes denotar atisbos de otros estilos o bandas, y no puedes decir completamente que se parece a una determinada banda, es que el efecto sonoro de esa banda X cumple el cometido de encontrar una semilla que sabe hacer las cosas a su manera. Y eso es lo que tiene Hellige, porque puedes encontrar desde disonancia conocida en los 90s, luego Doom Metal al estilo finlandés, algunos momentos noruegos en su sonido y finalmente partes desoladoras que hablan del carácter de la banda. Y por un momento, tuve la sensación de estar escuchando a una banda como los chilenos de Mar de Grises con su popular estreno “The Tatterdemalion Express” (2004), pero no con el ambiente de sonar distinto, sino con la idea de hacer las cosas bien y que tenga una característica particular entre manos.
“Las Urnas Basálticas” son una clara demostración de como la banda hace su propio camino en cada segundo, y el detalle que cuenta, es que la música tiene una amplia gama de influencias, y al ser la canción más larga existe una idea clara de como la banda hace las cosas desde momentos ultra densos y desoladores, luego notas provistas de esquemas disonantes que terminan a una candencia dura y de golpes sencillos en la batería. Donde el factor de adentrarte a varios espectros, mundo lúgubres y provistos de muchas texturas, auras y guitarras de muchos enfoques, demuestran que la banda tiene una paleta infinita de colores que vuelven a crear ambiente en “Interludio”, “Plata”, “Hueste” o la más adictiva de todas “Vestigio”, la cual gira en torno a tres riffs, pero que manera de disolver los sonidos en cada nota y que estos lleven un compase digerible y puedas ver un horizonte desolador, donde la olas de mar al final de la canción, son increíbles, porque pude sentir el mar en la punta de los dedos y la arena entrándose entre mis dedos, y el viento frígido que viene de mar adentro con cada ola.
"Camino de Agua” es un excelente inicio de Hellige, no tiene nada que reprochar a otras bandas de metal extremo o bandas europeas o estadounidenses, quienes están a flor de loto con esta clase de experimentaciones. Es bueno ver que un país latino está tomando la batuta de irse por nuevos rubros metaleros, y puedo decir que ahora estamos en la idea de mejorar y apoyar estas bandas que son el futuro de este continente que sigue empecinado en encontrar el mismo sonido chacal y aburrido de diez mil bandas en un compilado de cualquier borrachera. Felicitaciones por este trabajo a Hellige, esperemos escuchar muy buenas noticias por parte de esta banda que tiene mucho futuro en tierras europeas y estadounidenses. Altamente recomendado.
Creo que casi todo el mundo metalero escucho a Deafheaven con “Sunbather” (2013), un disco que tenia Black Metal en las voces, luego muchas dosis Shoegaze, Post Metal y toda esa corriente que hoy está a flor de loto en muchas partes del mundo. Además de que este disco fue seleccionado por muchos medios metaleros en todo mundo dentro de los mejores 20, 10, 15 o cuantos hayan sido álbumes de la pasada década. Pero desde el enfoque metalero y convincente, su música no salía de un buen rock inglés con efectos metaleros que no fue sorpresa en su momento, porque había muchas bandas Doom Metal que ya habían jugado con ese tema en los 90s. Entonces ¿Dónde residía la maravilla de este álbum?... Pues es sencillo, en solo ponerle una voz Black Metal y decir que tienen algo que ver con es estilo, y gracias a ese detalle la banda siguió dentro de su camino musical por más producciones en estudio con “New Bermuda” (2015), “Ordinary Corrupt Human Love” (2018) y este “Infinite Granite”. El cual termina de posicionar a la banda donde yo los vi en primer lugar, como una banda llena de mucho rock y nada de metal en su música.
Quizá la mezcla de cosas shoegaze y post hayan jugado un papel importante en su momento con Deafheaven, pero ahora tener una banda rock sin muchos detalles y influenciados por bandas como Coldplay o bandas hasta Klimt 1918 ya se escucharon muchas veces. Es de esas bandas para escuchar viajando en el bus a través de la lluvia, o como tener un comercial de estar caminando bajo un puente experimentando cambios estacionales que pueden ser representados en una película independiente de pocos recursos. Quizá muchos digan que esto es metal o quizá otros digan que no, pero tampoco se puede tapar el sol con un dedo, porque es rock en toda la función de la palabra, no hay más. Y si por ahí quieren colocarle algo más, pues pónganle rock melancólico y listo. Entonces, al definir ese camino musical y sin ataduras existenciales de por medio, la música de este “Infinite Granite” a pesar de tener una gran producción y grabación es algo que ya escuché con Klimt 1918, no me motiva a seguir reproduciendo más el disco, pasa desapercibido a nivel general desde que empieza con
“Shellstar” y termina con “Mombasa”. Con esa idea de baterías sencillas, muchos efectos analógicos en su tablero de pedales, guitarras que siguen dentro del mismo por más de dos minutos y al final el teclado que le da ese ambiente de muchas texturas.
En algún momento de mi vida quedé maravillado por lo que hizo Klimt 1918 con sus tres primeros álbumes, y es algo que jamás pude ver en Deafheaven desde su reventón en “Sunbather” (2013). Porque era música reciclada y sin personalidad que ya la había disfrutado en su momento, y claro que para aquellas personas que nunca se asomaron en la otra banda italiana, pues jamás podrían entender de que iba el sentido de Deafheaven y ahora con “Infinite Granite” es lo mismo. Hay cosas para destacar, pero al final su secuencia y patrón de ritmos se hace continuo y repetitivo, como que ya sabes donde va a pisar el delay y cuando va a cambiar de pedal análogo, así de sencillo. No es malo, pero tampoco es algo que volvería a escuchar, y si te gusta la idea de tener experiencias psicológicas transformativas y todo ese detalle millennial, pues este disco será tu dulce de cosas super conocidas en el mundo del rock.
Así como el Thrash Metal y Heavy Metal tradicional están de regreso con muchas bandas y producciones alrededor del mundo, estos últimos 5 años, el Power Metal en todas sus variantes está tomando fuerza con nuevas producciones y bandas. Y tuvimos las nuevas producciones de Vision Divine, Labyrinth, y ahora Helloween; además de mencionar que Rhaspsody of Fire regresa con nuevo EP. Entonces, todos estos detalles demuestran que posiblemente estemos viviendo una nueva ola de bandas Power Metal, y este proyecto del noruego Marius Danielsen lo prueba, porque este señor tiene tres álbumes bajo el nombre de Marius Danielsen's Legend of Valley Doom. Donde la idea sinfónica y de opera metal de bandas como Rhapsody y Avantasia está a flor de loto.
Las tres producciones, desde el 2015 tienen invitados de muchos personajes conocidos y desconocidos, y otros sin identidad como el imitador de Bruce Dickinson, Rapahel Mendes. Donde el detalle de los invitados es para darle mayor majestuosidad a los ritmos sinfónicos que se encuentran en toda la música de la banda. Entonces, hablar de cada invitado sería pasarnos hojas y hojas de reconocer los timbres conocidos y desconocidos, así que nos enfocaremos en lo que presenta todo este proyecto de opera metal y sinfónico. Ya que, en ese sentido, sus influencias son marcadas, al hecho de tener escuchar algunas partes como “For the King… For the Land…” un coro muy parecido a lo hecho por Rhapsody en “Emerald Sword” de su álbum “Symphony of Enchanted Lands” (1998), luego la unión partes sinfónicas con interpretación de muchas voces en los ritmos, tiene mucho que ver con Avantansia. Quizá ese sea el punto negativo de todo el disco, que hay muchas cosas conocidas en todas las canciones, y que hasta se pueden decir de que bandas tiene influencias. Pero al final, existe un hibrido, que no tiene la necesidad de original, sino ser efectivo y transportarte con cada historia a esa época medieval y gloriosa del Power Metal.
Desde que todo empieza con “Seven Ancient Artefacts” y termina con “For Our King and for Our Land”, la época dorada del Power Metal regresa a la mente, y en lo personal, este disco llegó a mis oídos cuando estaba en mi momento del recuerdo con bandas como Vision Divine, Rhapsody, Sonata Arctica, Stratovarius, Helloween, Gamma Ray y muchos más. Por lo que, encajo perfectamente dentro de las sensaciones de este estilo y vivir cada una de las historias que tiene esta banda noruega, que como lo dije, aunque haya cosas conocidas, se tiene efectividad en sus sensaciones, y es de eso que al final trata la música. Que esta pueda levantarte unas cuantas hebras en el cuerpo y así disfrutes el álbum una y otra vez en su tercera parte como banda, donde no es necesario escuchar las primeras producciones, porque es un estilo musical sencillo de entender y sentir.
“Marius Danielsen's Legend of Valley Doom Part 3” tiene grandes momentos y muy buenas ejecuciones de todos los músicos invitados, además, la mayoría de estos tienen bastante trayectoria dentro de la música, y estos detalles realzan el disco como una banda pomposa en su música, y que el lado sinfónico da la posibilidad de tener este ambiente de muchos invitados. Buen disco de Marius Danielsen, y recomendado para los amantes del estilo. Esperemos que la banda no siga con este trayecto de parte 1, 2, 3 o cuantas partes esté pensando este músico, porque ahí si es que todo se va a poner aburrido y trillado en su futuro, y tendrá el mismo futuro que los alemanes Metalium. Por ello, a tratar la siguiente producción con cuidado y crear otros mundos mágicos y medievales dentro del universo Tolkien-niano, y si no, hay muchas historias y leyendas que tienen para ser explotados en el mundo.
Estilo Musical: Nu Metal / Industrial Metal / Eletronic Metal
Recuerdo cuando bandas como Deftones, Static X, Korn, Linkin Park y toda esa corriente alternativa y nu metal que estaba saliendo, recibía un gran rechazo por toda la comunidad metalera y era imposible que estos mundos se podían juntar, siendo increíble aquellos años, porque ambas escenas pertenecían a la misma corriente rockera. Pero el mundo es extraño muchas veces, porque debido a ese arraigo al pasado o como solían ser las cosas, uno se apega a ese sonido conocido de manera nostálgica, esperando que estas cosas jamás cambien, por más que escuches nuevas bandas con ese sonido que te hizo adentrarte a este mundo inmenso de distorsiones aceleradas, brutas, oscuras y muchas veces de canticos extremos que eran manifestados por la alta demanda de bandas que solo hablaban de satanás y eso detalles. Bandas como Static-X no existían en el panorama, por solo el hecho de que para los fanáticos esto no era considerado metal o alguna clase de estilo relacionado, pero más de veinte años después, las cosas son innegables dentro de cada álbum de esta banda estadounidense, que a pesar de la muerte de uno de sus miembros más extrovertidos que fue Wayne Static, este nuevo álbum “Project: Regeneration Vol. 1”, es posiblemente la manera correcta de regresar a este monstruo a su corriente electrónica, nu metal e industrial de grandes composiciones.
Cuando Static-X estaba a flor de loto dentro de muchas producciones a inicios de los 2000s, siempre un lado de los oídos extremos se resistía a reconocer el potencial de una banda como está, pero ese sentido cambio de manera completa cuando los escuchas en vivo y aunque no fue con Wayne Static el concierto que presencie, pues de verdad no importa, porque el reemplazo actual que es Xer0, tiene las cosas claras cuando hace las actuaciones en vivo y por lo tanto que vas a tener con “Project: Regeneration Vol. 1” es lo mejor que vas a encontrar en el mercado nu metal, industrial y electrónico de este 2020, porque es una banda que balancea perfectamente estos elementos y estilos, para encontrar un disco completo desde que se inicia con la introductora “Regenaration” y termina con “Dead Souls”, donde la música es la que conoces de la banda y la voz de Xer0 es la correcta, además que, la parafernalia de usar una máscara de Wayne Static es la exacta idea para que quedes pegado a la música de Static-X por lo que se va a venir. Quizá dentro de este punto algunas cosas no sean como antes en la banda, y eso juegue dentro de la idea de algunos fanáticos, pero creo que aquellos que digan que no escucharán este nuevo álbum porque no ya no esta Wayne, pues se equivocan completamente, ya que ahora Static-X esta mucho más intenso, fuerte e inclusive se podría decir que tiene mucho más dosis metaleras que discos previos, y eso es lo interesante a nivel de su nuevo vocalista, quien no solo llegó para continuar con el legado de alguien más, sino continuar con la idea de la banda y hacerla más intensa.
Una gran ventaja de escuchar “Project: Regeneration Vol. 1” sea en estudio o en vivo, es que utiliza todo el despliegue de sus influencias para encontrar momentos memorables en todo sentido, donde existen momentos psicóticos que se fusionan con su lado industrial de una manera impresionante. Y eso es lo que importa al final de todo, porque se tiene a una banda revitalizada a nivel general, además que Xer0 no quiere imitar al Wayne, y eso es lo más interesante de todo.
Uno de los estilos que esta comenzando a tomar más fuerza estos últimos años, son las fusiones con lo Speed, Thrash Metal y Black Metal. Los cuales no serán estilos innovadores o que vayan a la par del pasó moderno que tiene el Heavy Metal; pero eso no importa, ya que la manera de transmitir su música en esta mezcla, es quizá una de las mejores, porque te ayuda a seguir con la misma sintonía todo el tiempo, y probablemente sea la mejor mezcla que tiene el Thrash Metal con otro estilo. Porque como se dijo en muchas reseñas dentro de las páginas de Dargedik, este estilo es uno de los más estancados en ritmos e ideas, pero no es algo que el estilo lo haya buscado, sino que, dentro de sus esquemas y patrones característicos en cuatro o cinco riffs de una canción, estos terminan con la misma cadencia de notas. Las cuales, al salirse solo unos segundos de ese patrón característico o colocarle una nota distinta para que sea más grave o agudo, el sentido puede irse al Heavy Metal o Death Metal. Entonces, es algo innato de estos esquemas que todo se encierre en ritmos característicos, pero, esto no pasa cuando este estilo se mezcla con el Black Metal, porque al tener una apreciación aguda en sus ritmos, este se conecta perfectamente y lo hace parecer increíble, ya que se desenvuelve mejor en los ritmos grupales, y más aún, si este tiene notas Speed dentro de todo. Siendo el caso de esta cuasi novel banda escocesa de Hellripper y su segundo álbum en estudio “The Affair of the Poisons”.
Uno de los detalles que se puede caracterizar dentro de las bandas Black Metal a nivel mundial, es que muchas veces las bandas son formadas por un solo miembro. Siendo esa la característica que tiene Hellripper, al ser formada por James McBain, único miembro de la banda y quien se encarga de ejecutar todos los instrumentos. Pero en comparación de muchas bandas de Black Metal, la ejecución de James es muy lucida y cuidada, manteniendo esa idea blacker en la simplicidad de sus ritmos e inclusive colocándole momentos frígidos, y al mismo tiempo dándole ese enfoque Speed que la banda tuvo desde su primer álbum “Coagulating Darkness” (2017). Teniendo una idea muy alejada de solo enfocarse en ese sonido crudo y arcano que bandas de Black Metal tiene por costumbre transmitir su ferocidad, salvajismo, o lo que quieran transmitir; y visto desde ese punto, este escoces se distingue del resto de bandas por la excelente ejecución de todos los instrumentos y el gran sonido que este logro en su primera producción y en esta segunda “The Affair of the Poisons”. Porque no es necesario complicarse para hacer la música más interesante del mundo, sino lograr que cada segundo de un álbum sea disfrutable en todo sentido y no le pierdas el hilo en ninguno de esos segundos.
Desde que todo empieza con “The Affair of the Poisons” y termina con “The Hanging Tree”, todo es son ritmos pegajosos, bien encajados con lo blacker, thrasher y hasta encontrar en cada una de las canciones, solos de guitarras rock n roll que empilan cada vez más las escuchadas. Y aunque el disco no llegue ni a la media hora de reproducción, este álbum termina siendo una buena pegada de ritmos para seguir dándole vueltas una y otra vez en el reproductor, lo cual termina siendo interesante en todo sentido, porque ya no esperas algo innovador o algo experimental, sino música que va directo a tus oídos y con esquemas clásicos, lo cuales son exprimidos al máximo para que terminas guturando a lado de James con cada canción. Además, que los momentos rockers en su música, son una verdadera dosis de seguir viviendo de lo añejo muchos años más, porque es así y no hace falta que sea el más experimental del mundo, para lograr un buen álbum y este pueda servir para muchas tertulias entre cervezas y camaradas de este estilo musical, donde el alma de bandas como Motörhead están a flor de loto en cada canción.
“The Affair of the Poisons” es un disco que no tiene pierde para los amantes de lo clásico y hasta para amantes de lo moderno, porque es una pegada completa de pies a cabeza que no deja la intensidad acelerada en ningún instante, y eso es lo mejor de todo, porque te adentras con dosis muy buenas de música bien ejecutada y efectiva para todo tipo reunión entre amigos. Entonces, acá no se trata de hacer o sentir que esto puede ir más allá, pues no, estos es música y directa al pogo como gusta dentro de un festival de 70 a 100 bandas. Así de simple.
Estilo Musical: Post Metal / Progressive Metal / Experimental
Uno de los años más interesantes que se tiene dentro del metal alternativo y nu metal, es este 2020, porque tres bandas regresaron con nuevas producciones como Deftones, Marylin Manson y Static X. Y los tres álbumes son muy buenos y siguen dentro de una infinidad de sonidos que ellos mismos ayudaron a crear en los 90s, donde el estilo extremo ya no era lo que primaba en esos años y otras alternativas musicales con mezclas heavies se apoderaron del mundo, y todas estas para bien. Porque lograron que una década más existiera dentro del Heavy Metal, y ahora esta inclinación forma parte de muchas otras bandas en el mundo dentro de composiciones actuales. Recuerdo que a inicios del 2000 apareció una banda española llamada LMNT, la cual estaba inclinada dentro de estas nuevas corrientes de sonidos alternativos y nu metal, pero que en aquellos años eran rechazados por los más puristas del Heavy Metal. Los años cambiaron y ahora nos encontramos con una banda como Obsidian Kingdom y su cuarto álbum “Meat Machine”, el cual bebe de muchas influencias, pero eso lo hace aún más llamativo de escuchar, porque es una compilación de muchos estilos y muchos sentimientos que parece no tener fin; además que tiene como detalle curioso, que ellos están bajo la tutela de un sello extremo como lo es Season of Mist. Siendo aún más la curiosidad de escucharlos.
En mi manera de escuchar música, siempre me emocione desde el primer día que escuche bandas clásicas de Heavy Metal, luego de Thrash Metal, Death Metal, Black Metal, Doom Metal y muchos otros subestilos que siempre me hicieron pensar, cual era el limite de este estilo musical para seguir diversificando en tantas cosas que el mundo posiblemente hasta el día de hoy no este preparado, porque es el único estilo musical en el mundo que tiene una manera camaleónica de adherirse a otros estilos musicales sin la necesidad de salirse de su enfoque metalero. Entonces, a medida que pasaron los años y se ven las escalas de los 60s, 70s, 80s, 90s y ahora estos 2000s, el Heavy Metal es un estilo que no tiene comparación con otro y posiblemente no lo tenga hasta dentro de muchos años más, porque con bandas como Obsidian Kingdom y su tremenda amalgama de estilos musicales en este “Meat Machine”, demuestran una vez más que muchos estilos modernos se pueden seguir mezclando con cosas conocidas dentro del Heavy Metal, y hasta en muchos sentidos desligarse de estos para encontrar un camino personal que puede seguir expandiéndose en más y más cosas, que no tienen final. Y eso es lo que siempre me gustó del Heavy Metal, que anualmente me termina sorprendiendo cada vez más y con nuevas expresiones.
Obsidian Kingdom no es una banda novel, ya que llevan activos desde el 2005 y hasta este “Meat Machine” tienen cuatro álbumes, donde su evolución se podría decir que va llevada de la mano de muchos momentos que tiene la banda y de como mejoran en otras cosas, pero así como esto es un continuo cambio de sensaciones progresivas y experimentales, es que no se puede decir que el primer disco es mejor que el segundo, o el tercero no tiene nada que ver con lo que hizo la banda. Porque al ser una banda que, al consomé de sabores auditivos, le mete todo lo que a ellos les parece mejor, es que las cosas para los reseñadores o susodichos críticos especializados se pone complicada, porque ellos quieren escuchar más de aquello que les gusto y no indagar mucho en lo que una banda quiere presentar en otro álbum, por lo que, siempre tratan de relacionar su pasado con lo que ahora hacen. Entonces, yéndonos por ese lado de no escuchar lo mismo en un siguiente álbum, es que Obsidian Kingdom juega un rol importante en su desarrollo musical, porque quiere avanzar a través de elementos Post Metal y situaciones rock alternativas influenciadas por Deftones en algunas voces, y en otras tener la característica esquizofrénica que siempre acompaño a la banda para ser experimental de modo comprensible para todos los amantes de este estilo musical, e inclusive si quieres ir más allá de todo, pues puedes encontrar más cosas dentro de estos cuarenta y siete minutos.
Describir las canciones de este “Meat Machine” realmente puede ser una gran labor para el reseñador, porque no existen patrones parecidos entre canciones que puedas decir, esto va el lado nu metal o este va para el lado doom metal de su música, pues no, y lo único que tienen en común a nivel general todas las canciones, es que tienen de vocalista principal a Rider G Omega, quien hace la guturaciones y se encarga de crear las infinitas influencias en su voces limpias. Ya que desde que todo empieza con “The Edge”, esa influencia alternativa y nu metal de los 90s sale a flor de loto, pero lo que cambia el rubro es la voz de Jade Riot Cul. Quien empieza con la segunda parte de las sensaciones de la música de Obsidian Kingdom. De ahí con “The Pump” en la introducción estamos escuchando a otra banda más acorde a las influencias de alguna canción de Rob Zombie, pero luego su lado Post Metal comienza a invadir todos los ritmos y desarrollar algo intenso para que entre a los parlantes “Mr. Pan” con dosis más calmadas y alternativas. Luego con “Naked Politics” es una cachetada a todo lo habías escuchado antes, ya que la voz y sus efectos tienen una breve semejanza a la de Kings of Leon y sus ritmos al igual, como decir una segunda parte de “Sex of Fire” pero esquizofrénica. Sin olvidar que la canción a medida que pasan los segundos se pone más densa cada vez y las voces femeninas le dan ese ambiente enfermizo dentro de todo lo lento que la banda se puede poner hasta llegar a “Flesh World”, la cual es la más misteriosa de todas las canciones y Jade es quien se encarga de las voces en esta canción.
La segunda parte del álbum empieza con “Meat Star”, el cual fue el primer sencillo presentado de Obsidian Kingdom a finales de julio, donde parecía que la banda quería llegar a un lado alternativo, pero dentro del conglomerado de todas las canciones del álbum, esta canción se aleja de las otras canciones y lo que eleva todo, son las voces limpias de Rider, porque su lado alternativo medio grunge se hace presente en la segunda parte de la canción; y con esta misma sensación presentarse en “Spanker” y “Vogue” que mantienen en grandes dosis su lado alternativo y que poco a poco comienza a mezclarse con partes progresivas, y al final encajar con su lado post metal en “Womb of Wire”. Pero siempre adicionando sus lados electrónicos e industriales para que todo sea más enfermizo, y terminar con “A Foe”, la cual es la más lenta de todo el disco y con bastantes dosis de musical ambiental y experimental enfermiza, psicótica y muchas veces vomitiva.
“Meat Machine” es un disco que tiene muchas influencias, que se mezclan inteligentemente en muchas canciones, pero existe en un punto y es casi al final del álbum, donde este teorema experimental se puede poner un poco tedioso de escuchar. Y al final no tener un álbum equilibrado, sino uno que va un poco más allá de su propia manera de experimentar sus ritmos, lo cual puede producir un breve cansancio en el oyente, pero estos sentimientos aparecen al final, ya que cuando se logran digerir todo el álbum, pues se tiene uno muy bien de parte de estos españoles llamados Obsidian Kingdom.
Hace muchos años se conversaba con conocidos acerca de como la música puede madurar en el cerebro de las personas o como este se puede tomar a medida que uno se va a haciendo mayor, donde en medio de la conversación siempre se recuerda con que bandas iniciaron dentro de la curiosidad de escuchar rock y sus diferentes variantes. Llegando al tema de las primeras bandas que se escuchó, entonces, ahí salió que algunos de ellos comenzaron a escuchar bandas como Deicide, Sepultura, Dismember, etc, en sus inicios, ya que era eso lo que les llamaba la atención por ser algo distinto, pero dentro de un proceso de maduración estas mismas personas comenzaron a ver otros mundos. Y fue ahí que salió el caso de The Pineapple Thief, porque esas personas hablaban pestes de sus inicios personales y de cómo su ambiente de amigos los hizo odiar al estilo extremo, y como “casi de manera religiosa” encontraron entre ellos el camino verdadero para escuchar música gracias a esta banda de rock progresivo; pero dentro de este tema, se recuerda en aquellos años, cuando se escuchaban bandas extremas junto a ellos, y por la ignorancia de sus mentes cerradas de aquellos años, estos les echaban tierra a bandas de rock y metal progresivo en su momento. Es por ello, que llega a ser contraproducente lo que escuchan ahora con lo que escuchaban antes y que la idea de escuchar un estilo musical no representa que tengas que basarte a tu entorno para determinar tu repudio a tus inicios, y que “según tu” escuchar música de otra índole a una edad de 40 años o 45 años, te hace mejor persona.
Todo el primer párrafo es la historia que siempre se viene a la cabeza cada vez que The Pineapple Thief o banda inglesa lanza una nueva producción y que por ende este “Versions Of The Truth” siempre trae esos recuerdos a flor de loto por la ignorancia de personas encerradas en ese sentido o idea, porque si algo te gusta, será para siempre desde que escuchaste el primer segundo de una banda determinada y ahora lo seguirás escuchando, y no por decir que eres más abierto a otros estilos, ahora conoces a The Pineapple Thief. Que, por cierto, este “Versions Of The Truth” siempre tiene esa transmisión a muchas sensaciones pasivas, que se elevan a medida de cómo te sientas, porque estos ingleses al mezclar algunos elementos pop con el rock tienden a ser más expresivos con cada nota que tiene un álbum, además que esa idea inglesa de tener las cosas más pasivas como lo tiene Keane y Cold Play, es algo que solo vas a escuchar en bandas inglesas, conectándote con tus lados melancólicos y de ahí colocarle las chispas de felicidad en medio de los esquemas para encontrar la versatilidad de sensaciones que siempre te produce un disco de The Pineapple Thief y este treceavo disco en estudio sigue con esa misma línea de transgredir en muchos instantes las zonas cómodas que estas escuchando, para que no te quedes pegado a solo una canción o dos de todo el álbum, y quizá algunos no le encuentren el lado progresivo en comparación de otras muestras del estilo. Lo cual es posible, porque hay muchas variables en estos casi cincuenta minutos de música, pero es ahí con estas variables y los grandes cortes de tempo y ritmos es que se encuentra localizo la parte progresiva que también vienen de muchos ambientes en los teclados y pequeños detalles en sintetizadores que nutren la capacidad camaleónica de la banda.
Desde que todo empieza con la homónima “Versions Of The Truth” y la pasividad que esta transmite, pues quizá ya se pueda deducir un poco el contexto general de las diez canciones que tiene este nuevo álbum, pero en medio de los detalles pasivos, se encuentran los detalles que producen el misterio que se va a encontrar en todo el disco, además que todo es relativo cuando ellos quieren cambiar las sensaciones y comienzan a acelerar con el tempo en la tarola de Gavin Harrison. De ahí con “Break It All” y “Demons” las cosas se pone lentas, pero como siempre cautivando con todos los detalles que son usuales en la banda, y estos, aunque son imperceptibles a primer oído, pues son los que le dan la vivacidad a su música, porque encuentran dentro de lo pasivo y calmado la manera de hipnotizarte dentro del conglomerado general. Luego con “Driving Like Maniacs” las cosas se ponen igual de atrayentes en ese sentido pasivo que tiene la banda, donde los coros a varias voces y coros son los que llaman la atención de toda la canción para corear con las letras “You and I, We were always destined to fall, As cold as I would be to ruin it all, I gave you nothing, I gave you up, For you and I”; y de ahí con este mismo sistema de sentimientos pasivos encontrarnos con “Leave Me Be”, la cual puede ser una de las mejores canciones de todo el álbum, por la maleabilidad de cambiar de emociones y cambiar de tempos en los momentos que el sentimiento quería cambiar a los dos minutos con veinte y dos segundos, momento de salir de la zona de comodidad y adentrarte a lo misterioso.
Una de las cosas que llama bastante la atención de “Too Many Voices”, son las letras, porque pueden tener un sentido distinto al que se esta escuchando, ya que la idea de escuchar muchas voces y esta bien quedarse solo, puede reflejar en cierto grado conceptos esquizofrénicos o de personas difíciles de comprender en momento donde la mente puede jugar muchas cosas con las decisiones, y a ello, la música juega un rol importante, porque colinda con esta sensación de ser un poco ermitaño al escuchar todas estas voces. Pero luego con “Our Mire” las cosas se ponen con más brillo en la música y los efectos de guitarra se sientes cómodos y de ahí las cosas se aceleran de una manera genial en todo lo que tiene que presentar la banda, donde cada instrumento de cuerda juega un rol vital con los armónicos y chirridos que estos puedan producir en base a sola unas notas o esquemas en general, siendo otra gran demostración de virtuosismo que tiene la banda para seguir presionando su creatividad al máximo y con cosas que ya se había escuchado antes, pero que gracias a algunos detalles minúsculos es que logran otra canción ejemplar. Luego se tienen “Out Of Line”, “Stop Making Sense” y la final “The Game”, relacionando los sentimientos pasivos de la banda con esos elementos distinguibles hoy en día en su sonido, y que por ende juega un rol importante en su música, demostrando que el placer de solo estar en sombrío en muchos sentidos puede coaccionar para encontrar caminos maravillosos en la música de ThePineapple Thief.
“Versions Of The Truth” es un disco que, por lo compresible de sus esquemas y ritmos, es que te deja un buen sabor de oído para darle unas cuantas vueltas en el reproductor para alejarte un poco de la música acelerada y/o extrema dentro de rock o metal progresivo. Ya que se encuentra un placer innato en cada canción para acompasar con una lectura o estar inmerso en pensamientos escuchando muchas cosas que pueden tener o no tener solución, pero es parte de adentrarte en la música de The Pineapple Thief.
Cuando se habla de Death Metal en Polonia, el primer nombre que se viene a la mente es el de Vader, porque viene a ser la banda con más trayecto dentro del estilo de muerte, pero eso no quita que existan otras bandas que estén dentro del estilo, ya que, a través de los años, este país casi siempre a presentando bandas que tengan un nivel interesante y llamativo para que el mundo extremo los vea de otra banda manera. Es por ello que, bandas como Deivos, Lost Soul, los primeros cuatro álbumes de Decapitated, las mezclas satanistas de Behemoth y Hate, los desparecidos de Dies Irae y Dissenter; además de otras bandas que aparecen en su escena cada cierto tiempo con álbumes de bandas como Trauma, Sceptic, etc. Entonces, todo este conglomerado de bandas técnicas, brutales, grindcore y más ha producido a través del tiempo que la escena polaca sea una de las más sólidas en el mundo, tratando de luchar por un sonido que los caracterice en el tiempo como otras escenas en el mundo; y quizá esta idea se esté dando a través de tantas producciones y bandas que quieren seguir presionando ese bicho curioso de buscar una idea personal y que solo salga de Polonia. Siendo así que llegamos al caso de Uerberos, quienes con dos álbumes en estudio han pisado de manera agiganta un sonido que tiene como idea recurrir a lo que se espera de esa propiedad polaca que aparece a través de sus producciones como; “Tormented by Faith” (2017) y el citado en esta reseña “Stand over Your Grave”, los cuales presentan una idea clara de cómo el Death Metal puede ser polaco.
La primera vez que se escuchó Uerberos con “Tormented by Faith” (2017), la idea de la banda ya tenía un perfil interesante en su música que pregonaba bastante brutalidad e intensidad en las diez canciones que contenía el álbum, dotándolo de ese carácter personal que solo se escuchó en otra banda polaca llamada Dissenter, donde no era necesario tener elementos técnicos o acelerados para sonar brutal, sino solo tener la formula potente que te diera un puñete en la cara y simplemente encontrarás violencia en su música. Obteniendo un álbum compacto y firme de ideas que fueron las exactas para que viera que Uerberos tiene algo especial en su sonido. Entonces, con esa idea casi completa de la banda en su primer álbum, es que este “Stand over Your Grave” se asienta mejor en los oídos y se tiene a una banda que pulió su sonido en estudio, manteniendo esa brutalidad que tenía desde el 2017 y la mantiene hasta este nuevo álbum.
Desde que todo empieza con el arte de la caratula hecha por Jesus Lhysta (Cemnican, Dehydrated), las intenciones de la banda siguen siendo las mismas y mantiene esa esencia anticristiana que tiene toda la escena polaca en la mayoría de sus bandas, dado a que este país en la vida normal, es uno de los más apegados al cristianismo, siendo por ello que la manera de protestar contra el clero, es por medio de bandas extremas, es por ello, que Polonia tiene una gran afinidad por temas con el Thelema, ocultismo, satanismo y otros detalles más que son ya son como estigmas en las líricas de muchas bandas de ese país, donde Uerberos sigue con esta idea y quiere colocar su granito de arena en el sonido e idea de las bandas extremas de su país. Donde se puede denotar el detalle de porque la mayoría de bandas se inclinan a este tema y por más técnicas que puedan ser en sus composiciones, tienen un sonido oscurecido, pero no como bandas brutales al estilo de Brodequin, sino con una oscuridad que provoca repudio a algo en específico, y ese es el detalle de porque las bandas de Polonia tienen este sentido extremo. Y es así, que desde que todo inicia musicalmente con “Levitation”, la brutalidad, oscuridad y la extremidad acelerada de los polacos es que se pone a flor de loto y se encuentra a una banda que no quiere colocarle partes técnicas o limpias, sino solo enrojecerte los oídos de tanta agresión musical que encuentras en esta banda, y la cual termina en “Emperor”.
Algunas veces se puede detallar las canciones, porque el disco puede impresionarte con cada una de las canciones que un determinado álbum contiene, pero en el caso de este “Stand over Your Grave”, las cosas no se aplican para explicar de manera independiente en cada canción, ya que no es el caso, debido a que la banda hace las canciones parejas y con casi los mismos elementos y esquemas para hacerlo compacto y solo con el objetivo de masacrarte los oídos y entrar a la sala de emergencias desde el primer segundo por problemas del sentido auditivo. Además, de mencionar que es un disco que eleva el nivel compositivo de la banda debido al trabajo de producción en estudio de Robert Wrożyna, quien termina de pulir los por menores de su primer álbum y brindarles esa brutalidad pareja a todas las canciones.
“Stand over Your Grave” es un disco que mejora en todo sentido la presencia de la banda en el mundo extremo, sacándolos del anonimato y poniendo un producto bruto y agresivo que necesitaban desde el inicio. Gran disco y extremadamente recomendado para aquellos que buscan más bandas extremas de Polonia que no tengan que ver con el sonido Behemoth-niano.
