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Género:
 
Progressive Metal
Origen: Italia
Fecha de Lanzamiento: 
01 de Enero del 2022
Discográfica: 
Nadir Promotions

Por : Martín Jiménez Paz

True metal. Idea o concepto que felizmente para algunos y amargamente para otros va perdiendo cada vez mas vigencia en el planeta. Ya en un casi auroral 1984 Manowar se autoproclamaba cultor y productor de esta versión aparentemente depurada del metal, y no estoy seguro si desde entonces o algunos años antes existe una facción  de amantes del metal que desprecian pasionalmente todo aquello que perciben como “falso metal “. Que es el falso metal? Que es el verdadero metal?  Bueno , esas son preguntas que ya no corresponden a esta modesta reseña. Tal vez , en otro momento…..

Si bien la joven banda italiana Cyrux (2013 – a la fecha) hace un metal progresivo que literalmente se caga en cualquier convencionalismo, lugar común, norma, exigencia o cualquier imposición que el sector de metaleros mas recalcitrante pretenda imponer como condición para que algo pueda ser llamado “metal”; el EP que nos reúne en esta ocasión es mucho mas que eso. Para este lanzamiento la banda ha decidido revisar y reeditar 5 temas creados en su primera época juntos arreglados y ejecutados de una manera muy diferente a la original.


Advertencia : Ud no encontrará ni una sola semifusa de guitarra eléctrica distorsionada en toda la producción .

Ok , si quiere seguir leyendo esto , es Ud. Un verdadero valiente  …. (true brave? )

Bromas aparte …. En realidad, bromas incluidas debemos decir que esta es una banda cuya producción está cargada de humor musical:  en algunas letras, en su tratamiento , en los arreglos musicales, en la inclusión a veces totalmente inesperada de motivos musicales que resuenan en el inconsciente colectivo y en otros elementos que deberá descubrir Ud mismo. Como una particular ejemplificación de esto recomendamos oír el tema “Truemetal” del álbum “Experiences “ del 2020; no , no creo que el nombre del tema sea una inocente coincidencia.

Sigamos con lo nuestro. Este EP es eminentemente acústico. Hay mucha percusión  ,pianos, guitarra electroacústica (cuerdas de metal) y muchos coros también . Podríamos decir que la producción en general se pasea entre la música antigua (idea que conecta con los títulos y letras de algunos temas), música étnica, un poco de sonoridades jazzísticas y alguno que otro matiz industrial sobre todo en el último tema.
Muchos coros decíamos . Coros como en el teatro clásico griego, casi letánicos, repetitivos, pero no por ello exentos de una personalidad propia. Pero por momentos coros también como sacados de alguna obra de teatro musical. Y aquí es donde apreciamos el talento creativo y performático  de estos músicos a la vez que aquel humor del cual hablábamos.  En lo que parece ser concebido  totalmente en  animus jocandi , aparecen y conversan diferentes voces a manera operática, repitiendo textos bastante conocidos una y otra vez como si fueran ideas absolutamente solemnes y dramáticas. 

Todo esto último le da al total del EP un carácter bastante teatral en términos generales , no hay virtuosismos ni despliegues increíbles de técnica pero si muy buena energía y bastante creatividad. No es este entonces, una típica producción acústica , si no , mas bien una especie de remolino sonoro experimental que está como suspendido en un constante estado evolutivo. Se entendió esta última frase? No importa, vaya a buscar este álbum y dele un buen par de escuchadas. Todos los días podemos aprender algo nuevo y uno nunca sabe donde o como, hay que estar siempre con las antenas receptoras funcionando . Abrir la mente, abrir los oídos , oir con el corazón, sin prejuicios.  

Otro acepción de la palabra “true “ es “auténtico”, “genuino”, “fiel a tus ideales o convicciones” Personalmente no es un disco que me encante; digamos que no ha sido “la sorpresa del año “ , ni “el disco que cambió mi vida”,  pero se ganan puntos por atrevidos y trues. True to themselves , quise decir.


Calificación: 6/10

Lista de Canciones:

01.  This Is Our (Last) Call
02.  Dorian
                                                                     03.  Jocasta
04.  Richard The Third
05.  Metamorphosis

  
    Páginas Oficiales:
https://cyraxprog.bandcamp.com/
https://www.facebook.com/cyraxmetal




Género: 
power/progressive metal
Origen: Italia
Fecha de Lanzamiento: 
19 de Noviembre del 2021
Discográfica: 
Scarlet Records






Eldritch es una banda veterana dentro de la escena italiana de power metal, que como todos saben (o eso creo)  durante los noventas dio grandes nombres a la escena de power metal, metal sinfónico y todos los géneros afines. Pero la banda agrega metal progresivo a eso, y logra un sonido menos común del resto.

La banda son: Terence Holler en voz, Eugene Simone y Rudj Ginanneschi en guitarras, Oleg Smirnoff en teclados, Raffahell Dridge en batería y Dario Lastrucci en el bajo. El álbum fue producido por Simone Mularoni (Bulldozer, Aevum, Elvenking, Nightland, etc.), mientras que el arte de la portada fue hecho por Federico Mondelli (Labyrinth, Vision Divine, Frozen Crown, etc.)


En este su décimo segundo álbum, la banda sigue en esa línea de power metal, con algunos pasajes progresivos, sin embargo el sonido clásico se mantiene en canciones repletas de batería a doble bombo constante, una voz de matices y notas altas y solos de guitarra que se inclina mas por lo neoclásico, que por otro estilo mas contemporáneo, algo ya muy repetitivo en bandas del género.

Hay pistas a destacar dentro del metal progresivo como "Circles", con un toque distinto tanto en riffs como en algunos arreglos de teclados. Una canción a medio tiempo como "No Obscurity", hacen de este disco una obra variada, bien lograda, que tiene como otro gran momento en la extensa "Sunken Dreams", mientras que la mezcla entre ese estilo y el power se mezclan muy bien en "Fear Me", una de las mejores de este trabajo. Hay una especie de balada llamada "I Can't Believe It", que luego da paso a la pesada "The Awful Closure". El cierre con el cover de Bon Jovi no es acertado, teniendo en cuenta que esta versión salió mas débil que la original.


Un buen disco en donde el metal progresivo se mezcla bien con el power metal, con buenas canciones, pero que aún así le falta algo más para destacarse, quizás algo mas de ganchos, o un sonido mas potente, tal vez, pero nada de eso quita que este disco sea recomendable, para cualquier amante del metal en general.

Calificación: 8.2/10

Lista de Canciones:

01. Dead Blossom
02. Failure of Faith
03. The Cry of a Nation
04. Circles
05. No Obscurity
06. Sunken Dreams
07. Fear Me
08. I Can't Believe It
09. The Awful Closure
10. Eos
11. Runaway (Bon Jovi cover)

Páginas Oficiales:








Fecha de Lanzamiento: 26 de Noviembre del 2021 
País de la Banda: Suecia 
Sello: Dalapop 
Estilo Musical: Progressive Metal







Si Opeth y Katatonia hubieran decidido tener un hijo con todos sus elementos melancólicos, progresivos y momentos duros de sus primeras épocas o los 90s. La banda que se adaptaría perfectamente a este concepto es In Mourning, ya que desde aquel primer álbum “Shrouded Divine” (2008) y hasta este “The Bleeding Veil”. Su música tiene muchas dosis de las bandas mencionadas, además de agregarle un detalle personal a cada nueva producción que habla por la banda a un nivel único. Sin olvidar que la transición de voces limpias y guturales tienen un mejor desenvolvimiento si lo comparamos con los límites que tanto Katatonia y Opeth tienen hoy en día en sus nuevas producciones, porque existe variedad y texturas en las voces limpias que ayudan a desenvolver mejor la música de estos suecos, y no tienen un clavo atracado en la garganta como Mikael desde hace muchos álbumes. 

Mientras la pandemia avanzaba y se veían las publicaciones de muchas bandas para aplazar lanzamientos, giras y otros detalles más. In Mourning decidió apostar por la creación de un nuevo álbum, mencionando que era la primera vez que la banda se iba a tomar un tiempo corto para lanzar este “The Bleeding Veil” después de su maravilloso “Garden of Sorrows” (2019). Pero, a decir verdad, esta idea de lanzar una nueva producción después de dos años, no era la primera vez que la banda decidía hacer algo en un corto periodo, porque desde el 2008 hasta el 2012 fueron lanzados 3 álbumes con la diferencia de dos años. Así que esta idea fue un poco conocida dentro de la trayectoria de la banda, por lo que, este sexto álbum tiene todos los elementos personales de la banda en cuanto a tiempo de producción y material compositivo, pero esta vez inclinada hacia lo personal y lúgubre de su música, y de producción autofinanciada completamente por ellos mismos, y solo recibiendo distribución del álbum a través de una tienda local de discos en su natal Dalarma, Falun - Suecia. 


In Mourning es una de las últimas bandas que me tiene muy interesado con ese sonido 90s, porque supieron adoptar un camino perdido por sus mayores influencias, y darle ese gancho necesario que se perdió durante el proceso evolutivo de otras bandas. Captando esa esencia noventera para adaptarlo con un sonido moderno y sin perder un ápice de esas sensaciones que muchos esperan otra vez escuchar de Opeth y Katatonia. Y que solo In Mourning logra hacerlo con gran efectividad, porque desde que todo empieza con “Sovereign” y termina con “Beyond Thunder”, la música tiene todo lo necesario para apegarte a cada canción de manera independiente, y como álbum. Es un completo trallazo musical que sigue creciendo bajo sus propias influencias, llevando al extremo correcto de como pudo ser el camino de este estilo melódico, progresivo y pesado que hubo en los 90s en el Heavy Metal. Donde la portada de Caroline Strand encaja perfectamente para todas las sensaciones melancólicas, oscuras y de bastante base en pensamientos y memorias que tiene la banda al impregnar su música. 

Veamos, de manera un poco más detallada cada canción, “Sovereign” tiene esa esencia ruda desde el inicio, los armónicos de Tobias y Björn son excelentes, fuerza y momentos pálidos nutren su manera de hacer las cosas. La batería de Joakin comienza a ser cada vez más complicada y con muchos elementos progresivos que desbordan mucha consistencia, y como los cambios de tempos juegan un rol importante, pero lo más llamativo es la cantidad de texturas que tienen las guturaciones, versiones cantadas raspadas y algunas voces limpias que se mezclan de manera genial. Con “At the Behest of Night” tenemos un poco más de calma, pero a medida que se desarrolla, la canción comienza a tener muchos colores y recorren esos parajes noventeros que son de ensueño, los melódicos en las guitarras son de maravilla y de como esta sensación melancólica se prolonga por todo el disco, pero los encajes son de los más llamativo entre riffs, porque existen cosas muy congruentes para sacarle el jugo al máximo, y con esta misma idea seguir en “Solitude and Silence”, ensalzando mucho más sus ramificaciones progresivas y las texturas vocales que pueden llegar a tener instancias muy parecidas a las cadencias vocales de Freddie Mercury de Queen


Thornwalker” se pone mucho más misteriosa con los tempos cortados y riffs adictivos cerrados de palm mutting, y luego cambiar de ambiente hacía lo más oscuro y melódico de cualquier banda de Black Metal. Y no solo la parte rítmica cambia, sino que todo el equipo cambia a un estado oscuro y gélido; pero luego el cambio de tempo hacía lo melódico de corte sueco y con muchos instantes doomers es incréible de escuchar, y la voz de Tobias sea el precursor para cambiar de ritmo, es lo que hace más interesante toda la canción. “Blood in the Furrows” se adentra a instancias más progresivas y doomers, donde nuevamente la voz de Tobias es increíble de escuchar en todas sus diversidades, porque tiene un amplio espectro de guturaciones y limpias. Además, que Björn se adentre dentro de este concepto con más variedad, hace que el disco sea un inmenso trallazo de pies de a cabeza y termines escuchando con una sonrisa en la cara “Lights on the Mire” y “Beyond Thunder” como canciones finales de todo álbum, recordando como pudo ser el desarrolla dentro de ese sonido en estos años. 

The Bleeding Veil” es un gran álbum de In Mourning, sigue llevando los limites extremos y progresivos a su propia idea. Me siento feliz de que ese sonido 90s hecho por Opeth y Katatonia se haya seguido desarrollando, y haya encontrado un nicho en esta banda sueca. La cual puede ser uno de los nombres grandes de esta escena, y aunque las ediciones físicas la manejen completamente la banda, es bueno esperar por un trabajo que merece la pena comprar en su versión física. Gran presentación de esta banda sueca, la cual hasta el momento no tienen ningún álbum de mala calidad, todos son tremendas patadas en el cerebro para el amante de lo progresivo y extremo. 

Calificación: 9.6 / 10

Lista de Canciones:

1. Sovereign
2. At the Behest of Night
3. Solitude and Silence
4. Thornwalker
5. Blood in the Furrows
6. Lights on the Mire
7. Beyond Thunder

Enlaces:







Fecha de Lanzamiento: 29 de Octubre del 2021 
País de la Banda: Estados Unidos 
Sello: Reprise Records 
Estilo Musical: Progressive Metal






Hace muchos años atrás cuando escuche por primera vez “Leviathan” (2004), y conversaba con mi hermano acerca de que es y será el mejor álbum de Mastodon de todos los tiempos. Recuerdo que me dijo, espera, aún es muy pronto para decir eso, y luego saltamos en la historia hasta “Crack the Skye” (2009). Donde las reseñas decían que es el álbum negro de Mastodon, y que era la epitome musical de la banda, pero en ese instante, regrese en el tiempo y recordé las palabras de mi hermano. Entonces, cada vez más esta banda estadounidense comenzó a tener una presencia imponente en el mundo metalero con discos capaces de destronar a sus propios álbumes y a muchas bandas, y presentar nuevas ideas que vayan acorde a la progresión de su música, ya que no existe álbum parecido o puedas decir, me quedo con determinada producción. O tratar de hacer un resumen de su música en pocas palabras o de lo que vayas a encontrar, porque esa es la maravilla de Mastodon y hasta el momento, su universo de ideas parece no tener fin, y a pesar de tener influencias del pasado como piques rock and roll o estilos country, encuentras un hibrido personal y progresivo que no tiene un punto de partida, sino un punto de avance para las siguientes generaciones.

Hushed and Grim” es un disco solido en cualquier sentido de la palabra, y se nota que Mastodon tuvo un año fructífero con este, porque viene en presentación doble el CD y no quisieron guardarse nada en cuanto a sus composiciones. Porque cada canción tiene sensaciones distintas dentro de una sola manera de componer, es como estar escuchando que el mastodonte crece cada vez más en sus composiciones a medida que avanzan los segundos en todo el álbum. Y con este tema, es impresionante como el álbum crece con cada escuchada y con cada variedad que tiene desde que inicias con “Pain with an Anchor”, con esa tenacidad que tiene la banda, donde el trabajo de Brann Dailor es impresionante con los redobles mientras que las guitarras apasionadas de Brett y Bill aprovechan esta idea para hacerla hipnótica y terminas cantando cada letra de la canción; además, que la variedad de voces es la especialidad de Mastodon desde aquel “Remission” (2002). Y como siempre, con una sola canción de esta maquina estadounidense, todo crece a medida que pasan los segundos, y su música se pone pesada y dura para darle ese toque personal que solo Mastodon tiene. 


The Crux” es uno de los más pesados de todo el disco junto al primer sencillo del álbum “Pushing the Tides”. Donde la magia de la banda entre ritmos progresivos, y la voz de Brann es la que toma mayor predominancia a nivel general en todo el disco, especialmente si quieres terminar cantando los coros de las canciones. Luego “The Crux” tiene un breve solo de guitarra blues que eleva el poder de esta canción, que ya de por si es completa; y así conectar con “Sickle and Peace” de voces psicodélicas con ritmos arpegiados, donde la voz de Troy es increíble de escuchar, con esa vibra apaciguada para una voz usualmente furiosa y aguardientosa. Luego, el despunte de riffs pesados se hace escuchar en cada momento y la voz de Brann con efectos hipnóticos; las cuales tienden a turnarse entre lo pesado y lento de la música de Mastodon, y es obvio que las influencias de Brent en el solo de guitarra blues siempre encajan bien. Luego con “More than I Could Chew” las cosas tiene otra forma, los teclados son importantes en crear esa aura sombría que es parte de la música desde hace muchos años, y como siempre deciden apoyarse en ritmos progresivos para darle su sazón metalera y pesada a la música de siempre. 

The Beast” usa recursos country que siempre estuvieron en la música de Mastodon desde “Leviathan” (2004), y que se acrecentaron cada vez más en “Crack the Skye” (2009), hasta llegar a este “Hushed and Grim”. Ojo, el objeto de siempre empezar en este ambiente y luego acelerarlo con su lado metalero y progresivo, es propio de Mastodon, porque saben como darle variedad a su música, además de siempre aplicar una infinidad de texturas y capas dentro de una canción que solo puede sonar a Mastodon, y claro los solos de muchos universos presentan un amplio mundo de ritmos y notas que sorprenden a nivel general. Luego con “Skeleton of Splendor” tenemos la presencia de su mundo psicodélico de siempre, y esta vez agregarle tonos sombríos y calmados que son geniales de escuchar gracias a los teclados que en este álbum comienzan a tomar mayor predominancia a medida que avanzas en el, sin olvidar que la voz de Troy siempre es un placer escuchar con esa situación áspera y desgastada que tiene su timbre. De ahí se tiene “Teardrinker”, otra joya melódica, psicodélica progresiva de muchas voces y patrones musicales, donde el solo de bajo de Troy es realmente impresionante con ese fuzz 70s; y que, si estas viendo el video y escuchando la canción, todo se complementa de una manera genial con todo ese enmarañado de ideas. Quede pegado muchas noches escuchando este sencillo desde el primer momento que salío junto al video. 

Peace and Tranquility” es de aquellas canciones que demuestran el potencial de la banda a nivel supremo, de aspectos más extravagantes desde su lado más técnico como músicos. Es aquí, que tengo de escribir nuevamente, que hasta el momento la música de Mastodon parece no tener límites, y presentan álbumes capaces de destronar a sus anteriores, porque los armónicos de Brent y Bill, junto a los solos de guitarra de ambas influencias es impresionante, luego los intercambios vocales son de caramelo infinito. Sin olvidar que el bajo y la batería siempre tienen elementos personales que no dejan de destacar aún más la canción. Luego con “Dagger” comienzas a tener una vibra de medio oriente, donde la banda corre bastantes riegos en sus composiciones, presentando algo innovador, inclusive para ellos mismos, pero eso es lo interesante de esta canción y a nivel general de todo el álbum. De ahí con “Had It All” todo vuelve a ser introspectivo, silencioso, lúgubre, sombrío, donde la madre de Troy toca la trompa clásica, dándole ese distintivo para motivarte aún más y quedarte pegarte a los ritmos de ensueño de este nuevo álbum. 


Casi llegando al final tenemos “Savage Lands”, canción eufórica e intensa, quizá hasta un poco áspera comparado con las canciones antecesoras, pero siempre llevando armónicos y esquemas del típico Mastodon, siempre llevando un torbellino de sensaciones y ejecuciones que hacen de esta canción toda una delicia musical para los amantes y no amantes de la banda. Me encanta que la banda haya puesto bastante pasión furiosa en esta canción, y como cae a pelo con el nombre de la canción que conecta excelentemente con “Gobblers of Dregs”. La cual tiene un tempo más lento, pero al mismo tiempo tiene esa vibra lúgubre y melancólica que la banda ya estuvo presentando dentro de todo el álbum. Además, tiene esa idea de estar ante algo sencillo, pero luego el desmadre de la banda comienza cuando menos lo piensas y crece agigantadamente en su música. Siendo así que llegamos al final del disco con “Eyes of Serpents” y “Gigantium”, música que no para de tener saltos, cambios, cosas conocidas de la banda como de álbumes de “Once More 'Round the Sun” (2014) o “The Hunter” (2011), teniendo esa idea equilibrada dentro de lo salvaje que pueden llegar a ser, calmados y al mismo tiempo cerrar con un temon como “Gigantium”. Toda una delicia musical que cierra con bombos y platillos este octavo álbum de Mastodon

Hushed and Grim” para muchos puede resultar un álbum confuso y distinto, pero ese es el sentido de este álbum, al tener muchos aspectos personales y hasta secretos (en un sentido intimo); pero la grandiosidad de la banda se siente a pasos agigantados. Donde la audacia de irse por otros universos musicales les da una idea personal que sigue creciendo con este álbum de manera salvaje, atrevida y hasta inquietante en todo el concepto que tiene Mastodon para brindar un disco de grandes características, viendo hacía el futuro dentro de su propia música, que como siempre dije, parece no tener limites compositivos. Y eso en lo personal me agrada, porque no escucho la misma formula con la que me enamore de esta banda, y puede seguir creándome sensaciones impensadas en mas de una hora de música sólida y sin ningún punto flojo. ¡Impresionante! 

Calificación: 10 / 10

Lista de Canciones:

1. Pain with an Anchor
2. The Crux
3. Sickle and Peace 
4. More than I Could Chew
5. The Beast
6. Skeleton of Splendor
7. Teardrinker
8. Pushing the Tides
9. Peace and Tranquility
10. Dagger
11. Had It All 
12. Savage Lands
13. Gobblers of Dregs
14. Eyes of Serpents
15. Gigantium

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Fecha de Lanzamiento: 29 de Octubre del 2021 
País de la Banda: Estados Unidos 
Sello: Metal Blade Records 
Estilo Musical: Death Metal / Progressive Metal





Siempre creí que las bandas más promocionadas y sin mucho que decir dentro del metal son The Black Dahlia Murder y los mencionados en esta reseña Whitechapel. Quizá muchos vayan en contra de lo digo, pero a nivel real, son bandas sin una estrella determinada, tanto para The Black Dahlia Murder que empezó con “Unhallowed” (2003) y sigue su camino hasta “Verminous” (2020). Porque su música no tiene una característica personal o un detalle que puedas decir a través de los años que es distinguible, y eso se demuestra cuando estas sentado escuchando cualquiera de sus álbumes, y solo se puede acotar que tiene sencillos capaces de ayudarte a mover la cabeza, luego de eso el disco es olvidado. Se que esto depende de la perspectiva del oyente, pero existen cosas inevitables que no se pueden tapar con un dedo, y dentro de este aspecto sus coterráneos de Whitechapel tienen esta misma esencia, y aunque “The Valley” (2019) tiene más consistencia a nivel general si lo comparamos con sus antecesores, este “Kin” no llega a esa desnucada completa que presentaron hace dos años. 


Conversando con Phil Bozeman acerca de este nuevo álbum, pues este “Kin” es la continuación de “Mark of the Blade” (2016) y “The Valley” (2019), los cuales pertenecen a la trilogía que se cierra con el nuevo álbum. Entonces, si lo enfocamos desde ese punto de vista, el disco logra su cometido, porque es un disco más pausado y con más Death Metal que Deathcore, lo cual puede alegrar un poco a los clásicos del estilo, pero la existencia un poco floja de momentos super rockeros desequilibran completamente la música de la banda desde que todo empieza con “I Will Find You” y termina con la homónima “Kin”. Siendo así que, desde la canción inicial, la banda mezcla todas sus influencias, pero existe un punto en la voz de Phil cuando introduce las limpias, que no llegan correctamente a la escala de las notas y no tiene el efecto que deberían tener para la canción, y siempre es algo que falto en la música de Whitechapel. Pero eso sí, en canciones como “Lost Boy”, la música se pone agresiva y Death Metal directo a la vena, siendo lo que esperas de esta banda, y por ende con las inclusiones Rock y progresivas que estaban desde su álbum homónimo “Whitechapel” (2012). 

De ahí en adelante la banda con temas como “A Bloodsoaked Symphony”, “Anticure” o el último sencillo “Orphan” comienzan a presentar ese lado progresivo rocker que solo se apega a lo extraño de la banda, y que en lo personal no encaja muy bien. Y aunque sea un plato conocido, la música tiene mucho que mejorar, porque si lo comparamos con otras canciones como “The Ones That Made Us”, la banda esta completa, balanceando sus puntos duros, con sonidos djent, luego momentos disonantes y al final tener esa dosis de puñetazo en la cara de Death Metal, y la voz gutural de Phil es el principal atractivo de todo el disco. Luego con “History Is Silent” el disco se pone aburrido, y entiendo que quieran darle otro enfoque a su música desde hace mucho años, pero al final no tiene el final esperado. Y esta misma idea, como lo dije, continua en Whitechapel, porque se nota que es una banda que sigue en busca de una identidad, y no tiene algo directo o concreto, porque una cosa es cierta. Puede haber música de muchas variantes y muchas ideas, y hasta cosas sin sentido, pero estas tienen mucha personalidad al hacerse, así como alguna vez salío un álbum de Mr. Bungle, y nadie podía encasillarlo en un estilo musical, pero el resultado, es algo de mucha identidad. 


The Valley” (2019) si tuvo momentos interesantes, pero “Kin” llega a tener el mismo el defecto de toda su discografía. Donde 47 minutos tienen altos y bajos en las composiciones, y si quieres pensar con esta producción como una trilogía según las palabras de Phil, pues el cierre de esta tiene muchos puntos sueltos en su música. Y como siempre, la música a nivel de ejecución es suprema y la producción es buenísima, pero como álbum, se tiene muchas cosas que pulir para poder engancharte completamente, y solo el brillo de algunas canciones resalta en todos los minutos de esta última producción. 

Calificación: 6.5 / 10

Lista de Canciones:

1. I Will Find You
2. Lost Boy
3. A Bloodsoaked Symphony
4. Anticure
5. The Ones That Made Us
6. History Is Silent
7. To the Wolves
8. Orphan
9. Without You 
10. Without Us
11. Kin

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Fecha de Lanzamiento: 22 de Octubre del 2021 
País de la Banda: Estados Unidos 
Sello: InsideOut Music 
Estilo Musical: Progressive Metal





Dream Theater no necesita mayor presentación, y una extensa discografía que es para algunos y no para otros. Así de simple, y hablar de su tiempo en el espacio y tiempo, creo que sería algo absurdo en estos tiempos. Entonces, nos ubicaremos desde su exitoso antecesor “Distance Over Time” (2019), porque 10 años antes de ese disco, esta banda se fue por zonas aburridas y tediosas de escuchar gracias al proceso de afianzamiento de Mangini. Pero esa faceta larga y aburrida termino hace 2 años, y luego de ese regreso se tiene “A View From the Top of the World”, manteniendo el universo de ese disco exitoso y colocando un poco más técnica a la música que hay detrás de las siete canciones y más de una hora de música progresiva, y si la comparamos con su antecesor. Se siente en toda la música, que existen muchas ganas de salir de ese temple aburrido, lento y tedioso que alguna vez le funciono a Dream Theater en el pasado o los 90s, pero después de 3 discos sin luz y 10 años de errores, esta nueva opción en la banda cae muy bien. 

Habiendo agotado sus recursos de ponerse tediosos y aburridos en un plano progresivo al mismo estilo del eterno acongojado y tristón de Steven Wilson; “A View from the Top of the World” es un disco directo y sencillo de entender sinos ubicamos en un plano donde la banda ya tuvo cosas más progresivas, metaleras y abusivas como en “Six Degrees of Inner Turbulence” (2002) o “Train of Thought” (2003), así que alguien diga que esto más tecnico que "The Glass Prison", pues de verdad tiene que regresar a primaria y escuchar álbumes pasados. Ahora la banda, decide tener una faceta más lineal y apegada a sus grandes éxitos de los noventas, porque hay momentos como en “Invisible Monster” que regresa al pasado de “Falling into Infinity” (1997) y tiene ese coro que se te queda pegado aún después de escucharlo solo una vez. Luego nos enfocamos al primer sencillo de la banda como “The Alien”, canción que fue una carta regular de este nuevo álbum, porque tiene los elementos de la banda, con Petrucci más inspirado en los tempos y esquemas, teclados más sinfónicos y de muchos adornos que son parte de lo conocido por Rudes, y una batería que está detrás de aquellos momentos del grande Portnoy. Y aunque les duela leer esto, es la verdad, Mangini podrá ser un baterista virtuoso, pero la esencia de sus compases está envasada e influenciada por su antecesor en ese puesto. Y es aquí que se tiene un elemento a destacar, las voces con efectos de Labrie, son un detalle interesante y que nuevamente son traídos de su proyecto personal, pero esta vez suaves y por segundos, ya no como en “Paralyzed” de su antecesor álbum. 


A pesar de que los dos sencillos de este álbum tienen esa formula decir, no me voy por el formato físico, porque existen momentos reusados por la banda en ambas canciones que llegan más al corazón de la nostalgia, que por la misma idea de estar ante un gran álbum. Y esos dos, solo son una prueba de que la banda se aburrió de su etapa lenta, pero de ahí canciones como “Answering the Call” o “Awaken the Master”, que son de las mejores del disco, tienen ese grado evolutivo que la banda puede llegar a pisar alguna vez, y acá no es necesario que James Labrie tenga un sinfín de texturas en su voz, porque la instrumentalización ya tiene un alto grado de complejidad, donde la primera canción tiene mucho de su atrevido sexto álbum, teclados psicodélicos por instantes y partes intrínsecas que pueden ser tomadas como ejemplo de que Dream Theater puede producir un mutante a nivel técnico como cualquier disco de una banda moderna. 

En la segunda canción mencionada del anterior párrafo, tiene esa idea barateada por cualquier red social, el cual era de que Petrucci iba a usar una guitarra de 8 cuerdas para la grabación del nuevo álbum, y en efecto, así pasa en este sexto tema. Así que, es innegable que la música de Dream Theater comienza a tomar otro sonido, y es acá que el trabajo de Mangini se acrecienta más y se aleja de Portnoy, pero eso sí, gracias a los teclados de Rudes, la música se establece donde se conoce el estatus de estos estadounidenses, además de presentar una canción sacada de sonidos y de álbumes como Animals as Leaders u otra banda de este mismo corte. Y en lo particular, me hubiera gustado escuchar un poco más de este sabor moderno y actual que ellos ayudaron a crear, y cuando escuchas que los maestros pueden hacerlo, entonces te da un atisbo de que la banda puede expandirse en su sonido con algo mucho más fuera de lo común, y colocarle tempos complicados en segundos. Además de que el bajo de Myung tiene más presencia en canciones de este corte moderno y de esta cadencia en notas producidas por una guitarra de 8 cuerdas. Ya que muchas bandas nacidas y crecidas con el sonido de ellos aprovechan los distintos trastes que tiene este instrumento que llega hoy en día hasta más cuerdas que una guitarra normal. 


Sleeping Giant” y “Transcending Time” son canciones que no presentan nada de novedoso en la música de Dream Theater. Teniendo esa mezcla entre “Systematic Chaos” (2007), por momentos “Awake” (1994) y al final terminar con una de las últimas joyas de la banda “Black Clouds & Silver Linings” (2009). Presentando momentos rockers, progresivos, pocas dosis metaleras, pero que al final tienen el efecto esperado dentro de su propia discografía. Quizá el detalle relevante es que algunos riffs y punteos de Petrucci suenan a cosas personales presentadas en su álbum solista del 2020. Siendo algo que era de esperarse en la música de este guitarrista, porque una cosa lleva a la otra. Luego con la final y homónima del disco “A View from the Top of the World”, tienen las cosas cerradas en cuanto a cómo es la música de la banda, con muchos sabores de discos pasados y ningún tipo de incursión nueva en la música, así de sencillo. Es como decir, entregamos una canción larga y de nuestro catalogo para todos los fanáticos que están esperando algo así de nosotros, y lo logran, cumple el efecto, pero el reusó de ideas es lo que juega un patrón en contra de grosas magnitudes por ser más de lo mismo en la canción y su duración. Siendo quizá la canción menos agradable de escuchar dentro de todo el álbum. 

A View from the Top of the World” es un disco que dejo su lado aburrido a nivel general, no supera a su antecesor, y tiene muchas ganas de ser agresivo por momentos. Pero aún falta retocar algunas cosas para poder encender el motor completamente y que nos regalen algunas cosas modernas y que vayan a la vanguardia del mundo progresivo de estos últimos años que ellos ayudaron a crear. Mientras tanto tenemos un disco bueno, más no destacable dentro de la carrera de la banda, y obviamente mejor que los 10 años de oscurantismo progresivo que la banda tuvo antes de su penúltimo álbum. 

Calificación: 8.3 / 10

Lista de Canciones:

1. The Alien
2. Answering the Call
3. Invisible Monster
4. Sleeping Giant 
5. Transcending Time
6. Awaken the Master
7. A View from the Top of the World

Enlaces:







Fecha de Lanzamiento: 20 de Agosto del 2021 
País de la Banda: Estados Unidos 
Sello: Sumerian Records 
Estilo Musical: Progressive Metal





Por ahí vi en un canal de Youtube que decían que este mes de agosto no se tenían lanzamientos importantes, pero eso es completamente equivocado, ya que el metal de estos últimos años tiene nuevas estrellas y bandas como Leprous, Jinjer, The Neal Morse Band y ahora el tan esperado disco de Between The Buried and Me, los cuales demuestran que no es necesario esperar un disco de bandas de los 60s, 70s, 80s y 90s. Porque el mundo sigue expandiéndose, y si no permitimos que salgan nuevas estrellas en el cielo, pues mejor sigo escuchando dos o tres álbumes de esos años y no escucho más, y mandamos a la mierda todo lo que las bandas nuevas están haciendo y toda la industria de vinilos, CDs, cintas, polos y más, que solo se ve en este mundo metalero, muera, así de sencillo. Porque a nivel pop o “mainstream”, eso no existe y artistas de esos estilos solo lanzan una canción o dos para mantener sus redes activas, y la gente que no le toma importancia a la música, siga oyendo lo que se reproduce en cualquier lado y no escuche con tiempo y paciencia lo que ahora es la música metalera. 


Para mi grato escuchar una nueva producción de Between the Buried and Me, porque no solo es música que se piensa, que se hizo hace muchos años -según los más aferrados al mundo viejo-, sino es de aquellas bandas que siguen creando nuevas alternativas para que no solo escuches una producción de ellos, sino varias. Además, su catálogo discográfico es vasto de muchas cosas, porque para aquellos que los descubrieron con “Between the Buried and Me” (2002), u otros con “Alaska” (2005), luego otros “Colors” (2007) o quizá con la última época con “Automata I” y “Automata II (2018). Pues se darán cuenta que no estamos ante una banda tranquila o que te diga lo mismo todo el tiempo, y eso es lo mejor, porque vas a encontrar muchos universos dentro de la música de estos estadounidenses. Entonces, “Colors II” es un disco que directamente se tiene que ver como la continuación de su aclamado álbum del 2007, porque tiene la misma perspectiva de colores en la portada, la idea de mezclar muchas cosas dentro de la música y encontrar un placer auditivo que pocas bandas logran hacerlo con ese resultado. 

Dentro de este de si verlo o no verlo como seguidilla de su icónico álbum del 2007, pues podría decir que no es del todo acurado, porque “Colors” (2007) fue un disco más agresivo y directo, con una producción menor si lo comparamos el grado de popularidad que la banda desde “Alaska” (2005). Pero eso si lo elementos progresivos influenciados fuertemente por Dream Theater están presentes en la música desde la primera y ahora esta continuación, pero retocados de una manera elegante, sin la necesidad de abusar de elementos extraños, y si se llega a hacer, pues encajan bien, y es obvio que las cosas no van a ser iguales a su pasado, porque como lo dije, existen transiciones en la banda que te ayudan a entender mejor lo que vas a encontrar en este “Colors II”. Porque hay detalles en los cuales el disco es refinado, tiene momentos duros y momentos progresivos que te ayudan a disfrutar de la música, porque existe mucha diversidad desde que todo comienza con “Monochrome” y luego terminas con “Human is Hell (Another One with Love)”. Hay jazz, metal, gospel, blues, extreme music y al final tener un universo que habla en un conjunto de estar enfocado y muy concentrado con su música, y con ello, llevar partes duras y de un momento a otro puedas encontrar un momento con guitarras acústicas, pero al final encontrar momentos Groove o momentos que hasta parecen sacados de un circo musical. 


Algunas veces se puede decir que las secuelas no funcionan perfectamente, pero esta vez “Colors II” supera en todo sentido a su primera idea, quizá no como lo mayoría esperaba, pero tener muchas texturas es lo que ayuda a encontrar una banda solida que no quiere que pienses en su disco del 2007, sino que esta es la nueva versión de ese éxito y que ahora te damos más para pensar con que disco quedarte en estos últimos 20 años. Y hacer eso, es muy difícil en tiempos donde existe mucha versatilidad musical y mucha competencia auditiva, pero Between the Buried and Me lo logra en todo sentido. En lo personal, elevar cada vez más la valla suele ser difícil, pero ahora encontrar maravillas de este tipo dentro años que estamos viviendo de corrientes u olas de nostalgia Thrash Metal, Death Meta y Heavy Metal, pues este “Colors II” desplaza eso y te da muchas esperanzas de que la música siga una evolución natural y esta sea contundente. Imperdible disco. 

Calificación: 10 / 10

Lista de Canciones:

1. Monochrome
2. The Double Helix of Extinction
3. Revolution in Limbo
4. Fix the Error
5. Never Seen/Future Shock
6. Stare into the Abyss
7. Prehistory
8. Bad Habits
9. The Future Is Behind Us
10. Turbulent
11. Sfumato
12. Human Is Hell (Another One with Love)

Enlaces:








Fecha de Lanzamiento: 27 de Agosto del 2021 
País de la Banda: España 
Sello: Nuclear Blast 
Estilo Musical: Progressive Metal






No sé cómo empezar esta reseña del nuevo disco de White Stones, porque para ser directo, es una banda que desconocía completamente, pero la tecnología de hoy ayuda a actualizarte mejor con este tipo de cosas. Sin embargo, esa no es la razón por la cual entro en duda de muchas cosas con estos españoles, porque cuando me actualicé con “Kuarahy” (2020) sentí a una banda insípida en todo sentido, con muy pocas que resaltar, y la producción en estudio no ayuda que digamos para encontrar sabor o texturas en la música. Así que dejemos ese primer álbum en la repisa de discos que alguna vez se van a volver escuchar dentro de un periodo de 10 o 15 años, como paso con muchos álbumes de los 80s y 90s, que envejecieron mejor y son contundentes con los años. Entonces, luego de ese primer álbum se tiene “Dancing into Oblivion” y vaya que ese lado insípido sigue en su música. 


No ahondare mucho en este “Dancing into Oblivion”, porque escuchar 35 minutos de cosas insípidas y demasiadamente recicladas, presentan un gran bache en la música de White Stones, es como escuchar una idea de salir del sonido que hace Opeth hoy en día, y recordar los mejores momentos de esa banda, pero encajarlos de una banda extraña y al final no tener algo solido o disfrutable. Podrá ser que Martín Mendez o Eloi Boucherie tengan mucha experiencia haciendo música, Martín es muy buen bajista en toda la música que se hizo con Opeth desde su ingreso en 1997, luego el trabajo hecho por Eloi en Vidres a La Sang es de respetar, porque es una de las pocas bandas en España que me gusta como hicieron sus álbumes desde “Vidres a la sang” (2004) y hasta “Set de Sang” (2018). Pero, y acá viene el más grande de todos, eso no te asegura que lo que vayan a hacer juntos sea excelente, y este segundo álbum de White Stones es la prueba, sin olvidar que ya son dos producciones insípidas y que fueron hechas para sacar un lado opuesto a lo que hacen con sus bandas principales. 

Desde que todo empieza con “La Menace” y termina con “Acacia”, hay muchos cabos sueltos, ideas jazz en el bajo que están un poco desfasadas, donde la producción 90s u 80s que le quisieron dar no ayuda mucho para ver que es lo que están haciendo a nivel general, existe un periodo donde las ideas hasta parecen forzadas, dando espacios innecesarios a los instrumentos o el bajo que quiere estar por encima de todo, como diciendo yo estoy acá y prueba de eso es “Iron Titans”. Donde los otros instrumentos están detrás de la mezcla y bajo esta encima de todo. Algo que en lo personal no es nada agradable de escuchar, porque no hay solidez como banda, sino de independencia, y eso no resulta productivo para escucharse de manera completa. Y así es todo el disco a nivel general, y ojo el grado de ejecución de los instrumentos es algo que no es mencionable, porque ya es algo innato dentro de lo música tener un nivel pro, pero los encajes e ideas son austeras. 


Hace mucho que no me encontraba con un disco tedioso de escuchar, y “Dancing Into Oblivion” no lo hace sencillo, y válgame que estuve en el álbum alrededor de unas 6 o más horas para encontrar algo distintivo o para escribir bien de White Stones. Pero no, es un disco difícil de acceder, huraño en todo sentido y muy “exclusivo”, si tendríamos que ponerle una palabra para decir lo que la banda quiso expresar. Esperemos que la música pueda ser más llamativa a futuro, y no tengan baches compositivos a nivel general, y nuevamente no sé porque esta etiquetado como Progressive Death Metal, porque de Death Metal no tiene más del 3% de todo el álbum. 

Calificación: 4.3 / 10

Lista de Canciones:

1. La Menace
2. New Age of Dark
3. Chain of Command
4. Iron Titans 
5. Woven Dream 
6. To Lie or to Die 
7. Freedom in Captivity
8. Acacia

Enlaces:


Terra Odium is one of those musical megaprojects that has Steve Di Giorgio on bass as musicians within its ranks. But in that sense and with that trajectory of other musicians such as Øyvind Hægeland, Asgeir Mickelson and Bollie Fredriksen. This new band is much more important, because Øyvind and Asgeir resided in one of the most important Norwegian progressive metal projects of the early 2000s, belonging to Spiral Architect and having their only album “A Sceptic's Universe” (2000). Which, personally, is one of those albums that cannot be made twice and the band in 21 years could not make another one. But who knows their motives. So, within this framework of surprises you have Bollie from Manitou, a band from the 90s with progressive dark element that you will ojust find in Norway, since “Entrance” (1995). One of those records that you need to listen many times to find a light in the dark. Those being the reasons for led me to look forward to see this trio again with “Ne Plus Ultra” (Frontiers Records), and Steve's theme is like the addition to so many other technical and progressive monsters.

Leer la entrevista en español: Entrevista a Terra Odium

Øyvind Hægeland (guitar and vocals)

DARGEDIK: Welcome Øyvind to the Dargedik webzines pages, it's a great pleasure to talk with you about Terra Odium and the new album “Ne Plus Ultra”. Tell me, what motivated you to form a band again like Terra Odium? Coz since "Entrance" (1995) and "A Sceptic's Universe" (2000), I don’t remember to hear more productions from you and unique voice. 

TERRA ODIUM: Hi! Thank you, it’s a pleasure! Terra Odium was forged from the ashes of the Norwegian progressive metal band Manitou. The guitarist, Bollie Fredriksen, and I started writing songs together back in 2011 when we reunited Manitou which disbanded in the mid 90s. After a few live shows, Manitou was put back into the grave. Bollie and I worked really well together, and the creativity was really blooming, so we decided to keep on writing songs and form a new band. In addition to the albums “Entrance” (1995) (with Bollie) and “A Sceptic’s Universe” (2000) (with Asgeir Mickelson), I’ve done vocals for ScariotMomentum Shift” (2007) (with Asgeir and Steve Di Giorgio) and guest vocals on MayhemGrand Declaration Of War” (2000), plus guest vocals for various other projects and bands. 

DARGEDIK: Another detail that I was seeing within the biography of Terra Odium is that you recruited old comrades like Asgeir from Spiral Architect and Bollie from Manitou. Did you think about recruiting more members of your past bands like Steinar, Kaj, Lars, Tom and Jam? And what do they think of your return with "Ne Plus Ultra"? Are you still communicating with them? 

TERRA ODIUM: Yes, we first asked both Per and Tom from Manitou, but they declined. We then formed Terra Odium and recruited Asgeir and Steve. We wanted to do something different and have a different sound. Asgeir’s approach to music is different than most other drummers, and we felt our music could really benefit from that. Steve’s fretless sound and virtuous playing was also a sought-after factor that we thought would fit really well. Our sound is a result of this. Since I also play guitar, there was no need for an additional guitarist. I talk with the guys in Manitou and Spiral Architect from time to time, but I don’t know quite yet what they think of the music. 

Asgeir Mickelson (drums)

DARGEDIK: For many lovers into extreme metal, a plus point is the addition of Steve Di Giorgio on bass, a musician from other progressive and technical influences. For you, how does Steve's technical style fit into the dark music of Norwegian progressive bands? and will he be a long-term member or is he staying just for this album? Coz Steve plays in Testament and his schedule will be busy again when the shows happen again. 

TERRA ODIUM: Well, we want all instrumentalists to stand out in Terra Odium, so Steve is a perfect match. He really adds his own colour to our music, making it sound more mystic and different. He is a permanent member, but only time will tell if he will have time to join us on stage due to his busy schedule with Testament and Death To All

DARGEDIK: Within the Norwegian progressive theme, the detail highlighted on the dark and gloomy sensations. They are always present in bands like Spiral Architect, Manitou, Twisted into Form, Conception, Leprous, Ark and now Terra Odium. Why these sensations are always into Norwegian progressive music? Or perhaps it is a social factor that is presented from family aspects?

TERRA ODIUM: I thrive in the dark, I thrive alone, I love dark music, films and dark humour. I suspect it is because of the land we were born and raised in. The dark woods, the mighty mountains and treacherous seas. The winters are long and dark here and that doesn’t bother me at all. We love our nature and everything that comes with it. I think that somehow reflects in our music. 

Bollie Fredriksen (guitar)

DARGEDIK: Returning to the theme of Terra Odium and this "Ne Plus Ultra". For me it is a great satisfaction to hear your voice again in a new recording, which has remained intact since the 90s. Tell me, how do you keep your voice with the same intensity after so many years? Is it difficult to have a different vocal timbre/tone from many vocalists in the world? Coz your voice is distinguishable over many other vocalists around the world. 

TERRA ODIUM: Thank you! Back in 2003 my voice was in a really bad shape after years of, let’s say, a bad lifestyle. It killed my voice, so I quit smoking. It took years to get back in shape again. Now I exercise every day and keep myself in a healthy shape. I also experimented with new techniques and ideas and that has made all the difference. If my voice differs from others, that hopefully makes me stand out. To me, that is a plus. 

DARGEDIK: Speaking of vocalists, when I first heard Manitou, I always believed that your voice had a John Arch influence. So, what are your influences as a vocalist? And what do you think of voices like Leif Knashaug (Neon Night / Twisted into Form), Einar Solberg (Leprous / Ihsahn), Jørn Lande (ex-Ark) and Roy Khan (Conception)? Who were and are into the progressive world in Norway. Especially within Metal. 

TERRA ODIUM: I’m heavy influenced by Geoff Tate on “The Warning” (1984) and John Arch on “Awaken The Guardian” (1986) and “The Spectre Within” (1985), but Ray Alder, Rob Halford, Ronnie James Dio, Midnight, John Cyriis and Demis Roussos are also important to mention. Leif Knashaug sang on the first Spiral Architect demo and on some songs for Anesthesia, so he actually inspired me back in the day. I love Leprous, and Einar really stand out from the rest of them. Jørn Lande is a real powerhouse and I was amazed the first time I heard him. Roy Khan has a fantastic voice and his own style of singing. All amazing singers. 

Steve DiGiorgio (bass)

DARGEDIK: Focusing a bit on Terra Odium and "Ne Plus Ultra". The remarkable detail is that you use Latin, French and English. Why does the band use these languages? Maybe it's to give the album a global perspective with that Babylonian approach? 

TERRA ODIUM: Most people need to google Latin to understand what it says. It appeals to me that it’s educational, that you need to do some work to understand it and sometimes it’s not at all what you thought it would mean. It fits well with our progressive and complex music, and adds more mystique. 

DARGEDIK: Relating this Babylonian theme and languages, could it be related that the entrance to the labyrinth on the cover art represents a global challenge? o What is the concept that relates the labyrinth with the name of the album? Who was in charge to do the cover art? 

TERRA ODIUM: The cover photo is by Marcin Sasha, and Asgeir has done the cover design. The labyrinth could mean many things. It could illustrate a global challenge, as you said. It could illustrate the listeners way into our album or our music entering the music scene, and it could illustrate so many other things. I love that, that you can interpret the art in so many different ways, just like the lyrics or the music. Maybe you’ll experience “Ne Plus Ultra” in there, if you conquer the labyrinth. It also fit very well into the progressive metal genre, and you kind of know what style it is just by looking at the cover. 

Jon Phipps (keyboards  and orchestrations)

DARGEDIK: And within this theme of the concept of lyric and music, where does your inspiration begin to create your themes, in the lyrics, in the notes? Do you think that music complements the lyrics or vice versa, perhaps you have two paths that become one or is it just one with many paths? 

TERRA ODIUM: Our main goal with our music is to evoke emotions, to take the listener somewhere. When we write songs, it always starts with the guitar, with the riffs. Bollies guitar riffs really inspires me and often I get the vocal melodies at once. I read old poems and sometimes a poem is so visually fascinating to me that I choose to use it in a song, if I can get the rights to use it. If I write the lyrics myself, I write without a specific melody or music in mind and I seldom use rhymes. Using lyrics that way creates rhythmic challenges and that too inspires me. Sometimes we need to find unorthodox solutions to make that work. The lyrics are always meant to compliment the music, but the music is also meant to compliment the lyrics. I think “It Was Not Death” showcases this well. 

DARGEDIK: What I really like about your songs is that there is always a good sense of melody, great guitar work and I can feel a lot of passion in the way you play your music. What is your main inspiration to achieve these darker melodies into this first album “Ne Plus Ultra”? 

TERRA ODIUM: Wow thank you! Back in the day we always tried to tone down the melodies in fear of sounding too sell out or commercial. In the later years we’ve discovered that the music is still heavy and that it never, in our ears, sound too melodic or “commercial”. We’ve now learned to embrace the good melodies, though we feel we have our own style that is a bit too weird for the man on the street. We know we’re not for everybody, but that has never been our intention either. I can only speak for myself regarding the inspiration, but my melodies come from improvising over Bollies guitar riffs and conjuring inspiration from old favourite albums. 


DARGEDIK: Now we will change the subject completely and we will focus on other subjects that are always within the metal world. Into the matter of how an underground band and a mainstream band was should be considered, there are patterns that more vinyl or cassette productions stick to the underground concept according to the fans, and the CD only expanded the collections. What do you think are the factors for fans to stick to this underground metal concept? And where is located the digital platforms? 

TERRA ODIUM: It seems that the fans of underground metal are more die hard than the fans of more commercial music, and they cherish physical copies, like vinyl and cassette, more than streaming. It is something special to have a gatefold album with large photos, and actually put a physical object into play. The digital platform will never be able to reproduce that, and it kind of makes music “cheap”. 

DARGEDIK: Other detail is about the listening methods of the fans, coz this new generation prefers to hear one or two songs into the digital platforms. What are you think about the albums doesn’t have the same impact in compare of the 80s or 90s? And what does bands need to do for improve the listening of all songs in albums? 

TERRA ODIUM: Some aspects of this are very positive, but it can also be very damaging for the band. It’s great that you can hear a random song and discover a band, like the old sample albums with multiple bands back in the day. It’s positive that it’s only a push on the button, and you can discover a new band. 
The downside of this is if you heard of, say Iron Maiden, and you want to check it out. You choose a random song from a playlist of maybe 100 songs. That song will be your first meeting with that band and will have a huge impact on what your perception of this band will be. You may get a song with D’ianno, Dickinson or Blaze. For me, the first five albums are fantastic, but maybe I’d never been a fan today if my first meeting with Iron Maiden was a song from “The X-Factor” (1995). The songs on “Ne Plus Ultra” are not random songs in random order. They are carefully put together and meant to be listened to in that order and as a whole album. The songs obviously stand on their own feet too, but I hope people will enjoy and “understand” the album as a whole. 


DARGEDIK: Personal question, I'm a huge fan of your music with Spiral Architect and Manitou. Tell me, are there plans to release new productions with both bands? And if the answer is yes, when will they release it? This year or next? 

TERRA ODIUM: Cool! As of now there are no plans to release more from Manitou. Regarding Spiral Architect … you never know. Maybe there’s coming something one day … We never disbanded, but the years simply just go by … 

DARGEDIK: Well, Øyvind, the sad time arrives at this interview, I hope you enjoyed this one as I did, thank you very much for your time. Congratulations for the new album. Take care of our best wishes from this part of the world. Any last words for your Latin American fans and Dargedik readers? 

TERRA ODIUM: Thank you! I’m honoured that you wanted us to participate in this interview, it was both fun and interesting! I hope that one day – when the world is back to “normal” – that we can bring Terra Odium to Latin-America. It would be great to play some live shows there. In the meantime: I hope you all enjoy “Ne Plus Ultra”! Hails from the mountains and fjords of Norway.

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