Dargedik Rock Metal Webzine

El tema inicial de nombre "Acclimation" nos llega directo y transversal. Irrumpe entre las hostilidades propias del metal con intelecto y es, por mucho, una eufonía que atraviesa de costa a costa la agresividad nativa con su azarosa emancipación. Hay mucho rock aquí, también enunciados que recuerdan al pop guitarrero moderno que cae de vez en cuando por el FM, aun así el movimiento dentro de tu cabeza estará enmarcado desde la visceralidad, por más melodioso que suene por algunos instantes este disco, es la doble naturaleza la que predomina, lo que la hace distinta frente a otras producciones de la misma factura. La música revela que es algo más que un ejercicio de golpes programados, ya algo se puede oír en "Ipanema Blue" un tema que permite allanar un poco más la relación que da contrapeso a este enunciado.

Son ocho minutos de una larga cadena de notas iluminadas que adornan la consecución del placer auditivo, sonidos llevados a su mínima, pero en esencia emocionales. A "Small Framed Deliberate Fast Simple Feelings" no hay que darle una explicación, como predicamos comúnmente, es una obra de arte; tan refinada que esta propensa a evaporarse como lava tocando un inmenso mar. "Turing Test Results" no hace otra cosa que coronar un  álbum estructurado para llegar al clímax.

Dentro de este caldero hirviente que representa "Acclimation" de  This Is The Last Time se desprende  indolente ebullición y sensibilidad a flor de piel. Disco que bien merece enmarcarse como lo mejor del 2022.

Lista de Canciones:

Yes, la legendaria banda de Rock Progresivo, no necesita mayor introducción a estas alturas de su carrera que ya supera los 50 años. En esta oportunidad rompen un silencio de 7 años para presentar su álbum número 22, teniendo la particularidad de ser el primer álbum en estudio con Billy Sherwood desde "The Ladder" (1999) quien reemplaza al gran bajista Chris Squire quien lamentablemente dejó este mundo en el año 2015, así que esto convierte al nuevo disco en el primero no sólo sin Squire sino también sin ningún miembro fundador de la banda. Mezclaro y producido por el guitarrista Steve Howe, la alineación actual se completa con Geoff Downes en teclados, Alan White en batería, Jay Schellen como segundo baterista y Jon Davison en la voz quien también se hizo cargo de las letras que hablan sobre el optimismo, esperanza y problemas ambientales. Como sucede con otras bandas, las restricciones por pandemia les dio tiempo de crear este nuevo disco el cual, por las restricciones tuvo que se ser grabado en 2 estudios diferentes tanto en Estados Unidos como Inglaterra dando como resultado "The Quest" un gran disco que los mantiene vigentes y nos permitió conversar con el legendario baterista Alan White.

DARGEDIK: Está es una pregunta que me gusta hacer a músicos experimentados como usted ¿Aún tiene tiempo para escuchar nueva música? Y si tiene tiempo de escuchar ¿Crees que el legado de Yes sigue vivo en las bandas de Rock Progresivo modernas? 

YES: Sí, escucho gran variedad de música y cosas que ocasionalmente me llegan. Me gustan muchas bandas, soy muy versátil en lo que escucho, he estado escuchado música clásica recientemente y también cosas como Coldplay y diferentes bandas como esa. Y creo que la escena musical en Estados Unidos no es tan mala como muchos piensan, me parece que luce saludable y yendo hacia adelante. Y espero que este álbum de Yes se convierta en parte de ese movimiento. 

DARGEDIK: Antes de terminar ¿Hay algo que desee agregar o decirle a sus fanáticos en Latinoamérica? 

YES: ¡Amo Sudamérica! Mis países favoritos son Argentina, Brasil, Chile, Uruguay, Colombia, Venezuela, Perú ¡He estado en todos lugares! Y creo que las personas son divertidas así que no veo las horas de regresar a Sudamérica. 

DARGEDIK: Muchas gracias por su tiempo ¡Felicitaciones por el nuevo disco! Y esperamos volverlos a ver por Sudamérica. 

YES: Gracias 

Fecha de Lanzamiento: 01 de Octubre del 2021

País de la banda: Reino Unido

Sello: Inside Out Music / Sony Music

Estilo Musical: Rock Progresivo

Yes, la legendaria banda de Rock Progresivo, no necesita mayor introducción a estas alturas de su carrera que ya supera los 50 años. En esta oportunidad rompen un silencio de 7 años para presentar su álbum número 22, teniendo la particularidad de ser el primer álbum en estudio con Billy Sherwood desde "The Ladder" (1999) quien reemplaza al gran bajista Chris Squire quien lamentablemente dejó este mundo en el año 2015, así que esto convierte al nuevo disco en el primero no sólo sin Squire sino también sin ningún miembro fundador de la banda. Mezclaro y producido por el guitarrista Steve Howe, la alineación actual se completa con Geoff Downes en teclados, Alan White en batería, Jay Schellen como segundo baterista y Jon Davison en la voz quien también se hizo cargo de las letras que hablan sobre el optimismo, esperanza y problemas ambientales. Como sucede con otras bandas, las restricciones por pandemia les dio tiempo de crear este nuevo disco el cual, por las restricciones tuvo que se ser grabado en 2 estudios diferentes tanto en Estados Unidos como Inglaterra.

El resultado es un doble CD con 8 canciones en su primera parte y apenas 3 en la segunda. Hay mucho protagonismo de los teclados y las orquestaciones cortesía de Paul K. Joyce y FAMES Studio Orchestra. Otros puntos que sobresalen en el álbum son la guitarra de Howe que adorna gran parte de las canciones de forma magistral mientras que la voz de Davison mantiene matices melódicos bien logrados. El primer tema es de lo mejor y por algo fue un adelanto del disco "The Ice Bridge" siendo una canción con todos lo elementos mencionados antes, con ciertos aires épicos y en donde tanto la voz como la parte instrumental suenan impecables, aunque aún así la canción generó polémica porque al parece usa partes de la canción "Dawn of an Era" del álbum Energism (1978) de Francis Monkman (1978),  aún así es todo un placer oír esta canción. "Dare To Know" posee un ritmo más pausado, aunque gana gracias a las hermosas orquestaciones y el desempeño vocal, algo que también encontramos en "Minus The Man". Los ánimos vuelve a subir con "Leave Well Alone" aunque por momentos pues la canción posee cambios bien logrados en donde nuevamente la voz resulta muy agradable mientras las guitarra dibuja hermosas melodías. Otra joya del disco que vale la pena mencionar es el épico "The Western Edge" mientras que el lado más sentimental aflora en "Future Memories" una especie de balada llena de hermosos detalles y una guitarra acústica que junto a la voz son puro sentimiento.

Cuando uno cree que ya escuchó lo mejor nos llega "Music To My Ears" que fácilmente puede ser un sencillo del álbum pues posee un coro muy pegadizo y sentido en donde destaca un duo vocal mientras que "A Living Island" posee algunas de las partes más hermosas del disco, desde su coro hasta las guitarras acústicas y orquestaciones, cerrando de gran forma el primer álbum. El segundo álbum posee 3 canciones que son correctas, cumplen aunque no llegan al nivel del primer álbum. Con bandas como Yes muchos tienden a juzgarlos en base a su historia y teniendo en cuenta los clásicos álbumes de su catálogo pues puede que este álbum quede lejos de ello, sin embargo, considerando la edad de los miembros de la banda, la cantidad de proyectos que tienen aparte de Yes y el hecho de tener que superar la pérdida de Squire, puedo considerar que estamos ante un gran disco, sin duda muy disfrutable para los amantes del Rock Progresivo Sinfónico, en donde encontraran elementos clásicos de la banda con un sonido acorde a estos tiempos y muchos momentos memorables.

La banda noruega Leprous puede que no sea muy complaciente con sus fanáticos, sobre todo de sus primeros álbumes, a la hora de retomar sonidos más "Metaleros", sino dedicarse a experimentar con nuevos sonidos que los alejan de los álbumes con los cuales nos atraparon hace muchos años, sin embargo a la hora de dar un concierto o tocar discos enteros en eventos de transmisión, son una banda que sabe satisfacer a los fanáticos. Y es que esta banda noruega, sabe dar conciertos en vivo de los más intensos, donde la banda se entrega totalmente en el escenario y en donde siempre sobresalen Einar, quien con su voz y presencia escénia sabe meterse al público al bolsillo y conmover son su interpretación, además de Baard en la batería quien siempre se muestra dinámico e imaginativo a la hora de tocar de forma muy enérgica. 

Este año nos sorprendieron con un álbum que está próximo a salir y que no estaba originalmente en sus planes, sino mas bien es resultado del tiempo libre que la pandemia ha dado a gran parte de la escena musical. Así nación "Aphelion" en donde a banda sigue recorriendo territorios sonodos menos metálicos, más minimalistas por momentos y muy sinfónicos en otros, en donde encontramos un mayor énfasis en lo sentimental. El resultado han sido canciones grabadas en diferentes estudios, trabajadas de forma individual y no como parte de un todo, lo cual ha dado muy buenos resultados al punto que supera su anterior entrega.

Para celebrar este lanzamiento, la banda organizó un concierto de transmisión en vivo para tocar por completo este nuevo álbum bajo el nombre de Aphelion Preview Livestream - Live From Notodden Theater. El local escogido fue el teatro Notodden Theater de Noruega. Para esta ocasión sí contaron con público además de que el evento fue transmitido a nivel mundial a través de esta web: https://munin.live/x-event/aphelion/

Fecha de Lanzamiento: 27 de Agosto del 2021

País de la banda: Estados Unidos

Sello: InsideOut Music

Estilo Musical: Rock Progresivo

El inagotable Neal Morse regresa pero esta vez bajo su banda The Neal Morse Band, pues antes lo hemos escuchado en años recientes tanto como solista como con bandas de la talla de Transatlantic o Flying Colors. A diferencia de entregas anteriores, esta vez no será conceptual pero sí bajo el formato de CD doble. En palabras de la banda estamos ante un álbum de sonido variado, de ahí que título del álbum busque reflejar todos los elementos sonoros de este álbum en el cual los aportes de los miembros de la banda fluyeron de gran forma. Aparte de las canciones el álbum se lanzará como una edición limitada que incluye un DVD adicional que cuenta con un documental sobre la realización de este trabajo. La alineación mantiene a Neal Morse en voces, guitarras y teclados, Mike Portnoy en la batería, Rany George en el bajo, Eric Gillette en guitarras y voz, además de Bill Hubauer en teclados y voces.

Estamos ante un álbum de primer nivel, algo que se siente desde el inicio del primer disco, así escuchamos en "Do It All Again" a una banda inspirada que sabe crear temas accesibles pero no por ello descuidan el lado técnico y progresivo, aquí todo funciona, desde los teclados iniciales, los solos de guitarra, la mounstruosa base rítmica que nos introducen a riffs progresivos acompañados por teclados previo a estribillos muy accesibles y un coro pegadizo y potente, a pesar de ser una canción que roza los 9 minutos de duración, no se siente que el tiempo pase por lo bien equilibrada y dinámica que se mantiene. Esto resume este primer disco en gran parte pues canciones como "Bird On a Wire" mantiene la intensidad y el aspecto accesible destacando mucho los teclados y la labor vocal. Un gran ejemplode cómo capturan un sonido más "Pop/Rock" lo encontramos en "Your Place In The Sun" que me resulta hasta ochentero. "Another Story To Tell" es el tema más Rock y directo, cumple y a pesar que tiene buenos momentos como en los solos, queda eclipsado por las demás canciones. Casi acústico y con mucha influencia de Pink Floyd suena "The Way It Had To Be" siendo uno de los momentos más relajados de esta parte junto al interludio acústico de "Emergence" y la balada "Not Afraid Pt 1" que terminan entregando los momentos más "sentimentales" dentro del álbum. El final del primer disco con "Bridge Over Troubled Water" resulta ser una versión en plan progresivo de la canción de Simon and Garfunkel con épicos resultados a pesar que se aleja mucho de la versión original en muchas partes.

El segundo CD tiene apenas 2 canciones pero de casi 20 minutos la primera y la segunda supera la media hora de duración, siendo lo más ambicioso y monumental del disco, apartándose del lado más accesible o radial que pudimos encontrar en el primer CD y embarcándose hacia terrenos épicos, progresivos, sinfónicos e incluso más pesados que la primera parte, siendo quizás los puntos más altos de este trabajo en donde todos los integrantes tienen su momento para brillar. Sin duda estamos ante un gran disco, dentro de lo que uno espera de esta banda, con una primera parte más "radial" y una segunda parte en donde ponen toda la carne en el asador alcanzado niveles épicos para los amantes del Rock Progresivo. Un disco recomendado para los fanáticos del Rock Progresivo y seguidores de Neal Morse y compañía.

Calificación: 8.5/10

Lista de canciones:

CD1:

CD2:

Bonus DVD:

Páginas Oficiales:

https://thenealmorseband.lnk.to/InnocenceAndDangerID

www.nealmorse.com

www.nealmorsefans.com

www.facebook.com/nealmorse

Fecha de Lanzamiento: 25 de Agosto del 2021

País de la banda: Noruega

Sello: InsideOut Music

Estilo Musical: Rock

Leprous es una banda que representa bien el el Progresivo en el sentido que es una banda que no está estática, sino que siempre busca evolucionar su sonido, llevándolo a terrenos sonoros que hacen que cada álbum sea diferente. Fácilmente pudieron "avanzar" de forma segura  y no tomar riesgos, repitiendo una fórmula exitosa una y otra vez,  algo que fácilmente pudieron hacer sin problemas pues en su discografía cuentan con álbumes como "Bilateral" (2011), "Coal" (2013) o "The Congregation" (2014) que fueron tan bien recibidos por sus fanáticos y los seguidores del Metal Progresivo ,como por la crítica. Sin embargo es raíz de "Malina" (2017) donde su sonido comienza a alejarse cada vez más del Metal Progresivo lo cual se concretó con  "Pitfalls" (2019) que resultó ser un álbum que fácilmente pudo haber espantado a los fanáticos del sonido más oscuro y metálico de la banda, y que quizás pudo atraer a quienes gustan del sonido más "accesible" del cual hicieron gala, sin embargo considero que su música no es tan fácil de asimilar a pesar de que siempre tuvieron patrones accesibles dentro de ella. Así llegamos a este "Aphelion" que nos toma por sorpresa pues la banda originalmente pensaba lanzar un EP sin embargo llegó la pandemia y con ello mayor tiempo libre que fue aprovechado por lo cual la banda pudo trabajar canción por canción a la par que mantuvieron a los fanáticos satisfechos con conciertos de transmisión en directo en donde repasaron casi toda su discografía además de un par de conciertos en donde Einar (voz/teclados) pudo lucirse con conciertos más acústicos y uno enteramente en piano. El resultado es este nuevo álbum grabado en 3 estudios como son el Ghost Ward Studios en Suecia, Ocean Sound Recordings  y Cederberg Studios en Noruega. La mezcla corrió a cargo nuevamente de Adam Noble (Placebo, Biffy Clyro, Nothing But Thieves, etc.), mientras que la masterización fue hecha por Robin Schmidt (The 1975, Placebo, The Gaslight Anthem, etc.). El arte de la portada es obra de Elena Sigida, inspirada en una fotografía tomada por Øystein Aspelund. El título hace referencia al afelio, el punto más alejado del sol en la órbita de un planeta ¿Será en la relación a la situación que vivimos todos hoy en día? Como sea la banda lo deja a la interpretación de cada uno.

El álbum inicia con "Running Low" que fue uno de los adelantos, siendo una canción que se apoya en el dramatismo, que se ve potenciado tanto por la estupenda voz de Einar como por el chello de Raphael que se ha vuelto pieza importante en el sonido actual de la banda y eso que no es un miembro oficial, en este tema se luce con un gran solo de chelo, como es costumbre la banda juega siempre con partes lentas y minimalistas, un puente dramático donde ingresan con fuerza los instrumentos y que termina estallando en un coro que incialmente me parecía correcto pero que con cada escucha se ha vuelto adictivo. Luego del gran inicio llega un momento que me costó pasar pues "Out Of Here" es sencillamente de lo mejor dentro del disco, con un Einar inspiradísimo demostrando en sus primeros minutos que no necesita gritar todo el tiempo para tocar el lado más sensible de uno, al inicio suena su voz acompañado por sintetizadores, una batería que suena a sample y unas notas de guitarra limpia que son muy emotivas, luego de ese gran inicio el tema explota y es 100% Leprous con magníficos riffs y melodías de guitarra, la poderosa batería de Baard y Einar mostrando su mounstruoso registro con sus conocidos "ahhhhh ahhhh" en su punto máximo. Más directo suena "Silhouette" con una adictiva línea de bajo, una batería como siempre dinámica y poderosa, un fondo sinfónico y ese ida y vuelta entre partes lentas y coros bombásticos dentro del oscuro sonido de la banda apoyado siempre con los sintetizadores y la poderosa voz. Llega el momento de "All the Moments" y me acerco a ver si mi reproductor falla pues las guitarras del inicio suenan más a Rock Clásico sin embargo la canción desemboca en partes más lentas y reflexibas antes de estallar en un coro poderoso con aires más sinfónicos que dan una vibra más "alegre" dentro del sonido de la banda antes de un intermedio que suena más a balada para terminar de nuevo en el pomposo coro ¡Impredecibles dentro de su sonido!. Have You Ever? es quizás la canción más extraña pues mantiene un aire calmado sin el típico coro explosivo, se apoya en un aparente minimalizmo que se interrumpe con ciertas partes de batería, unos sintetizadores hipnotizantes, hermosas melodias de piano y partes sinfónicas que enriquecen el sonido dando lugar a la emotiva voz. El otro sencillo lanzado había sido "The Silent Revelation" y aquí volvemos a encontrar los elementos que conocemos de la banda, un adictivo riff y una base rítmica poderosa nos introducen a la canción donde de nuevo se mueven entre partes lentas y emotivas que son interrumpidas por coros intensos con un agregado de partes sinfónicas que dotan de mayor dramatismo el oscuro y melancólico sonido de la banda (y los ahhh ahhh no faltan por supuesto)

Nos acercamos a la parte final y encontramos que "The Shadow Side" posee un inicio muy sinfónico en donde la voz se apodera del tema, aquí los violines cobran protagonismo también en uno de los coros más hermosos del álbum, el tema agarra fuerza hacia el final manteniendo el fondo sinfónico pero añadiendo un hermoso solo de guitarra, algo poco común en esta etapa de la banda pero que cuando aparecen son pura emotividad. La trilogía que cierra el álbum es estupenda, empezando por "On Hold" cuyos sintetizadores al empezar desprenden mucho sentimiento al punto que me recuerdan un poco trabajo del multiinstrumentista francés Dan Levy (The Dø) en la banda sonora de J'ai Perdu Mon Corps (I Lost My Body), claro está con el agregado de la voz de Einar quien parece tener recursos inagotables a la hora de conmover son su interpretación, luego llega el esperado crescendo que desemboca en otro coro notable, además del fondo sinfónico, excelentes líneas guitarra y una base rítmica contundente. "Castaway Angels" es una hermosa balada de la cual pudimos disfrutar desde fines del año pasado mientras que la extensa "Nighttime Disguise" cierra de gran forma el disco, mostrando todo lo que es Leprous ahora y no podía ser de otra forma pues la banda lo compuso con ayuda de fanáticos, quizás por ello incluso tenemos guturales hacia el final de este épico cierre. Así termina un disco que no fue planificado y en donde cada canción nació de forma independiente sin que haya habido mayor planificación al respecto, quizás por ello sienta algo diverso a pesar que mantiene los elementos que ya conocemos de Leprous como el típico crescendo, sin embargo la banda tiene talento para sorprender siempre añadiendo más elementos sonoros a su música a pesar que esta suena algo minimalista en comparación a lo que hacían en el pasado, en esta oportunidad se apoyan más en elementos sinfónicos con sonidos de violines y chelo que han quedado muy bien. El álbum tiene muchas partes memorables y como uno espera es la voz la cual cobra protagonismo sin embargo los demás miembros sin necesidad de hacer demostraciones de más o gala de tecnisismo logran una gran trabajo. Sin duda un álbum que no deben perderse los amantes del progresivo y seguidores de la banda, mucho mejor que la última entrega aunque si son de los que esperan que regrese el sonido más metálico de los inicios, a estas alturas parece que eso va a pasar, lo cua, personalmente no me desagrada mientras la banda siga sacando material notable.

Los australianos de Caligula's Horse nos entregaron uno de los mejores álbumes del año pasado con su "Rise Radiant" sin embargo debido a la pandemia no fue posible verlos ejecutar en directo sus nuevas canciones. Por ello este evento "Live After Lockdown"  nos da la oportunidad de escuchar algunas de las mejores canciones de este último álbum además de un repaso a su discografía. El evento se dio en la ciudad de Brisbane, capital del estado de Queensland en Australia y se llevó a cabo dentro de The Triffid que fue un hangar para aviones estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial. Algo interesante es que el concierto fue con público y lución un lleno total pero para nuestra suerte, fue transmitido a nivel mundial.

El inicio con "The Tempest" su último álbum es todo lo que esperaba, pues la banda se muestra en gran nivel desde la base rítmica, las guitarras y como siempre un Jim Grey estupendo en la labor vocal y lo bueno de tener público es que tiene cierta interacción con la gente, anunciando que el concierto será transmitido a todo el mundo y explicando por qué tienen tantas cámaras además de bromear un poco sobre cuál de las cámaras grabará al público. La intensidad del concierto sube más con "Slow Violence" que es otro de los puntos fuertes del último álbum, sonando como debe ser con mucho peso, buenos cambios y un coro memorable. Nuevamente Jim se pone a conversar un poco con la audiencia recordando lo nervioso que estuvo por volver a los escenarios y que este es el segundo concierto pues hicieron otro la semana anterior para finalmente agradecer tanto a los presentes como a quienes presencian la grabación en otros países antes de anunciar una de sus mejores canciones, y es que "Dream The Dead" es de lo mejor de su carrera, personalmente considero a "In Contact" (2017) el punto más alto de su carrera hasta ahora, y es esta canción una de las que nos entrega lo mejor de la banda, esa mezcla de partes pesadas con otras más pegados hacia el lado sentimental, algo que maneja bien la voz de Jim quien nos regala uno de los coros más emotivos que podemos escuchar mientras que las guitarras de Sam Vallen y Adrian Goleby son toda una delicia sonora. Este fue un punto alto de la noche sin duda.

Uno de los puntos más divertidos es cuando Jim invita a la gente a vacunarse si es que desean que regresen los conciertos en directo previo otro punto emotivo como fue escuchar "Bloom" en vivo donde nuevamente la apasionada voz de Jim se luce desde el inicio, siendo otra gran demostración de lo bien que se desenvuelve la banda al tener canciones con cambios de ritmo que pasan con facilidad de lo apasionado a lo pesado y con muchas partes memorables a pesar de ser una canción algo larga. La banda sigue repasando su carrera y le toca a "Marigold" que tiene uno de mis solos favoritos cortesía de Sam. El repaso a "Rise Radiant" continúa con "Valkyrie" que posee algunas de las guitarras más afiladas y pesadas de la noche y que nos muestra lo bien que suenan las nuevas canciones en directo. 

Al final valió la pena estar despierto desde antes de las 5 a.m para poder ver la transmisión en vivo y creo que es algo que cualquier fanático de la banda o del Progresivo no debe perderse pues el evento aún se puede disfrutar en el enlace que adjunto debajo. Un excelente regreso de la banda al escenario con músicos de primera categoría, quizás en su mejor momento y mostrando lo mejor de su último álbum además de revisar alguna de sus mejores canciones. Todo esto reforzado por un gran vocalista que no sólo canta bien sino que también es muy divertido a la hora de interactuar con el público y se siente la pasión por lo que hace con cada una de sus interpretaciones.

Puedes ver el evento y apoyar a la banda en el siguiente enlace: https://wildthingpresents.com/tour/chlivestream

The Tempest

Slow Violence

Dream the Dead

Bloom

Marigold

Valkyrie

All Is Quiet by the Wall

Inertia and the Weapon of the Wall

The Cannon's Mouth

Salt

Graves

Toehider es una banda australiana formada por Mike Mills quien se encarga de toda la música, desde componer, tocar los instrumentos e incluso cantar  demostrando tener una prodigiosa voz y gran manejo de diversos instrumentos musicales. Junto a él está Andrew Saltmarsh quien es el encargado del arte de los discos logrando un sello característico en la banda. En tiempos donde cada vez es más accesible poder crear música en casa, Mike no dudó en hacer de su cochera su estudio y al ser el único músico, dio rienda suelta a sus influencias musicales logrando crear álbumes tan variados que para simplificar todo podríamos encajarlo dentro del género progresivo. La banda ha sabido sacar provecho de los recursos que nos brinda el internet y sin necesidad de depender de sellos discográficos apostó por el financiamiento directo de los fanáticos de la banda lo cual le ha dado frutos al punto que su último álbum "I Like It!" nos muestra lo más sólido que han lanzado a la fecha y lo libre que es Mike a la hora de crear sus canciones sin ninguna presión y con ayuda de sus seguidores. El buen Mike aceptó una entrevista con nosotros para contarnos un poco sobre su historia, cómo se sostiene la banda de forma independiente y su crecimiento como músico que le ha permitido ser parte de proyectos importante como Ayreon.

Mike Mills, fundador, multiinstrumentista y vocalista de Toehider.

DARGEDIK: Saludos Mike y bienvenido a las páginas de Dargedik Webzine. Es un gusto poder charlar contigo.

TOEHIDER: Es un placer, gracias por invitarme.

DARGEDIK: Ante todo ¿Cómo has estado? ¿Cómo van las cosas por Australia?

TOEHIDER: Sí, todo bien. Con respecto a la pandemia creo que Australia es uno de los países con suerte debido a que estamos muy lejos del resto del mundo por lo cual el número de casos es muy bajo, incluso en la mayoría de estados o territorio hemos llegado a tener cero casos. Eso sí hemos tenido cuarentenas estrictas la mayor parte del año pero creo que fue para bien pues creo que logró erradicar muchos de los casos que tuvimos aquí además que los viajes internacionales están muy restringidos también. Pero bueno, comparado con lo que sucede en el resto del mundo, somos muy afortunados.

DARGEDIK: Bueno, me da gusto escuchar eso, pues muchos países están teniendo serios problemas para controlar el tema de la pandemia. Ahora yendo a la música, debo admitir que descubrí a Toehider no hace mucho, entonces ¿Te molestaría contarnos un poco sobre la historia de la banda? Si no me equivoco llevan activos desde el 2008 ¿Cierto?

TOEHIDER: Así es, ha pasado algo de tiempo desde entonces. Empezamos como... bueno muchas cosas pasaron, yo estaba en otra banda y nos tomamos mucho tiempo además de gastar mucho dinero tratando de sacar un álbum, entonces todos se frustraron porque creo que todos intentábamos ir en diferentes direcciones, todos teníamos diferentes ideas sobre lo que queríamos alcanzar musicalmente hablando, estábamos hartos de gastar mucho dinero por poca recompensa como muchas bandas deben estarlo supongo, entonces para bien o para mal creo, la banda se disolvió, no nos separamos oficialmente sino que sólo dejamos de trabajar. Por aquel entonces, los equipos de grabación domésticos se volvieron más accesibles y entonces tuve más claro para mi que podía producir música en mi garaje, y es aquí donde estoy, mi garaje es ahora mi estudio. Se volvió interesante la producción de audio, además que yo fui capaz de tocar y cantar todas las partes en todas las canciones y se volvió cada vez más claro para mi que yo era capaz de hacer música por mi cuenta y que no tenía que depender de otras personas para tocar las partes o escribir las letras o grabar las partes de guitarras o batería y cualquier cosa como eso. Tenía sentido el convertirme en un proyecto solista, yo colaboro con un artista, el hombre que hace el arte de todos los discos, su nombre es Andrew Saltmarsh y siempre intercambiamos ideas sobre cosas como temas o sobre qué deben tratar las letras y cosas por el estilo. Entonces mientras pasaba el tiempo me comenzó a interesar cada vez más la producción de audio, algunos de los primeros álbumes, suenan como... no suenan muy bien en mi opinión para ser honestos pero mientras más lo hacía, más aprendía, y otra cosa grandiosa que sucedió fue YouTube, fui capaz de obtener mucha información gratuita sobre producción de audio y cosas por el estilo, entonces fueron tiempos emocionantes para empezar a hacer música y aquí estamos, supongo que 10 o 12 años después, donde finalmente, como me dijiste, no habías escuchado antes sobre este proyecto hasta este punto, mientras nosotros silenciosa y consistentemente continuábamos haciendo lo que hacemos entonces creo que después de todos estos años parece que, no lo sé, está empezando a pagar las deudas jajaja

DARGEDIK: Interesante, ahora hay una cosa que mencionaste, que es el uso de YouTube, pero también recuerdo que mencionaste una plataforma como Patreon con la cual vienes trabajando bien. Tal parece que para músicos independientes hoy en día, se a vuelto una plataforma que ayuda mucho. Quizás puedas contarnos un poco sobre tu experiencia en este caso para que quizás los músicos jóvenes que deseen iniciar un proyecto hoy en día sepan más de su utilidad.

TOEHIDER: Claro, para aquellos que no sepan, Patreon es una plataforma donde aquellos que apoyan la música y el arte, fanáticos, o lo que sea, puedan apoyar directamente al artista o la banda que aman pagando una suscripción mensual en el cual pagan un monto de dinero. Pagas una contribución para el artista que te gusta y esto ayuda muchísimo para creadores, artistas, músicos, hay muchas personas que tienen podcasts y cosas como esta, y esto puede ser útil para lo que sea. Esta es una forma mucho más directa para apoyar a los artistas que te gustan. Es interesante pensar sobre cómo es diferente ahora a cómo era 20 años atrás donde la gente confiaba más en sellos discográficos y cosas por el estilo para poder encontrar una audiencia para su trabajo, para su música. Y hoy en día ya no necesitamos eso porque tenemos el internet y podemos formar una conexión directa con los fanáticos y seguidores. En nuestro caso, empezamos a usar Patreon en el año 2018 me parece,  y el apoyo ha sido abrumador y positivo ¡Ha sido fantástico! De hecho, recientemente me enteré que Toehider tiene la tercera fuente de ingresos más alta, una de las más grandes cuentas de Patreon en Australia con respecto a la música. Entonces para mi ha sido fantástico y lo recomiendo para cualquier músico, artista o creador para que intente usar esta plataforma.

El arte de Andrew Saltmarsh es el sello de Toehider

DARGEDIK: Ahora hablemos sobre el último álbum "I Like It!" que lanzaste en Setiembre del 2020 si no me equivoco. En realidad me gustó mucho el álbum, fue una grata sorpresa. Ahora considerando que tú tocas todos los instrumentos y cantas en las canciones ¿Nos puedes comentar cómo fue el proceso creativo para hacer dichas canciones? Me refiero a que como tocas todos los instrumentos, si es que empezaste por la voz o si tienes algún instrumento musical preferido a la hora de componer?

TOEHIDER: Creo que es diferente para cada canción, a veces se me ocurre algún título de canción gracioso que luego me da ideas para el resto de la canción, hay algunas canciones en el álbum que tienen eso, por ejemplo la primera canción "Go Full Bore!"  fue más o menos como un recuerdo, pensando sobre experiencias manejando autos, y resulta que "Go Full Bore!" es una expresión que usamos aquí en Australia y que significa manejar tan rápido como puedas jajaja ¡Es muy tonto! Y eso vino de un título, ahora también hay otras canciones que fueron creadas de partes de guitarra, riffs de guitarras y luego todo vino de ese riff, en otras ocasiones vino de un estado de ánimo, de alguna emoción, es más difícil encontrar el inicio de esa emoción, quizás es la forma en la cual me siento ese día en particular. A veces es difícil ponerlo en palabras la forma en la cual las canciones se crean porque es una cosa extraña de  pensar en ello a veces pero yo sé que una vez que tienes esa pequeña idea, lo mejor es explorar esa idea lo más pronto posible porque de lo contrario se te podría olvidar. Hay canciones que vienen de sueños, a veces sueñas con alguna extraña y tonta idea, luego despiertas y quieres escribir una canción sobre ese sueño, entonces hay una gran cantidad de fuentes de inspiración, muchas formas de empezar.

DARGEDIK: Suena bien, ahora, he tenido la oportunidad de escuchar tu voz en otros proyectos como Ayreon ¿Cómo la experiencia de trabajar con Arjen?

TOEHIDER: ¡Ha sido abrumadoramente asombroso! Es posiblemente el punto más alto o quizás lo mejor que le ha pasado a mi carrera. Una vez que empecé a trabajar con Ayreon siento que la gente empezó a descubrir mi propia música a través de ello ¡Ha sido fantástico! Ayreon está complacido de trabajar con cualquiera que esté involucrado en el universo de Ayreon, son  muy amables y cariñosos, no hay problemas de ego. Hay muchas cosas en las que son mejores que cualquier otro proyecto. Es refrescante porque yo ingresé al proyecto siendo, diría el que menos sabe, porque estaba trabajando con gente de Dream Theater, Nightwish, Kamelot y todas estas bandas sorprendentes que ya tenían una carrera consolidada y tienen renombre a nivel internacional. Cuando me involucré estaba nervioso sobre ello porque pensaba que algunas personas pensarían  "¿Quién es este chico?" "¿Quién es este chico australiano?" "Nadie he oído hablar de él", pero estoy feliz de reportar que no encontré nada de ello. Todos fueron de mucho apoyo y todos éramos iguales. Por ejemplo en los vestidores, durante los conciertos en vivo, todos hablaban sobre salud vocal, haciendo calentamientos de voz y hablando como un grupo de amigos, fue muy refrescante, fue grandioso.

Arjen Anthony Lucassen (Ayreon) y Mike Mills

DARGEDIK: Muy buena experiencia por lo visto. Ahora queda claro que en tu música tienes una amplia influencia de géneros musicales que te inspiraron. Y ya has mencionado algunas bandas clásicas pero como fanático de la música ¿Tienes tiempo aún para escuchar música y descubrir nuevas bandas que puedan aportar a tu música quizás? ¿O quizás eres de los que prefieren seguir escuchando a las bandas clásicas?